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Auction Description for Koller: Impressionist & Modern Art
Viewing Notes:
Daily from 8th to 17th June 10am to 7pm.
Sale Notes:
www.invaluable.com/kollerauktionen

Impressionist & Modern Art

by Koller Auctions

Platinum House

67 lots with images

June 21, 2013

Live Auction

Hardturmstrasse 102

Zurich, 8031 Switzerland

Phone: 00 41 44 445 63 63

Fax: 00 41 44 273 19 66

Email: office@kollerauktionen.ch

67 Lots
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LANSKOY, ANDRÉ (Moscow 1902 - 1976 Paris) Jeune

Lot 3202: LANSKOY, ANDRÉ (Moscow 1902 - 1976 Paris) Jeune

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Description: LANSKOY, ANDRÉ (Moscow 1902 - 1976 Paris) Jeune femme. 1927. Oil on canvas. Signed upper right and lower right: Lanskoy. 55 x 46 cm. André Schoeller, Paris, has confirmed the authenticity of this work. A certificate can be made available to the purchaser on request. Provenance: - The artist's studio. - Private collection Paris (acquired directly from the artist). - Private collection Switzerland (via inheritance to the current owner). LANSKOY, ANDRÉ (Moskau 1902 - 1976 Paris) Jeune femme. 1927. Öl auf Leinwand. Oben und unten rechts jeweils signiert: Lanskoy. 55 x 46 cm. André Schoeller, Paris, bestätigt die Authentizität des Werkes. Dem Käufer kann auf Wunsch ein Zertifikat ausgestellt werden. Provenienz: - Atelier des Künstlers. - Privatbesitz Paris (direkt vom Künstler erworben). - Privatbesitz Schweiz (durch Erbschaft an den heutigen Eigentümer).

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LANSKOY, ANDRÉ (Moscow 1902 - 1976 Paris) Bouquet

Lot 3203: LANSKOY, ANDRÉ (Moscow 1902 - 1976 Paris) Bouquet

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Description: LANSKOY, ANDRÉ (Moscow 1902 - 1976 Paris) Bouquet de fleurs sur fond rouge. 1926. Oil on canvas. Signed lower right: a. Lanskoy. Also signed, dated and inscribed verso: Lanskoy / Paysage.. / 1926. 100 x 74 cm. André Schoeller, Paris, has confirmed the authenticity of this work. A certificate can be made available to the purchaser on request. Provenance: - The artist's studio. - Private collection Paris (acquired directly from the artist). - Private collection Switzerland (via inheritance to the current owner). LANSKOY, ANDRÉ (Moskau 1902 - 1976 Paris) Bouquet de fleurs sur fond rouge. 1926. Öl auf Leinwand. Unten rechts signiert: a. Lanskoy. Sowie verso signiert, datiert und bezeichnet: Lanskoy / Paysage / 1926. 100 x 74 cm. André Schoeller, Paris, bestätigt die Authentizität des Werkes. Dem Käufer kann auf Wunsch ein Zertifikat ausgestellt werden. Provenienz: - Atelier des Künstlers, Paris. - Privatbesitz Paris (direkt vom Künstler erworben). - Privatbesitz Schweiz (durch Erbschaft an den heutigen Eigentümer).

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UTRILLO, MAURICE (Paris 1883 - 1955 Dax) Paysage à

Lot 3204: UTRILLO, MAURICE (Paris 1883 - 1955 Dax) Paysage à

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Description: UTRILLO, MAURICE (Paris 1883 - 1955 Dax) Paysage à Montmagny. Circa 1908. Oil on board. Signed lower left: Maurice Utrillo V. 38 x 47 cm. Jean Fabris has confirmed the authenticity of this work: Paris April 2013. Provenance: - Collection of Dr. Pollag, Bern. - Private collection, Switzerland. UTRILLO, MAURICE (Paris 1883 - 1955 Dax) Paysage à Montmagny. Um 1908. Öl auf Karton. Unten links signiert: Maurice Utrillo V. 38 x 47 cm. Die Authentizität des Werkes wurde von Jean Fabris, Paris, April 2013, bestätigt. Provenienz: - Sammlung Dr. Pollag, Bern. - Privatsammlung Schweiz.

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LOISEAU, GUSTAVE (1865 Paris 1935) Champs de blé.

Lot 3205: LOISEAU, GUSTAVE (1865 Paris 1935) Champs de blé.

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Description: LOISEAU, GUSTAVE (1865 Paris 1935) Champs de blé. Oil on canvas. Signed lower left: G. Loiseau 54 x 73.5 cm. Didier Imbert, Paris, has confirmed the authenticity of this work. An expertise will be supplied to the purchaser on request. Provenance: - Arthur Tooth & Sons, London 1963. - Private collection, USA. - Private collection, Germany LOISEAU, GUSTAVE (1865 Paris 1935) Champs de blé. Öl auf Leinwand. Unten links signiert: G. Loiseau 54 x 73,5 cm. Die Authentizität des Werkes wurde von Didier Imbert, Paris, bestätigt. Dem Käufer kann auf Wunsch eine Expertise ausgestellt werden. Provenienz: - Arthur Tooth & Sons, London 1963. - Privatsammlung USA. - Privatsammlung Deutschland.

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PICABIA, FRANCIS (1879 Paris 1953) Bord du Loing,

Lot 3206: PICABIA, FRANCIS (1879 Paris 1953) Bord du Loing,

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Description: PICABIA, FRANCIS (1879 Paris 1953) Bord du Loing, Moret. 1902. Oil on panel. Signed and dated lower right: Picabia 1902. 23 x 32 cm. The 'Comité Picabia' has confirmed the authenticity of this work, Paris, 17 April 2012. The work will be included in the Catalogue Raisonné de l'Oeuvre de Francis Picabia which is currently being prepared by Pierre Calte, under number 3235. Provenance: Private collection, France. PICABIA, FRANCIS (1879 Paris 1953) Bord du Loing, Moret. 1902. Öl auf Holz. Unten rechts signiert und datiert: Picabia 1902. 23 x 32 cm. Die Authentizität des Werkes wurde von dem 'Comité Picabia' bestätigt, Paris, 17. April 2012. Das Werk wird in den in Vorbereitung befindlichen Catalogue Raisonné de l'Oeuvre de Francis Picabia, bearbeitet von Pierre Calte, unter der Nummer 3235 aufgenommen. Provenienz: Privatsammlung Frankreich. Der in den 1860er Jahren in Paris u.a. von Claude Monet, Camille Pissarro, Auguste Renoir und Alfred Sisley entwickelte Impressionismus wird Anfang des 20. Jahrhunderts von einer jüngeren Künstlergenerationen tradiert und weiterentwickelt. Sammler aus der ganzen Welt reissen sich nun um die Werke der modernen französischen Malerei; und auch in der Schweiz erliegen in dieser Zeit berühmte Privatsammler wie Emil Bührle, das Ehepaar Hahnloser und Oskar Reinhardt ihrem Zauber. Die erste der nicht wenigen Perioden des vielseitigen Schaffens Picabias ist die vom Impressionismus beeinflusste zu Beginn seiner malerischen Tätigkeit. Er absolviert 1894-97 ein Studium an der renommierten École Supérieure des Arts Décoratifs in Paris und vertieft später bei Ferdinand Humbert seine künstlerische Ausbildung. 1899 debütiert er mit einer Landschaft beim Salon des Artistes Français, und vier Jahre später stellt er sowohl beim Salon des Indépendants wie beim Salon d´Automne impressionistische Landschaften aus. Anregungen hierzu hat Picabia beim Werk Alfred Sisleys sowie Camille Pissaros erhalten, mit dessen Sohn Manzana er befreundet ist. Bei Humbert sollte der junge Maler aber auch auf seinen Mitstudenten Georges Braque treffen, der später gemeinsam mit Pablo Picasso den Kubismus entwickelt. Picabia bricht 1909 mit dem Impressionismus - sehr zum Leidwesen seines Galeristen, der dessen Bilder exzellent hatte verkaufen können - und zählte in den nachfolgenden Jahrzehnten gemeinsam mit seinen langjährigen Freunden Man Ray und Marcel Duchamp zu den Vorreitern des Dadaismus. Die vorliegende, 1902 geschaffene Ansicht des Loing-Ufers, ist eine sehr beliebte Ansicht der Impressionisten. Vor allem Sisley hat die Stimmungen der Gegend dieses Seine-Nebenflusses in mannigfacher Weise eingefangen. Es gehört schon viel Mut dazu, sich als junger Künstler in diese grossen Fusstapfen zu wagen. Doch, dass er sich beweisen kann, zeigt er nicht nur anhand einiger grossartiger, impressionistischer Gemälde, sondern auch durch seine spätere Laufbahn, in welcher er sich stark weiterentwickeln sollte. An vorliegendem Werk, welches nicht eine brav impressionistisch gemalte Landschaftsstudie ist, sondern geradezu ein wildes Einfangen von Licht- und Farbmomenten, zeigt sich bereits das grosse Selbstvertrauen des Künstlers. Unser 'Loing-Ufer' markiert also die erste Station eines Künstlers, der mit seinen ebenso zahlreichen wie konsequenten Stilwechseln zu einem der ganz grossen Protagonisten des vergangenen Jahrhunderts zählt.

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ROSSO, MEDARDO (Turin 1858 - 1928 Milan) Gavroche.

Lot 3207: ROSSO, MEDARDO (Turin 1858 - 1928 Milan) Gavroche.

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Description: ROSSO, MEDARDO (Turin 1858 - 1928 Milan) Gavroche. 1882. Bronze with black patina on original marble plinth. With incised signature on the left shoulder: M.Rosso. 31 x 30 x 21.5 cm (without plinth). With certificate by Luciano Caramel: Milan, 1 October 1994. Provenance: Private collection, France. Literature: - Mola, Paola; Vittuci, Fabio. Medardo Rosso. Catalogo Ragionato della scultura, Milano 2009, III.2.c., p. 350. - Exh. cat.: Schwarz, Dieter/Brunk, Brigit. Medardo Rosso.Kunstmuseum Winterthur, 6 September - 23 November 2003, Winterthur 2003, pp. 77/199 (with ill.). - Fagioli, Marco. Medardo Rosso. Catalogo delle sculture, Florence 1993, Cat. No.6. Exhibited: 2003 Winterthur: Schwarz, Dieter/Brunk, Brigit. Medardo Rosso.Kunstmuseum Winterthur, 6 September - 23 November 2003, Winterthur 2003, p. 77 (with ill.). ROSSO, MEDARDO (Turin 1858 - 1928 Mailand) Gavroche. 1882. Bronze mit schwarzer Patina, auf originalem Marmorsockel. Mit der eingeritzen Signatur auf der linken Schulter: M. Rosso. 31 x 30 x 21,5 cm (ohne Sockel). Mit Zertifikat von Luciano Caramel, Mailand, 1. Oktober 1994. Provenienz: Privatsammlung Frankreich. Literatur: - Mola, Paola; Vittuci, Fabio. Medardo Rosso. Catalogo Ragionato della scultura, Milano 2009, III.2.c., S. 350. - Ausst.Kat.: 'Medardo Rosso', Dieter Schwarz, Birgit Brunk et. al., Kunstmuseum Winterthur, 6. September bis 23. November 2003, Winterthur 2003, S. 77/199 (mit Abb.). - Fagioli, Marco. Medardo Rosso. Catalogo delle sculture, Florenz 1993, Kat.Nr.6. Ausstellung: 2003 Winterthur: Kunstmuseum Winterthur, Medardo Rosso, 6. September bis 23. November 2003, Winterthur 2003, S. 77 (mit Abb.).

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BERNARD, EMILE (Lille 1868 - 1941 Paris) Bildnis

Lot 3208: BERNARD, EMILE (Lille 1868 - 1941 Paris) Bildnis

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Description: BERNARD, EMILE (Lille 1868 - 1941 Paris) Bildnis der Madeleine Bernard. 1889. Oil on canvas. Signed lower right: Bernard. 61 x 38 cm. Provenance: - Madeleine Bernard, Paris. - Christian de Galea, Paris. - Private collection, London. Literature: Luthi, Jean-Jacques: Emile Bernard, Catalogue Raisonné de l'Oeuvre Peint, p. 34, No. 201 (with ill.). BERNARD, EMILE (Lille 1868 - 1941 Paris) Bildnis der Madeleine Bernard. 1889. Öl auf Leinwand. Unten rechts signiert: Bernard. 61 x 38 cm. Provenienz: - Madeleine Bernard, Paris. - Christian de Galea, Paris. - Privatsammlung New York. Literatur: - Luthi, Jean-Jacques. Emile Bernard. Catalogue Raisonne de l'Oeuvre Peint, Paris 1982, S. 34, Nr. 201 (mit Abb.).

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CAILLEBOTTE, GUSTAVE (Paris 1848 - 1894

Lot 3209: CAILLEBOTTE, GUSTAVE (Paris 1848 - 1894

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Description: CAILLEBOTTE, GUSTAVE (Paris 1848 - 1894 Gennevilliers) Petit bras de la Seine, effet d'automne. 1890. Oil on canvas. Signed lower right: G. Caillebotte. 65.2 x 54 cm. Provenance: - Ambroise Vollard, Paris. - Drouot, 27. November 1940, No. 40. - Distinguished private collection, Switzerland. Literature: Berhaut, Marie. Caillebotte - Sa Vie et son Oeuvre, Catalogue Raisonné des Peintures et Pastels, Paris 1978, No. 386, p. 211 (with ill.). The Seine is a recurring motif in the painterly oeuvre of Gustave Caillebotte. In the present work he takes the viewer on a journey down a small branch of the Seine. The composition carries us along the river, past densely overgrown banks and a small farm. On the right side, the branches of a tree glide into view as if we suddenly slid past them in our boat. Trees and riverbank are reflected in the smooth surface of the water. Overall there resides in the scenery a tranquility that draws the viewer under its spell time and again, inviting him to linger further, to enjoy nature, its colours and the sparkling light of the approaching autumn. Water plays a substantial role in Caillebotte's life. Besides painting, he devotes himself intensely to sailing, participates in numerous regattas, is active as a boat builder and owns a shipyard. Gustave Caillebotte was born in 1848 in Paris. The son of a cloth merchant, he is raised in prosperous circumstances, first in Paris and later also on a riverside estate in Yerres, which serves as the family's summer residence. Caillebotte first studies law, concluding his work in 1870. In the following year, he turns to the fine arts. He works in the studio of Léon Bonnat to prepare for admission to the École des Beaux-Arts. In 1873 he passes the entrance exam and becomes the student of Jean Léon Gérôme and Alexandre Cabanel, among others. In 1874 Caillebotte visits the Impressionists' first exhibition in Paris. He soon makes their acquaintance and at the invitation of Pierre-Auguste Renoir takes part in their second exhibition in 1876. He participates in five of the total eight Impressionist exhibitions, which he furthermore supports organisationally and financially. He is active as a collector and patron of the arts and supports young artists by purchasing their pictures. In 1876, he acquires three paintings by Claude Monet, with whom he establishes a close friendship, and whom he supports financially over the next few years. In 1881 Caillebotte, together with his brother, acquires an estate at Petit-Gennevilliers on the Seine so that he can devote himself more fully to sailing. He withdraws from the Paris art world and focuses on his shipyard; with boats of his own design, he wins numerous regattas. Nevertheless, he remains active as an artist, and for him the garden at Petit-Gennevilliers is an important source of inspiration, out of which he develops many motifs of his last creative period. In 1886 Caillebotte takes part in Durand-Ruel's Impressionist exhibition in New York with ten paintings. The following year he moves his residence entirely to Petit-Gennevilliers. He maintains contact with Impressionist painter friends, Aline and Auguste Renoir repeatedly being his guests. In 1888 he takes part in the exhibition of the artists' association 'Les XX' in Brussels, as well as an exhibition of Impressionists and Post-Impressionists at Durand-Ruel in Paris. The river landscape belongs to the classical repertoire of Impressionism and Caillebotte depicts it repeatedly. The Seine is, in addition to the scenery of the coast and inland area of Calvados, a frequent motif in his late work. However, it is not the lively shore scene, the sailors or rowers on the river that interest him here, but only the water, the trees, the light and the reflections. The choice of view, framed naturally by the trees, ensures a clear and balanced composition correlating with the almost symmetrically placed blue areas of sky and water. The love of painting and the element of water are equally noticeable in this painting. They are also apparent in the balanced composition and the play with perspective, as well as the virtuoso treatment of colour and light, which lend the scene its fascination. In 1894 Caillebotte dies of a stroke at the age of 46. He bequeaths his collection to the French nation and it enters the Louvre in 1928. His own works are found today in numerous international museums in Chicago, Washington, Lausanne and Paris, among others. CAILLEBOTTE, GUSTAVE (Paris 1848 - 1894 Gennevilliers) Petit bras de la Seine, effet d'automne. 1890. Öl auf Leinwand. Unten rechts mit der Signatur: G. Caillebotte. 65,2 x 54 cm. Provenienz: - Ambroise Vollard, Paris. - Drouot, 27. November 1940, Nr. 40. - Privatsammlung Schweiz. Literatur: Berhaut, Marie. Caillebotte - Sa Vie et son Oeuvre. Catalogue Raisonné des Peintures et Pastels, Paris 1978, Nr. 386, S. 211 (mit Abb.). Die Seine ist ein wiederkehrendes Motiv im malerischen Schaffen von Gustave Caillebotte. Im vorliegenden Gemälde nimmt er den Betrachter mit auf eine Fahrt über einen kleinen Nebenarm der Seine. Der Blick führt uns den Fluss entlang, vorbei an den dicht bewachsenen Ufern und einem kleinen Gehöft. Auf der rechten Seite schieben sich die Äste eines Baumes in unser Blickfeld als würden wir in unserem Boot plötzlich an ihnen vorbeigleiten. Bäume und Uferböschung spiegeln sich in der ruhigen Wasseroberfläche. Überhaupt wohnt der ganzen Szenerie eine Ruhe inne, die den Betrachter immer wieder in den Bann zieht, ihn einlädt weiter zu verweilen, die Natur, ihre Farben und das strahlende Licht des herannahenden Herbstes zu genießen. Das Wasser spielt eine wesentliche Rolle in Caillebottes Leben. Neben der Malerei widmet er sich intensiv dem Segelsport, ist Teilnehmer zahlreicher Regatten, betätigt sich als Bootskonstrukteur und besitzt eine eigene Werft. Gustave Caillebotte wird 1848 in Paris geboren. Als Sohn eines Tuchhändlers wächst er in wohlhabenden Verhältnissen zunächst in Paris auf, später auch auf dem am Fluss gelegenen Landgut in Yerres, das der Familie als Sommersitz dient. Caillebotte studiert zunächst Jura und schließt 1870 sein Studium ab. Im darauffolgendem Jahr wendet er sich der Bildenden Kunst zu. Er arbeitet im Atelier von Léon Bonnat, um sich auf die Aufnahme an der Ecole des Beaux-Arts vorzubereiten. 1873 besteht er die Aufnahmeprüfung und wird Schüler von u.a. Jean Léon Gérome und Alexandre Cabanel. 1874 besucht Caillebotte in Paris die erste Impressionisten-Ausstellung. Er macht bald ihre Bekanntschaft und nimmt 1876 auf Einladung von Pierre-Auguste Renoir an ihrer zweiten Ausstellung teil. Er beteiligt sich an fünf der insgesamt acht Impressionisten-Ausstellungen, die er zudem organisatorisch und finanziell unterstützt. Er betätigt sich als Sammler und Mäzen und fördert die jungen Künstler durch Ankäufe ihrer Bilder. 1876 erwirbt er drei Gemälde von Claude Monet, mit dem ihn eine enge Freundschaft verbindet und den er in den nächsten Jahren finanziell unterstützt. 1881 erwirbt Caillebotte gemeinsam mit seinem Bruder ein Anwesen in Petit-Gennevilliers an der Seine, um sich stärker dem Segeln widmen zu können. Er zieht sich aus dem Pariser Kunstleben zurück und konzentriert sich auf seine Werft, mit seinen selbstkonstruierten Booten gewinnt er zahlreiche Regatten. Er bleibt jedoch auch künstlerisch tätig, wobei ihm der Garten in Petit-Gennevilliers wichtige Inspirationsquelle ist, aus der viele Motive seiner letzten Schaffensphase hervorgehen. 1886 nimmt Caillebotte mit 10 Gemälden an der Ausstellung der Impressionisten von Durand-Ruel in New York teil. Im Jahr darauf verlegt er seinen Wohnsitz vollständig nach Petit-Gennvilliers. Den Kontakt zu den impressionistischen Malerfreunden hält er weiter aufrecht, so sind Aline und Auguste Renoir wiederholt seine Gäste. 1888 nimmt er an der Ausstellung der Künstlervereinigung 'Les XX' in Brüssel sowie einer Ausstellung der Impressionisten und Post-Impressionisten bei Durand-Ruel in Paris teil. Die Flusslandschaft gehört zum klassischen Repertoire des Impressionismus, die auch Caillebotte wiederholt darstellt. Die Seine ist neben den Landschaften von der Küste und Hinterland des Calvados ein häufiges Motiv in seinem Spätwerk. Hier ist es jedoch nicht die belebte Uferszene, die Segler oder Ruderer auf dem Fluss, die ihn interessieren, sondern allein das Wasser, die Bäume, das Licht und die Spiegelungen. Die Wahl des Bildausschnittes mit seinen seitlichen durch die Bäume natürlich vorgegebenen Begrenzungen sorgt für eine klare und ausgewogene Komposition, die in den nahezu symmetrisch angelegten blauen Flächen von Himmel und Wasser ihre Entsprechung findet. Die Liebe zur Malerei und zum Element Wasser ist im vorliegenden Gemälde gleichermaßen spürbar. Sie offenbaren sich in der ausgewogenen Komposition, dem Spiel mit der Perspektive sowie der virtuosen Behandlung der Farben und des Lichts, die dem Motiv seine Faszination verleihen. 1894 stirbt Caillebotte im Alter von 46 Jahren an einem Schlaganfall. Seine Sammlung vermacht er dem französischen Staat, die 1928 in den Besitz des Louvre übergeht. Seine eigenen Werke finden sich heute in zahlreichen internationalen Museen von Chicago, Washington, Lausanne, Paris u.a.

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GUILLAUMIN, ARMAND (Paris 1841 - 1927 Orly)

Lot 3210: GUILLAUMIN, ARMAND (Paris 1841 - 1927 Orly)

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Description: GUILLAUMIN, ARMAND (Paris 1841 - 1927 Orly) Paysage, Ile-de-France. Circa 1874. Oil on canvas. 38.3 x 46.3 cm. Provenance: Swiss private collection since the beginning of 1970. GUILLAUMIN, ARMAND (Paris 1841 - 1927 Orly) Paysage, Ile-de-France. Um 1874. Öl auf Leinwand. 38,3 x 46,3 cm. Provenienz: Schweizer Privatsammlung seit Anfang 1970.

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GUILLAUMIN, ARMAND (Paris 1841 - 1927 Orly)

Lot 3211: GUILLAUMIN, ARMAND (Paris 1841 - 1927 Orly)

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Description: GUILLAUMIN, ARMAND (Paris 1841 - 1927 Orly) Crozant, première neige. 1893. Oil on canvas. Signed lower left: guillaumin, also inscribed verso on stretcher: Crozant Xbre 1893 première neige 9h du matin. 54 x 65 cm. The Comité Guillaumin, confirmed the authenticity of this work, Paris, 21 November 2011. The work will be included in vol 2 of the Catalogue raisonné which is currently being prepared by Dominique Fabiani, Stéphanie Chardeau-Botteri and Jacques de la Béraudière Provenance: - Comte Armand Doria, Château d'Orrouy. - European private collection. GUILLAUMIN, ARMAND (Paris 1841 - 1927 Orly) Crozant, première neige. 1893. Öl auf Leinwand. Unten links signiert: guillaumin, zudem verso auf dem Keilrahmen bezeichnet: Crozant Xbre 1893 première neige 9h du matin. 54 x 65 cm. Die Authentizität des Werkes wurde von dem Comité Guillaumin, Paris, bestätigt, 21. November 2011. Das Werk wird in den in Vorbereitung befindlichen 2. Band des Werkverzeichnisses, bearbeitet von Dominique Fabiani, Stéphanie Chardeau-Botteri und Jacques de la Béraudière, aufgenommen. Provenienz: - Comte Armand Doria, Château d'Orrouy. - Europäische Privatsammlung.

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PISSARRO, CAMILLE (Charlotte Amalie 1830 - 1903

Lot 3212: PISSARRO, CAMILLE (Charlotte Amalie 1830 - 1903

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Description: PISSARRO, CAMILLE (Charlotte Amalie 1830 - 1903 Paris) Les Sarcleurs. 1882. Gouache on silk laid on cardboard. Signed and dated lower right: C. Pissarro 82. 20 x 30 cm. PISSARRO, CAMILLE (Charlotte Amalie 1830 - 1903 Paris) Les Sarcleurs. 1882. Gouache auf Seide, auf Karton (Originalmontierung). Unten rechts signiert und datiert: C. Pissarro. 82. 20 x 30 cm. Provenienz: - Maurice Gobin, Paris. - Sammlung Ernst Rouart. - Privatsammlung. Literatur: Pissarro, Ludovic Rodo; Venturi, Lionello. Camille Pissarro. Son Art, Son Oeuvre, Paris, 1939, Nr. 1359, S. 269, Tafel 265 (mit Abb.). Camille Pissarro's Arbeit 'Les Sarcleurs' zeigt, wie der Titel besagt, Bauersfrauen beim Jäten im Felde. Dieses Motiv malt Pissarro wiederholt, auch in Öl. Viele Impressionisten, vor allem aber Pissarro, haben stets, was angesichts der vielen Landschafts-, Garten- und Gesellschaftsmotiven in der impressionistischen Malerei etwas vergessen geht, ein Auge für soziale Realitäten. Pissaro malt oft die Bauernbevölkerung, vor allem Frauen, bei der Arbeit. Seine Bilder zeigen dabei die Mühen und Armut des bäuerlichen Alltags, gleichzeitig stilisiert er ihre Protagonisten, vor allem im Kontrast zur Hektik und sozialen Härte der Stadt, zu idealisierten, freien Menschen, die sich ihr Brot mit den eigenen Händen verdienen. Als einer der wichtigsten Begründer des Impressionismus zeigt Pissarro dabei auch mit Gouache sein Gefühl für Komposition und Farbe, das mit meisterlicher Leichtigkeit das Licht und die Lebendigkeit des Moments auf Papier bannen kann und das uns teilnehmen lässt an der Mühsal der Feldarbeit, aber ebenso am stillen, fast glücklichen Schaffen in der freien Natur.

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SISLEY, ALFRED (Paris 1839 - 1899 Moret-sur-Loing)

Lot 3213: SISLEY, ALFRED (Paris 1839 - 1899 Moret-sur-Loing)

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Description: SISLEY, ALFRED (Paris 1839 - 1899 Moret-sur-Loing) A la lisière de la fôret - Les Sablons. 1884/85. Oil on canvas. Signed lower right : Sisley. 54.5 x 65.5 cm. The Comité Alfred Sisley, Brame & Lorenceau, Paris, has confirmed the authenticity of this work, Paris, 26. April 2013. Provenance: - Ernest May, Paris. - Granddaughter of Ernest May (via inheritance, until 1991). - Private collection Switzerland. Exhibited: - Tokio/Hokkaido/Okayama/Nara 1998: Monet, Renoir et les Impressionistes, Tobu Museum of Art, Tokio / Hokkaido Obihiro Museum of Art / The Okayama Prefectural Museum of Art / Nara Prefectural Museum of Art, 1998, Cat. No. 20, pp. 58f. (with ill.), and p. 150. - Cologne 2001: Miracle de la couleur, Wallraf-Richardtz-Museum, no Cat. No. p. 440, plate p. 441. - Rotterdam 2003: Miracle de la couleur, Kunsthalle Rotterdam, Zwolle 2003, no Cat. No, plate p. 41. - Turku 2005: Värin ihme - Impressionisteja ja postimpressionisteja. Yhteistyössä Kölnin Wallraf-Richartzmuseon (Färgernas mirakel - Impressionister och postimpressionister. I samarbete med Wallraf-Richartz-museet - Corboud-stiftelsen), Exh. Cat. Wäinö Aaltosen museo (Wäinö Aaltonens museum), Turku, 2005, no Cat. No., ill. p. 40. - Cologne 2006: Barbara Schaefer (with article by Götz Czymmek), Französische Malerei des 19. Jahrhunderts II. Die Impressionisten und ihre Nachfolger - (=Bildhefte zur Sammlung, 13), Pub by Wallraf-Richartz-Museum & Fondation Corboud/Stadt Köln), Cologne 2006, p. 124 (no Cat. No.). - Ostfildern 2008: Barbara Schaefer (Red.), Meister des Impressionismus/Masters of Impressionism. Die Kölner Sammlung/The Cologne Collection - Wallraf-Richartz-Museum & Fondation Corboud, hrsg. v. Andreas Blühm, Ostfildern 2008, p. 302 and ill. p. 77 (above). - Vienna 2009/2012: Iris Schaefer/Caroline von Saint-George/Katja Lewerentz/Heinz Widauer/Gisela Fischer, Impressionismus. Wie das Licht auf die Leinwand kam, Exh. Cat. Albertina, Vienna 2009/2010, no Cat. No, p. 308 and ill. 245, p. 243. - Aomori 2011: Painting Light: The hidden techniques of the Impressionists, Exh. Cat. Aomori Museum of Art, Aomori 2011, Cat. No. 22. Sisley's works are distinguished by a particular feeling for pictorial space, composition and the play of light and shadow. In the work presented here, he brings the viewer to the edge of a forest near a small village in the Ile-de-France. However, he does not direct the gaze over the small sand path in the distant background, instead leading it straight to the gently sloping ground at the forest edge. Over the uneven earth with small patches of grass and bushes on a fine netting of shadows, the still bare trees are scattered on the slope up to the haystack that has been piled up on the roadside. What interests him are the various shrubs, whose foliage and branches he reproduces in a sensitive palette, and the play of light and shadow that can be observed on this sunny day under an almost cloudless sky. Alfred Sisley was born in 1839 as the son of an English businessman in Paris. He is sent by his parents for an education in business to London, where he comes into contact with the works of the English landscape painters Willam Turner, John Constable and Richard Parkes Bonington. In 1862 he returns to Paris with the desire to become a painter and begins his artistic training in the studio of Charles Gleyre, where he makes the acquaintance of Claude Monet, Pierre-Auguste Renoir and Frederic Bazille. With them, he goes to the forest of Fontainebleau to paint in the outdoors. In 1866, he exhibits his first paintings at the Paris Salon. His early landscapes are predominantly painted in dark colours with muted brown tones. The influence of Gustave Courbet, Charles-Francois Daubigny, and especially Jean-Baptiste-Camille Corot can be recognised. Around 1870, Sisley turns increasingly to the Impressionist painting style, his palette brightens noticeably, and he applies his brushstrokes more freely, side by side. During the Franco-Prussian War, the Sisley family loses their fortune, which so far had provided Alfred's livelihood. Alfred Sisley remains at this time in London, where he gets to know the art dealer Paul Durand-Ruel, who supports him from then on. In 1874 Sisley participates in the first Impressionist exhibition with five paintings. He takes part in four of the eight Impressionist exhibitions altogether, lastly in 1882 with 27 paintings. Beginning in the late 1870s, landscape paintings emerge from the area around Paris, Marly, Bougival and Louveciennes, in which the influence of Claude Monet is clearly evident. There are pictures of streets and squares in small towns, rivers and canals at various times of day and the year, in which he gives particular attention to the vegetation, the movement of water and clouds. Green, pink and violet count among his favourite colours and their intensity increases over the years. From 1883 until 1889 Sisley lives in Veneux-les-Sablons, a village in the Ile-de-France near Fontainebleau, whose surroundings he records in a series of landscape paintings. Here Sisley captures the still tender, awakening vegetation at the edge of a forest in the soft, fresh colours of spring. The shadows of the slender trees effectually fall on the slope down the small hill and thus provide a compositional counterweight to the emerging stems and branches. In the centre of the picture lies a haystack where the gaze of the stroller falls, giving the viewer a sense of the proportions of the image details. We encounter the motif of the haystack repeatedly in the artist's landscapes, as well as in the works of other painters of this period, such as Vincent van Gogh (Fig. 1) or Claude Monet, who find their subjects in the fields and meadows of their environs. From 1883 onwards, Sisley gradually achieves financial security through the sale of his pictures. Though already gaining the admiration of fellow painters during his lifetime, Sisley experiences overwhelming rejection from the art critics. In 1899 Sisley dies in poverty. Only a year later his painting 'Flood' of 1876 sells for 43.000 francs. Today his works rank among the masterpieces of Impressionist painting, are presented at numerous international exhibitions, and are found in the collections of many major museums. SISLEY, ALFRED (Paris 1839 - 1899 Moret-sur-Loing) A la lisière de la fôret - Les Sablons. Um 1884/85. Öl auf Leinwand. Unten rechts signiert: Sisley. 54,5 x 65,5 cm. Die Authentizität des Werkes wurde vom Comité Alfred Sisley, Brame & Laurenceau, Paris, 26. april 2013 bestätigt. Provenienz: - Ernest May, Paris. - Enkelin von Ernest May (durch Erbschaft; bis 1991). - Privatsammlung Schweiz. Ausstellungen: - Tokio/Hokkaido/Okayama/Nara 1998: Monet, Renoir et les Impressionistes, Tobu Museum of Art, Tokio / Hokkaido Obihiro Museum of Art / The Okayama Prefectural Museum of Art / Nara Prefectural Museum of Art, 1998, Kat. Nr. 20, S. 58f. (mit Abb.) und S. 150. - Köln 2001: Miracle de la couleur, Wallraf-Richardtz-Museum, o. Kat. Nr., S. 440, Tafel S. 441. - Rotterdam 2003: Miracle de la couleur, Kunsthalle Rotterdam, Zwolle 2003, o. Kat. Nr., Tafel S. 41. - Turku 2005: Värin ihme - Impressionisteja ja postimpressionisteja. Yhteistyössä Kölnin Wallraf-Richartzmuseon (Färgernas mirakel - Impressionister och postimpressionister. I samarbete med Wallraf-Richartz-museet - Corboud-stiftelsen), Ausst. Kat. Wäinö Aaltosen museo (Wäinö Aaltonens museum), Turku, 2005, o. Kat. Nr., Abb. S. 40. - Köln 2006: Barbara Schaefer (mit einem Beitrag von Götz Czymmek), Französische Malerei des 19. Jahrhunderts II. Die Impressionisten und ihre Nachfolger - (=Bildhefte zur Sammlung, 13), hrsg. v. Wallraf-Richartz-Museum & Fondation Corboud/Stadt Köln), Köln 2006, S. 124 (o. Kat. Nr.). - Ostfildern 2008: Barbara Schaefer (Red.), Meister des Impressionismus/Masters of Impressionism. Die Kölner Sammlung/The Cologne Collection - Wallraf-Richartz-Museum & Fondation Corboud, hrsg. v. Andreas Blühm, Ostfildern 2008, S. 302 u. Abb. S. 77 (oben). - Wien 2009/2012: Iris Schaefer/Caroline von Saint-George/Katja Lewerentz/Heinz Widauer/Gisela Fischer, Impressionismus. Wie das Licht auf die Leinwand kam, Ausst. Kat. Albertina, Wien 2009/2010, o. Kat. Nr., S. 308 u. Abb. 245, S. 243. - Aomori 2011: Painting Light: The hidden techniques of the Impressionists, Ausst. Kat. Aomori Museum of Art, Aomori 2011, Kat. Nr. 22. Sisleys Werke zeichnen sich durch ein besonderes Gefühl für den Bildraum, den Bildaufbau und das Spiel von Licht und Schatten aus. In dem vorliegenden Werk führt er den Betrachter an den Rand eines Waldes bei einem kleinen Dorf in der Île-de-France. Er lenkt den Blick jedoch nicht über den kleinen Sandweg in den weiten Hintergrund, sondern führt ihn direkt in das leicht ansteigende Gelände am Waldrandes. Über den unebenen Boden mit kleinen Grasflächen und Büschen über das fein gespannte Netz aus Schatten, das die noch kahlen Bäume auf die Böschung werfen bis zu dem Heuschober, der sich Wegesrand aufgeschichtet wurde. Ihn interessieren die verschiedenen Sträucher, deren Laub und Astwerk er in sensibler Palette wiedergibt, das Spiel von Licht und Schatten, das sich an diesem sonnigen Tag unter nahezu wolkenfreiem Himmel beobachten lässt. Alfred Sisley wird 1839 als Sohn eines englischen Geschäftsmannes in Paris geboren. Er wird von den Eltern für eine kaufmännische Ausbildung nach London geschickt, wo er mit den Werken der englischen Landschaftsmaler Willam Turner, John Constable und Richard Parkes Bonington in Berührung kommt. 1862 kehrt er mit dem Wunsch Maler zu werden nach Paris zurück und beginnt seine künstlerische Ausbildung im Atelier von Charles Gleyre, wo er Claude Monet, Pierre-Auguste Renoir und Frédéric Bazille kennenlernt. Mit ihnen zieht er in den Wald von Fontainbleau, um dort in der freien Natur zu malen. 1866 stellt er im Pariser Salon sein erstes Gemälde aus. Seine frühen Landschaften sind vorwiegend in dunklem Kolorit mit gedeckten Brauntönen gemalt. Sie lassen den Einfluss von Gustave Courbet, Charles-Francois Daubigny und besonders Jean-Baptiste-Camille Corot erkennen. Um 1870 wendet sich Sisley zunehmend dem impressionistischen Malstil zu, seine Palette hellt sich merklich auf und er setzt die Pinselstriche in einem freieren Auftrag nebeneinander. Während des Deutsch-Französischen Krieges verliert die Familie Sisley ihr Vermögen, mit dem sie bislang auch Alfreds Lebensunterhalt finanzieren konnte. Alfred Sisley hält sich in dieser Zeit in London auf, wo er die Bekanntschaft des Kunsthändlers Paul Durand-Ruel macht, der ihn seitdem unterstützt. 1874 beteiligt sich Sisley mit fünf Gemälden an der ersten Impressionisten-Ausstellung. Er nimmt an insgesamt vier der acht Ausstellungen der Impressionisten teil, zuletzt 1882 mit 27 Gemälden. Seit Ende der 1870er Jahre entstehen Landschaftsgemälde aus der Gegend um Paris, Marly, Bougival und Louveciennes, in denen der Einfluss Claude Monets deutlich spürbar ist. Es sind Darstellungen von Straßen und Plätzen kleiner Orte, Flüssen und Kanälen zu verschiedenen Tages- und Jahreszeiten, in denen er der Vegetation, der Bewegung des Wassers und der Wolken besondere Aufmerksamkeit schenkt. Grün, Rosa und Violett zählen zu seinen bevorzugte Farben, deren Intensität sich im Laufe der Jahre verstärkt. Von 1883 bis 1889 lebt Sisley in Veneux-les-Sablons, ein Dorf in der Île-de-France bei Fontainebleau, dessen Umgebung er in einer Reihe von Landschaftsgemälden festhält. Hier ist es die noch lichte, erwachende Vegetation am Rand eines Waldes, die Sisley in den zarten und frischen Farben des Frühlings einfängt. Wirkungsvoll fallen die Schatten der schmalen Bäume auf der Böschung den kleinen Hang hinunter und sorgen so für einen kompositorisches Gegengewicht zu den aufstrebenden Stämmen und Ästen. In der Bildmitte ruht ein Heuschober, von dem aus der Blick auf den Spaziergänger fällt, der dem Betrachter einen Eindruck der Proportionen des gewählten Bildausschnittes vermittelt. Das Motiv des Heuschobers begegnet uns mehrfach in Landschaften des Künstlers sowie wiederholt in den Werken anderer Maler der Zeit wie Vincent van Gogh oder Claude Monet (Abb. 1), die ihre Motive auf den Feldern und Wiesen ihrer Umgebung finden. Ab 1883 gewinnt Sisley durch den Verkauf seiner Bilder langsam finanzielle Sicherheit. Während ihm seine Malerkollegen schon zu Lebzeiten große Bewunderung bringen, erfährt Sisley von den Kunstkritikern große Ablehnung. 1899 stirbt Sisley in Armut. Nur ein Jahr später erzielt sein Gemälde 'Überschwemmung' von 1876 43.000 Francs. Heute zählen seine Gemälde zu den Meisterwerken der impressionistischen Malerei, die auf zahlreichen internationalen Ausstellungen präsentiert werden und in den Sammlungen vieler großen Museen zu finden sind.

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BONNARD, PIERRE (Fontenay-aux-Roses 1867 - 1947 Le

Lot 3214: BONNARD, PIERRE (Fontenay-aux-Roses 1867 - 1947 Le

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Description: BONNARD, PIERRE (Fontenay-aux-Roses 1867 - 1947 Le Cannet) Paysage au clocher rouge. Circa 1921. Oil on canvas. Signature stamp lower left: Bonnard. 38 x 46 cm. Provenance: - the artist's estate (Inv.Nr. 359). - Galerie Salis. - Private collection, Switzerland. Literature: Dauberville, Jean/Dauberville, Henry. Bonnard, Catalogue Raisoné de l'oeuvre peint, Paris, 1973, Vol.3, Cat. No. 1046, p.70 (with ill.). BONNARD, PIERRE (Fontenay-aux-Roses 1867 - 1947 Le Cannet) Paysage au clocher rouge. Um 1921. Öl auf Leinwand. Unten links mit dem Signaturstempel: Bonnard. 38 x 46 cm. Provenienz: - Nachlass des Künstlers (Inv.Nr. 359). - Galerie Salis. - Privatsammlung Schweiz. Literatur: Dauberville, Jean&Henry. Bonnard, Catalogue Raisoné de l'oeuvre peint, Paris, 1973, Bd.3, Kat.Nr. 1046, S.70 (mit Abb.). Die Farbe ist in Pierre Bonnards Werk von grösster Wichtigkeit; es vereint das impressionistische Faible für Licht, die kühne Farbgebung Gauguins, die Expressivität van Goghs. Als Gründungsmitglied der Künstlergruppe der Nabis, die ein neuartiges, symbolischeres Verständnis von Farbe und Perspektive fordern, findet Bonnard zu einem spätimpressionistischen, doch eigentümlichen Stil, der ihn als einen der grössten Koloristen des 20. Jahrhunderts in die Kunstgeschichte eingehen lässt. Im vergangenen Jahr würdigt denn auch etwa die Fondation Beyeler den Künstler mit einer grossen Retrospektive. Das Bild 'Paysage au clocher rouge', zeigt, wie der Titel besagt, einen Glockenturm in einer Landschaft in spätsommerlicher Reife. Bonnard malt stets im Atelier, nach Vorlagen, Erinnerung und Phantasie. Dennoch stösst das Bild gleichsam ein Fenster auf; die gelungene, gleichgewichtige Farbkomposition führt den Betrachtenden in einen sommerlichen Farbenraum, wo Farben und Formen fast zu berühren und zu schmecken möglich zu sein scheinen. Zugleich zeigt sich ein zurückhaltendes, kontemplatives Moment, wie es sich durch Bonnards gesamtes Werk zieht.

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CAMOIN, CHARLES (Marseille 1879 - 1965 Paris)

Lot 3215: CAMOIN, CHARLES (Marseille 1879 - 1965 Paris)

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Description: CAMOIN, CHARLES (Marseille 1879 - 1965 Paris) Anemones au fond bleu. 1959. Oil on canvas. Signed lower right: Ch. Camoin. 35 x 27 cm. Provenance: - Camoin estate. - Galerie M. Bernheim, Paris. - Private collection, The Rhineland. - Collection in Germany. Literature: Giraudy, Danièle. Camoin. Sa vie, son oeuvre, Marseille, 1972, Cat. No. 1148. CAMOIN, CHARLES (Marseille 1879 - 1965 Paris) Anemones au fond bleu. 1959. Öl auf Leinwand. Unten rechts signiert: Ch. Camoin. 35 x 27 cm. Provenienz: - Nachlass Camoin. - Galerie M. Bernheim, Paris. - Rheinische Privatsammlung. - Sammlung Deutschland. Literatur: Giraudy, Danièle. Camoin. Sa vie, son oeuvre, Marseille, 1972, Kat.Nr. 1148.

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GALL, FRANCOIS (Kolozsvar 1912 - 1987 Paris) Jeune

Lot 3216: GALL, FRANCOIS (Kolozsvar 1912 - 1987 Paris) Jeune

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Description: GALL, FRANCOIS (Kolozsvar 1912 - 1987 Paris) Jeune femme à la table d'un café. Oil on canvas. Signed lower right: F. Gall. 61 x 46 cm. We have the 100th anniversary of the painter. GALL, FRANCOIS (Kolozsvar 1912 - 1987 Paris) Marie-Lize à la terrasse de la Coupole à Montparnasse. Öl auf Leinwand. Unten rechts signiert: F. Gall. 61 x 46 cm. Mit einer Fotoexpertise von Marie-Lize Gall, Paris, Mai 2013. Diese Arbeit wird in den in Vorbereitung befindlichen Werkkatalog aufgenommen. Wir sind im Jubiläumsjahr des Künstlers, dessen Geburtstag sich zum 100sten mal jährt. Seine Werke erfreuen sich seit je einer grossen Beliebtheit.

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DUFY, RAOUL (Le Havre 1877 - 1953 Forcalquier) La

Lot 3217: DUFY, RAOUL (Le Havre 1877 - 1953 Forcalquier) La

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Description: DUFY, RAOUL (Le Havre 1877 - 1953 Forcalquier) La Grille. 1930. Oil on canvas. Signed lower right: Raoul Dufy. 130.2 x 162.2cm. Provenance: - Evelyn Sharp, New York. - Distinguished private collection Switzerland. Exhibited: - San Francisco/Los Angeles 1954: Raoul Dufy, Museum of Art und Los Angeles County Museum, No. 46, p. 32. - Cleaveland 1966: 50 Years of The Cleaveland Museum of Modern Art, The Cleaveland Museum of Modern Art, 15. Juni - 31. Juli 1966. - Paris 2008-2009 Paris: Raoul Dufy, Musée d'Art Moderne de la Ville de Paris, 17. October 2008 - 11. January 2009, Paris. Literature: - Lafaille, Maurice. Raoul Dufy. Catalogue Raisonné de l'Oeuvre Peint, vol. II, Geneva 1973, No. 806, p. 312 (with ill.). - Werner, Alfred. Raoul Dufy, New York 1987,. p. 133 (with colour ill.). We stand before a large, charmingly ornamented trellis gate through which we see a grand estate on the coast of Normandy. We glimpse part of the elegant château at left and a corner of a garden house to the right, a splendid park with a large and densely overgrown shrub just behind the gate and a breathtaking view of the ocean; through the bars two ships can be seen in the bay. The scenery as a whole invariably casts a spell. Raoul Dufy loves to paint the splendid mansions and palaces created for aristocrats in the most beautiful areas of France. This château on the Normandy coast belongs to Baron de Rothschild, which is why an 'R' was inscribed in the grille. Not infrequently, the imposing gates that enclose such estates and large gardens are depicted in Dufy's works. He is fascinated by the graceful sweep of the elaborate trellisworks and their framing of horizontal and vertical lines, which appeals to his baroque playfulness. But only in this painting does the subject take over completely. It is similar to the window that the painter of classical modernism often used; a 'gateway' to another world as such, though here it remains closed. Though hardship and misery may always exist in the outside world, all of this seems to be locked out by this elegant gate. This is open to no one who might disturb the idyll. The atmosphere of perfect serenity is produced moreover through the harmony of the dominant and for Dufy wholly typical colours: a luminous yellow-green, a cool blue-green in the foliage, the soft blue of the sky, the dark blue sea, the red of the bricks and the lavender-violet of the gravel walk. This rainbow of colours can also be found in the gate, which unites and reflects all of the hues. The warm red tones of both houses are as beautiful as the dominant blue tones. Since the Fauvist maritime landscape emerged, the colour blue predominates in Dufy's oeuvre. In 1951, he explained this preference as follows: 'Blue is the only colour that in all degrees preserves its own individuality. Take blue with its various shades, the darkest to the most light; it will always be blue'. (in: Courthion, Pierre. Raoul Dufy, Geneva 1951, p. 52). A little later a painter named Yves Klein acknowledges this as well and progresses to the well-known radicalization of the idea. Monumental in size, the present work is imbued with the joie de vivre so characteristic of Raoul Dufy's paintings. He is indisputedly the painter of joy, such that Gertrude Stein in 1946 even said of him: 'Dufy est un plaisir' (Stein, Gertrude. 'Raoul Dufy" [1946], printed in Les Arts plastiques, No. 3-4, Brussels, March-April 1949, p. 135). DUFY, RAOUL (Le Havre 1877 - 1953 Forcalquier) La Grille. 1930. Öl auf Leinwand. Unten rechts signiert: Raoul Dufy. 130,2 x 162,2 cm. Provenienz: - Evelyn Sharp, New York. - Privatsammlung Schweiz. Ausstellungen: - 1954 San Francisco/Los Angeles: Raoul Dufy, Museum of Art und Los Angeles County Museum, Nr. 46, S. 32. - 1966 Cleveland: 50 Years of Modern Art. The Cleveland Museum of Art, 15. Juni - 31. Juli 1966. - 2008-2009 Paris: Raoul Dufy, Musée d'Art Moderne de la Ville de Paris, 17. Oktober 2008 - 11. Januar 2009, Paris. Literatur: - Lafaille, Maurice. Raoul Dufy - Catalogue Raisonné de l'Oeuvre Peint, Bd. II, Genf 1973, Nr. 806, S. 312 (mit Abb.). - Werner, Alfred. Raoul Dufy, New York 1987, S. 98 (mit Farbabb.). Wir stehen vor einem grossen, schön verzierten Gittertor, durch welches man ein herrschaftliches Anwesen an der Küste der Normandie sehen kann. Man erspäht einen Teil eines glanzvollen Hauses links und rechts die Ecke eines Gartenhauses, einen prächtigen Park mit grossen, dicht bewachsenen Sträuchern direkt hinter dem Tor und eine atemberaubende Aussicht auf das Meer, man sieht durch die Gitterstäbe hindurch zwei Schiffe in der Bucht. Die gesamte Kulisse zieht einen unweigerlich in ihren Bann. Raoul Dufy liebt es, die prächtigen Herrenhäuser und Schlösser zu malen, welche für Aristokraten an den schönsten Orten Frankreichs erstellt wurden. Dieses Schloss an der normannischen Küste gehört einem Baron de Rothschild, weswegen ein 'R' in das Gitter geschrieben ist. Nicht selten sind die massiven Tore, welche solche Anwesen und grosse Gärten abgrenzen, in Dufys Werken dargestellt. Er ist vom zierlichen Schwung der komplexen Gitterwerke und deren Einrahmung von horizontalen und vertikalen Linien fasziniert, was seine barocke Verspieltheit reizt. Aber nur in diesem Gemälde füllt das Sujet gar vollständig aus. Es ist wie das Fenster, welches die Maler der Klassischen Moderne gerne wählten, 'Tor' zu einer Welt schlechthin, nur dass es hier verschlossen bleibt. Welche Not und welches Elend es auch immer draussen geben mag, dies scheint alles von diesem eleganten Tor ausgesperrt. Dieses wird sich für niemanden öffnen, der die Idylle stören könnte. Die Atmosphäre einer perfekten Ruhe wird zusätzlich durch die Harmonie der dominierenden, für Dufy ganz typischen Farben erzeugt: ein leuchtendes Gelb-Grün, ein kühles Blau-Grün der Blattwerke, das sanfte Blau des Himmels, das dunkelblaue Meer, das Rot der Backsteine und das Lavendelviolett des Kiesweges. Dieser Regenbogen der Farben findet sich auch in dem Tor, welches all die Nuancen vereint und widerspiegelt. Die warmen Rottöne der beiden Häuser gleichen die dominierenden Blautöne aus. Seit seinen fauvistischen, maritimen Landschaften überwiegt in Dufys Oeuvre die Farbe Blau. 1951 erklärte er diese Präferenz wie folgt: 'Le bleu est la seul couleur qui, à tous ses degrés, conserve sa propre individualité. Prenez le bleu avec ses diverses nuances, de la plus foncée à la plus claire; ce sera toujours bleu' (in: Courthion, Pierre. Raoul Dufy, Genf 1951, S. 52). Nur wenig später sieht dies ein Maler namens Yves Klein genauso und schreitet zu der bekannten Radikalisierung dieser Erkenntnis voran. In monumentaler Grösse ist das vorliegende Werk durchtränkt von der joie de vivre, die den Gemälden Raoul Dufys so eigen ist. Er ist unbestritten der Maler der Freude, so dass Gertrude Stein 1946 gar über ihn sagte: Dufy est un plaisir. (Stein, Gertrude. 'Raoul Dufy' [1946], gedr. in Les Arts plastiques, Nr. 3-4, Brüssel, März-April 1949, S. 135).

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ISRAELS, ISAAC (1865 - 1934) Street in Amsterdam,

Lot 3218: ISRAELS, ISAAC (1865 - 1934) Street in Amsterdam,

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Description: ISRAELS, ISAAC (1865 - 1934) Street in Amsterdam, probably the Klaverstraat. 1887/1905. Pastel on board. Signed lower right: Isaac Israels. 58 x 60 cm. Christiaan Lucht, Netherlands, has confirmed the authenticity of the work, 3.May 2013. ISRAELS, ISAAC (Amsterdam 1865 - 1934 Den Haag) Strassenszene in Amsterdam, wohl Kalverstraat. 1887/1905. Pastell auf Karton. Unten rechts signiert: Isaac Israels. 58 x 60 cm.

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OGUISS, TAKANORI (Ibori 1901 - 1986 Paris) Venise.

Lot 3219: OGUISS, TAKANORI (Ibori 1901 - 1986 Paris) Venise.

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Description: OGUISS, TAKANORI (Ibori 1901 - 1986 Paris) Venise. Rio di Santa Maria Zobenigo. Oil on canvas. Signed lower left: Oguiss. 62 x 49 cm. With a photo-expertise by Emiko Oguiss Halpern (A 144), Protola Valley USA, 21 Feb 2013. Provenance: Private collection, Geneva. Exhibited: Geneva 1960: Oguiss. Musée Rath. Exposition de Peinture. 30 Jan - 21 Feb 1960, No. 66. OGUISS, TAKANORI (Ibori 1901 - 1986 Paris) Venise. Rio di Santa Maria Zobenigo. Öl auf Leinwand. Unten links signiert: Oguiss. 62 x 49 cm. Mit einer Fotoexpertise von Emiko Oguiss Halpern (A 144), Protola Valley USA, 21. Februar 2013. Provenienz: Privatbesitz Genf. Ausstellung: Genf 1960: Oguiss. Musée Rath. Exposition de Peinture. 30. Januar - 21. Februar 1960, Nr. 66.

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KOKOSCHKA, OSKAR (Pöchlarn 1886 - 1980 Montreux)

Lot 3220: KOKOSCHKA, OSKAR (Pöchlarn 1886 - 1980 Montreux)

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Description: KOKOSCHKA, OSKAR (Pöchlarn 1886 - 1980 Montreux) Antique warrior. 1958. Watercolour on paper. Monogrammed and dated lower right: o k 58. Also with dedication in the centre: Dem lieben Freund überreicht am 24. Sept. 62.5 x 47.8 cm. Prof. Alfred Weidinger, Belvedere Vienna, has confirmed the authenticity of this work. It will be included in the Catalogue Raisonné. KOKOSCHKA, OSKAR (Pöchlarn 1886 - 1980 Montreux) Antiker Krieger. 1958. Aquarell auf Papier. Unten rechts monogrammiert und datiert: o k 58. Sowie mittig mit Widmung: Dem lieben Freund überreicht am 24. Sept. 62,5 x 47,8 cm. Die Authentizität des Werkes wurde von Prof. Alfred Weidinger, Belvedere Wien, bestätigt. Die Arbeit wird in den dritten Band des in Vorbereitung befindlichen Werkverzeichnisses aufgenommen.

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RENOIR, AUGUSTE (Limoges 1841 - 1919

Lot 3221: RENOIR, AUGUSTE (Limoges 1841 - 1919

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Description: RENOIR, AUGUSTE (Limoges 1841 - 1919 Cagnes-sur-Mer) Oedipe Roi. Circa 1895. Oil on canvas. Signature stamp lower right: Renoir. 28 x 28 cm. The Wildenstein Institute, has confirmed the authenticity of this work, Paris, 26 March 2013. Literature: - Dauberville, Guy Patrice/Michel. Renoir. Catalogue Raisonné des tableaux, pastels, dessins et aquarelles, Bernheim-Jeune, Paris 2010, vol III, No. 2145, p. 249 (with ill., the untrimmed version). - Ed. Bernheim-Jeune. L'Atelier de Renoir, Paris 1931, vol. I, Pl. 40, No. 114 (the untrimmed version). RENOIR, PIERRE AUGUSTE (Limoges 1841 - 1919 Cagnes-sur-Mer) Oedipe Roi. Um 1895. Öl auf Leinwand. Unten rechts mit der Stempelsignatur: Renoir. 28 x 28 cm. Das Wildenstein Institute hat die Authentizität dieses Werkes bestätigt, Paris, 26. März 2013. Literatur: - Dauberville, Guy Patrice/Michel. Renoir: Catalogue Raisonné des tableaux, pastels, dessins et aquarelles, Bernheim-Jeune, Paris 2010, Bd. III, Nr. 2145, S. 249 (mit Abb., unbeschnittene Version). - Ed. Bernheim-Jeune. L'Atelier de Renoir, Paris 1931, Bd. I, Pl. 40, Nr. 114 (unbeschnittene Version).

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VAN GOGH, VINCENT (Groot-Zundert 1853 - 1890

Lot 3222: VAN GOGH, VINCENT (Groot-Zundert 1853 - 1890

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Description: VAN GOGH, VINCENT (Groot-Zundert 1853 - 1890 Auvers-sur-Oise) Pont de Clichy. 1887. Oil on canvas. 55 x 46 cm. We thank the Van Gogh Museum, Amsterdam, for sharing their documentation. Provenance: - Johanna van Gogh-Bonger, Amsterdam. - Galerie Bernheim-Jeune, Paris. - Paul Cassirer, Berlin (1910). - Franz Herbert Hirschland, Harrison NY, USA. - Aquavella Galleries, New York (1970). - Sammlung Gelender, Geneva. - Sotheby's New York, Impressionist & Modern Paintings and Sculpture, Part I, (Sale 5707). May 10, 1988, Lot 9. - Fine Arts Collectors Ltd., New York. - Distinguished private collection, Switzerland. Exhibitions: - Amsterdam 1888 Teersteg. - Paris 1901: Galerie Bernheim Jeune: Vincent van Gogh, March 15-31 1901, No.15. - Amsterdam 1905: Musée Municipal, Amsterdam, July-August 1905, No.85. - Utrecht 1905: Vereinigung voor de Kunst, Vincent van Gogh, September 10- October 1, No. 26. - Rotterdam 1906: Oldenzeel, No. 28. - Paris 1908: Galerie Bernheim Jeune, No. 27. - Munich 1908: Moderne Kunsthandlung, No.22. - Dresden 1908: Emil Richter, No. 22. - Frankfurt 1908: Kunstverein, No. 24. - Zurich 1908: Künstlerhaus, No. 17. - Berlin 1910: Paul Cassirer XIII/III, No. 16. - New York u. a. 1935-36: Museum of Modern Art, Vincent van Gogh, Dezember 1935 - Januar 1936, No. 17 (with ill.). Ebenfalls in Chicago : Art Institute of Chicago; The Museum of Fine Arts, Boston; Museum of Art, Cleveland; Institute of Arts, Detroit; The William Rockhill Nelson Gallery of Art, Kansas City; The Minneapolis Institute of Arts; Pennsylvania Museum of Arts. - New York 1943: Wildenstein, From Paris to the Sea Down the River Seine, 28. Januar - 27. Februar 1943, No. 27. - New York 1944: Wildenstein, The Art and Life of Vincent van Gogh, Oktober - November 1943, No. 17 (with ill. p. 59). - Montreal 1944: Art Association of Montreal, Five Centuries of Dutch Art, 9. März - 9. April 1944, No. 131 (with ill. p. 92). - New York 1955: Wildenstein, Van Gogh, 24. März - 30. April 1955, No. 19 (with ill. p. 37). Literature: - De La Faille, Jacob-Baart. L'Oeuvre de Vincent van Gogh. Catalogue raisonné, 4 Bde., Paris/Brüssel 1928, Vol. 1, No. 303, S. 87 u. Bd. 2, Taf. 88; als 'Pont d'Asnières' (with ill.). - De La Faille, Jacob Baart. The Works of Vincent van Gogh. His Paintings and Drawings (mit einem Vorwort und einer Einleitung von Abraham M. Hammacher), Amsterdam 1970, F. 303, p. 150 as 'Pont d'Asnières' (with ill.). - Lecaldano, Paolo. L'opera pittorica completa di Van Gogh e i suoi nessi grafici, Mailand 1971, No. 421, p. 117, p. 193 (with ill.). - Hulsker, Jan. The Complete Van Gogh. Paintings, Drawings, Sketches, New York 1977, No. 1323, p. 297 (with ill.). - Feilchenfeldt, Walter. Vincent van Gogh & Paul Cassirer, Berlin. The reception of Van Gogh in Germany from 1901 to 1914, Zwolle 1988. (Cahier Vincent 2), p. 87. - Walther, Ingo F./Metzger, Rainer. Vincent van Gogh - Sämtliche Gemälde, Bd. I., Köln 1989, p. 241 (with ill.). - Hulsker, Jan. The new complete Van Gogh. Paintings, drawings, sketches, Amsterdam & Philadelphia 1996, No. 1323, p. 296-297 (with ill.) - Tempel, Benno. Such absurdity can never deserve the name of Art': impressionism in the Netherlands (Special print from: Van Gogh Museum Journal, 1999,p. 111-129), Ill. 5, p. 119. - Pickvance, Ronald. Van Gogh, Exhib. Cat. Fondation Pierre Gianadda, Martigny, 2000, Cat. No. 37, p. 266f., p. 193 (with ill.). - Rainer Budde/Barbara Schaefer (Ed.), Miracle de la couleur, Exhib. Cat. Wallraf-Richartz-Museum - Fondation Corboud, Cologne, 2001 (Cologne 2001), o. Cat No., p. 410, Plate p. 411. - Stolwijk, Chris / Veenenbos, Han. The account book of Theo van Gogh and Jo van Gogh-Bonger, Amsterdam & Leiden 2002. (Cahier Vincent 8), p. 150, 169. - Lein, Edgar. Vincent van Gogh. DuMont, Cologne 2002, p. 124-125 (with ill.). - Impressionism. Wallraf-Richartz-Museum - Foundation Corboud, Ausst. Kat. Hokkaido Asahikawa Museum of Art/Shizuoka Prefectural Museum of Art/Sogo Museum of Art, Yokohama/Onomichi City Museum of Art/Koriyama City Museum of Art, 2002/2003, Cat. No. 44, p. 104, p. 105 (with ill.). - Schaefer, Barbara (mit einem Beitrag von Götz Czymmek), Französische Malerei des 19. Jahrhunderts II. Die Impressionisten und ihre Nachfolger - Die Bilder der Fondation Corboud (=Bildhefte zur Sammlung, 13), Ed. Wallraf-Richartz-Museum & Fondation Corboud/Stadt Köln), Cologne 2006, p. 107 (o. Cat. No.) and ill. 68, p. 74. -Schaefer, Iris/von Saint-George, Caroline/Lewerentz, Katja. Impressionismus. Wie das Licht auf die Leinwand kam/Painting Light. The hidden techniques of the Impressionists, Ausst. Kat. Wallraf-Richartz-Museum & Fondation Corboud, Köln/Palazzo Strozzi, Florenz, 2008 (Geneva/Milano 2008), Ill. 110, p. 110 u. Ill. 111, p. 111; - Schaefer, Barbara (Red.), Meister des Impressionismus/Masters of Impressionism. Die Kölner Sammlung/The Cologne Collection - Wallraf-Richartz-Museum & Fondation Corboud, hrsg. v. Andreas Blühm, Ostfildern 2008, p. 292 u. Abb. p. 163. - Feilchenfeldt, Walter. Vincent van Gogh: die Gemälde 1886-1890. Händler, Sammler, Ausstellungen, die frühen Provenienzen, 2. Revised Ed., Wädenswil 2009. (Quellenstudien zur Kunst 3), p. 90. - Schaefer, Iris/von Saint-George, Caroline/Lewerentz, Katja/Widauer, Heinz/Fischer, Gisela. Impressionismus. Wie das Licht auf die Leinwand kam, Ausst. Kat. Albertina, Wien 2009/2010, p. 309 and Ill.. 110, p.110. - Painting Light: The hidden techniques of the Impressionists, Ausst. Kat. Aomori Museum of Art, Aomori 2011, Cat. No. 44. - Charles, Victoria. Vincent van Gogh. New York 2011, p. 72. In bright shades of lemon yellow, azure blue and emerald green Vincent van Gogh composed this beautiful painting, bringing into being a symphony of light and colour. As viewers, we assume the artist's point of view: formally, we sit next to Vincent van Gogh on a stool by the Seine and gaze with him towards the other side of the river. This seemingly everyday view of a landscape becomes, through Vincent van Gogh's execution, a work of art, a testimonial to his masterful painting. Vincent van Gogh was born into the family of a pastor at North Brabant in 1853. On the advice of his uncle he begins in 1869 an apprenticeship with his art firm, an affiliate of Goupil & Co., in The Hague. After several years he transfers to the company's London branch and continues his training. For three years he works alternately in the London and Paris shops until his dissatisfaction with the profession of art dealer costs him his position. During this time his first drawings emerge and the idea of becoming a painter arises within him. He manages to remain in England but with only temporary work as a teacher; then he decides to return to Holland in order to follow the example of his father and study theology. With great enthusiasm he studies from May 1877 to July 1878 at the university in Amsterdam; then the desire for practical experience leads him to a missionary school in Brussels. For some years, he works here and there as a missionary; however, he falls out with the Church over his religious views and is dismissed. He continues to work on his own and lives with the miners at Wasmes. During this time Vincent van Gogh is already drawing and painting a great deal. He is self-taught, basing his drawings and paintings on the traditions of Dutch painting. His models are, next to the Old Masters, the works of Isaac Israels, Anton Mauve and Jean-François Millet. In his paintings a palette of browns prevails; the landscapes and still lifes, as well as the portraits, are marked by an oppressive bleakness. Vincent leaves Wasmes and goes to Nauen to see his father. Beginning in 1885 he attends the academy in Antwerp and decides to become a painter. He paints and works feverishly at this time. At the end of February 1886, he arrives in Paris from Antwerp; for about two years, until early 1888, he will remain here. First, he lives with his brother Theo, who handles avant-garde painters for the Goupil Gallery, Boussod & Valadon. Vincent is quite sociable and in a short time VAN GOGH, VINCENT (Groot-Zundert 1853 - 1890 Auvers-sur-Oise) Pont de Clichy. 1887. Öl auf Leinwand. 55 x 46 cm. Wir danken dem Van Gogh Museum, Amsterdam, für die zur Verfügung gestellten Archivinformationen. Provenienz: - Johanna van Gogh-Bonger, Amsterdam. - Galerie Bernheim-Jeune, Paris. - Paul Cassirer, Berlin (1910). - Franz Herbert Hirschland, Harrison NY, USA. - Aquavella Galleries, New York (1970). - Sammlung Gelender, Genf. - Sotheby's New York, Impressionist and Modern Paintings and Sculpture, Part I, (Sale 5707), 10. Mai 1988, Lot. 9. - Fine Arts Collectors Ltd., New York. - Bedeutende Privatsammlung Schweiz. Ausstellungen: - Amsterdam 1888, Tersteeg. - Paris 1901: Galerie Bernheim Jeune: Vincent van Gogh, 15. - 31. März 1901, Nr. 15. - Amsterdam 1905: Musée Municipal, Amsterdam, Juli-August 1905, Nr. 85. - Utrecht 1905: Vereiniging voor de Kunst, Vincent van Gogh, 10. September - 1. Oktober 1905, Nr. 26. - Rotterdam 1906: Oldenzeel, Nr. 28. - Paris 1908: Galerie Bernheim Jeune, Nr. 27. - München 1908: Moderne Kunsthandlung, Nr. 22. - Dresden 1908: Emil Richter, Nr. 22. - Frankfurt 1908: Kunstverein, Nr. 24. - Zürich 1908: Künstlerhaus, Nr. 17. - Berlin 1908: Paul Cassirer: Liste: 24/85 Pont de Clichy. - München 1909: Brakl, Nr. 16 - Frankfurt 1910: Kunstverein, Nr. 16. - Berlin 19010: Paul Cassirer XIII/III, Nr. 16. - New York u. a. 1935-36: Museum of Modern Art, Vincent van Gogh, Dezember 1935 - Januar 1936, Nr. 17 (mit Abb.). Ebenfalls in Chicago : Art Institute of Chicago; The Museum of Fine Arts, Boston; Museum of Art, Cleveland; Institute of Arts, Detroit; The William Rockhill Nelson Gallery of Art, Kansas City; The Minneapolis Institute of Arts; Pennsylvania Museum of Arts. - New York 1943: Wildenstein, From Paris to the Sea Down the River Seine, 28. Januar - 27. Februar 1943, Nr. 27. - New York 1944: Wildenstein, The Art and Life of Vincent van Gogh, Oktober - November 1943, Nr. 17 (mit Abb. S. 59). - Montreal 1944: Art Association of Montreal, Five Centuries of Dutch Art, 9. März - 9. April 1944, Nr. 131 (mit Abb. S. 92). - New York 1955: Wildenstein, Van Gogh, 24. März - 30. April 1955, Nr. 19 (mit Abb. S. 37). Literatur: - De La Faille, Jacob-Baart. L'Oeuvre de Vincent van Gogh. Catalogue raisonné, 4 Bde., Paris/Brüssel 1928, Bd. 1, Nr. 303, S. 87 u. Bd. 2, Taf. 88; als 'Pont d'Asnières' (mit Abb.). - De La Faille, Jacob Baart. The Works of Vincent van Gogh. His Paintings and Drawings (mit einem Vorwort und einer Einleitung von Abraham M. Hammacher), Amsterdam 1970, F. 303, S. 150 als 'Pont d'Asnières' (mit Abb.). - Lecaldano, Paolo. L'opera pittorica completa di Van Gogh e i suoi nessi grafici, Mailand 1971, Nr. 421, S. 117, S. 193 (mit Abb.). - Hulsker, Jan. The Complete Van Gogh. Paintings, Drawings, Sketches, New York 1977, Nr. 1323, S. 297 (mit Abb.). - Feilchenfeldt, Walter. Vincent van Gogh & Paul Cassirer, Berlin. The reception of Van Gogh in Germany from 1901 to 1914, Zwolle 1988. (Cahier Vincent 2), S. 87. - Walther, Ingo F./Metzger, Rainer. Vincent van Gogh - Sämtliche Gemälde, Bd. I., Köln 1989, S. 241 (mit Farbabb.). - Hulsker, Jan. The new complete Van Gogh. Paintings, drawings, sketches, Amsterdam & Philadelphia 1996, Nr. 1323, S. 296-297, mit Abb. - Tempel, Benno. Such absurdity can never deserve the name of Art': impressionism in the Netherlands (Sonderdruck aus: Van Gogh Museum Journal, 1999, S. 111-129), Abb. 5, S. 119. - Pickvance, Ronald. Van Gogh, Ausst. Kat. Fondation Pierre Gianadda, Martigny, 2000, Kat. Nr. 37, S. 266f., S. 193 (mit Abb.). - Rainer Budde/Barbara Schaefer (Hrsg.), Miracle de la couleur, Ausst. Kat. Wallraf-Richartz-Museum - Fondation Corboud, Köln, 2001 (Köln 2001), o. Kat. Nr., S. 410, Taf. S. 411. - Stolwijk, Chris / Veenenbos, Han. The account book of Theo van Gogh and Jo van Gogh-Bonger, Amsterdam & Leiden 2002. (Cahier Vincent 8), S. 150, 169. - Lein, Edgar. Vincent van Gogh. DuMont, Köln 2002, S. 124-125 (mit Abb.). - Impressionism. Wallraf-Richartz-Museum - Foundation Corboud, Ausst. Kat. Hokkaido Asahikawa Museum of Art/Shizuoka Prefectural Museum of Art/Sogo Museum of Art, Yokohama/Onomichi City Museum of Art/Koriyama City Museum of Art, 2002/2003, Kat. Nr. 44, S. 104, S. 105 (mit Abb.). - Schaefer, Barbara (mit einem Beitrag von Götz Czymmek), Französische Malerei des 19. Jahrhunderts II. Die Impressionisten und ihre Nachfolger - Die Bilder der Fondation Corboud (=Bildhefte zur Sammlung, 13), hrsg. v. Wallraf-Richartz-Museum & Fondation Corboud/Stadt Köln), Köln 2006, S. 107 (o. Kat. Nr.) u. Abb. 68, S. 74. -Schaefer, Iris/von Saint-George, Caroline/Lewerentz, Katja. Impressionismus. Wie das Licht auf die Leinwand kam/Painting Light. The hidden techniques of the Impressionists, Ausst. Kat. Wallraf-Richartz-Museum & Fondation Corboud, Köln/Palazzo Strozzi, Florenz, 2008 (Genf/Mailand 2008), Abb. 110, S. 110 u. Abb. 111, S. 111; - Schaefer, Barbara (Red.), Meister des Impressionismus/Masters of Impressionism. Die Kölner Sammlung/The Cologne Collection - Wallraf-Richartz-Museum & Fondation Corboud, hrsg. v. Andreas Blühm, Ostfildern 2008, S. 292 u. Abb. S. 163. - Feilchenfeldt, Walter. Vincent van Gogh: die Gemälde 1886-1890. Händler, Sammler, Ausstellungen, die frühen Provenienzen, 2. überarb. Aufl., Wädenswil 2009. (Quellenstudien zur Kunst 3), S. 90. - Schaefer, Iris/von Saint-George, Caroline/Lewerentz, Katja/Widauer, Heinz/Fischer, Gisela. Impressionismus. Wie das Licht auf die Leinwand kam, Ausst. Kat. Albertina, Wien 2009/2010, o. Kat. Nr., S. 309 u. Abb. 110, S.110. - Painting Light: The hidden techniques of the Impressionists, Ausst. Kat. Aomori Museum of Art, Aomori 2011, Kat. Nr. 44. - Charles, Victoria. Vincent van Gogh. New York 2011, S. 72. In hellen Nuancen von Zitronengelb, Azurblau und Smaragdgrün komponiert Vincent van Gogh dieses wunderschöne Gemälde, es entsteht eine Symphonie aus Licht und Farbe. Als Betrachter nehmen wir den Blickwinkel des Künstlers ein, wir sitzen förmlich neben Vincent van Gogh auf einem Schemel an der Seine und blicken mit ihm auf die andere Uferseite. Dieser scheinbar alltägliche Blick auf eine Landschaft wird durch die Umsetzung von Vincent van Gogh zu einem Kunstwerk, zu einem Zeugnis seiner meisterhaften Malerei. Vincent van Gogh wird 1853 in Nord-Brabant als Sohn einer Pfarrersfamilie geboren. Auf Anraten seines Onkels beginnt er 1869 eine Lehre in dessen Kunsthandlung, eine Filiale der Firma Groupil & Co., in Den Haag. Nach einigen Jahren geht er in das Londoner Geschäft der Firma und setzt dort seine Ausbildung fort. Drei Jahre lang arbeitet er alternierend in den Filialen in London und Paris bis ihn seine Unzufriedenheit mit dem Kunsthändlerberuf seine Anstellung kostet. In dieser Zeit entstehen die ersten Zeichnungen und es taucht der Gedanke auf Maler zu werden. Er schlägt sich in England jedoch erst mit Aushilfsjobs als Lehrer durch und entscheidet dann nach Holland zurückzukehren, um dem Vorbild des Vaters zu folgen und Theologie zu studieren. Mit viel Eifer studiert er von Mai 1877 bis Juli 1878 an der Universität in Amsterdam, die Sehnsucht nach praktischer Beschäftigung führt ihn dann in eine Missionarsschule nach Brüssel. Einige Jahre arbeitet er nun hier und dort als Missionar, überwirft sich jedoch aufgrund seiner eigenen religiösen Gedanken mit dem Kirchenrat, so dass er entlassen wird. Er geht dem Beruf weiterhin auf eigene Faust nach und lebt bei den Bergarbeitern in Wasmes. In dieser Zeit zeichnet und malt Vincent van Gogh schon sehr viel. Er ist ein Autodidakt, der sich mit seinen Zeichnungen und Gemälden an den Traditionen der niederländischen Malerei orientiert. Seine Vorbilder sind neben den Alten Meistern die Werke von Isaac Israels, Anton Mauve und Jean-François Millet. In seinen Gemälden überwiegt die auf Braun abgestimmte Palette und sowohl die Landschaft wie auf das Stillleben und die Personendarstellung ist von einer bedrückenden Kargheit geprägt. Vincent verlässt Wasmes und geht nach Nauen zu seinem Vater. Ab 1885 besucht er die Akademie in Antwerpen und fasst den Entschluss, Maler zu werden. Er malt und arbeitet fieberhaft in dieser Zeit. Ende Februar 1886 trifft er aus Antwerpen in Paris ein, etwa zwei Jahre bis Anfang 1888 wird er hier bleiben. Zunächst wohnt er bei seinem Bruder Theo, der nun bei der Galerie Goupil, Boussod & Valadon Maler der Avantgarde betreut. Vincent ist sehr kontaktfreudig und macht sich in kurzer Zeit mit der Pariser Kunstszene vertraut. Er versucht sein in Antwerpen angefangenes Studium im Atelier Cormon zu beenden, jedoch gefällt ihm die Ausbildung dort nicht, so dass er sie schnell wieder aufgibt. Viel ausschlaggebender für seine künstlerische Weiterentwicklung sind seine Bekanntschaften mit den Impressionisten. Sein Bruder Theo stellt ihm Claude Monet, Camille Pissarro, Edgar Degas vor. Sie animieren ihn, das Atelier zu verlassen und seine Werke direkt in der Natur zu malen. Vincent fällt es schwer seinen Malstil zu verändern, nur langsam hellt er seine Palette auf und sucht nach neuen Motiven. Anfangs entstehen so noch Bilder im Stile der niederländischen Zeit. Der Einfluss seiner impressionistischen Malerkollegen wir jedoch immer grösser, so dass sich seine Palette zusehends aufhellt. Van Gogh selbst bezeugt in einem Brief vom Herbst 1887 an seine Schwester: 'Voriges Jahr habe ich beinah ausschliesslich Blumen gemalt, um mich an andere Farben als Grau zu gewöhnen, nämlich an Rosa, blasses oder helles Grün, Hellblau, Violett, Gelb, Orange, schönes Rot. Und als ich diesen Sommer in Asnières Landschaften malte, habe ich mehr Farben darin gesehen als früher.' (Brief an Schwester Wilhelmina W1 (Herbst 1887)). Einen besonders grossen Einfluss auf seine malerische Weiterentwicklung hat Emile Bernard. Er trifft Bernard bei dem Farbenhändler Père Tanguy und es entwickelt sich eine tiefe Freundschaft zwischen den beiden Künstlern. Sie arbeiten oft zusammen, besonders im Vorort Asnières, am Ufer der Seine, wo die Eltern Bernards wohnen. Diese Gegend vereint das Ländliche, das den nördlichen Hängen Montmartres anhaftet mit den vorstädtischen Enklaven von Asn ères, Genneviellers, Clichy und Saint-Ouen. Vincent von Gogh ist von der 'pleine aire' Malerei begeistert und verabschiedet sich endgültig von den dunklen Farben und den bäuerlichen Themen. Nun entstehen zahlreiche Gemälde direkt vor der Natur im reinen impressionistischen Stil, wie 'Die Brücke bei Courbevoie'. Naturgetreu und realistisch gibt er hier die Szenerie in dem für die Impressionisten so typischen flüchtigen Pinselduktus wieder. Das Studium der Bilder von Paul Signac und Georges Seurat bringen ihn dazu, einige Werke im Stile der Pointilisten zu malen. Die Zeit in Paris ist für ihn richtungsweisend, er arbeitet intensiv und probiert vieles aus auf der Suche nach seinem eigenen Stil; und es ist hier in Paris, wo er von den meisten Einflüssen der aktuellen Kunstszene, aber auch von anderen Bildsprachen wie die der japanischen Holzschnittkunst inspiriert wird. Im Mai 1886 erscheint auf dem Titelblatt der Pariser Zeitschrift 'Paris Illustré' die Reproduktion eines japanischen Holzschnittes aus der Gruppe der 'Kurtisanen' von Keisai (Eisen Ikeda, 1790-1848). Er ist beeindruckt von der asiatischen Kunst, die Detailreichtum und Vielfarbigkeit mit Flächigkeit harmonisch kombiniert, so malt er die 'Kurtisane' wenig später in einem dem Original gegenüber grösseren Massstab ab; ein Gemälde, das wie unser Werk die 'Brücke von Clichy' auch auf den Sommer 1887 datiert werden kann (Hulsker Jan, The Complete Van Gogh, New York 1970, Nr 1298, S. 289). Es entstehen einige eindrückliche, sogenannte Japonaiserien in dieser Zeit. In dem berühmten 'Porträt des Père Tanguy' (Hulsker Jan, The Complete Van Gogh, New York 1970, Nr 1351, S. 294) sitzt der Dargestellte vor einem Arrangement einiger solcher Japonaiserien, u. a. auch vor dem erwähnten Gemälde der 'Kurtisane'. In dem Porträt des Farbenhändlers Tanguy ist die Verschmelzung der den japanischen Holzschnitten eigenen Flächigkeit und Farbigkeit mit der vom Impressionismus beeinflussten Techniken sehr schön sichtbar. In diesem Kontext malt Vincent van Gogh im Sommer 1887 auch die 'Brücke von Clichy'. Er wählt für dieses besondere Gemälde eine sanfte und helle Farbpalette, die den Farben eines Sommertages entspricht. Teile des Himmels und des Brückenbogens erscheinen flächig und stehen im starken Kontrast zu den expressiven, sehr mutig und akzentuiert gesetzten Pinselstrichen. Das gesamte Gemälde ist aufgeteilt in vibrierende und ruhige, flächige Bereiche, die sich harmonisch aneinander schmiegen. Ebenso erinnern die im Vordergrund platzierten Gräser an Darstellungen von Schilf in japanischen Holzschnitten. Van Gogh gibt diese Gräser jedoch nicht brav und naturgetreu wieder, sondern malt sie mit kräftigen, fast abstrahierenden Pinselstrichen leicht angeschnitten in den rechten Bildvordergrund. Der Blick des Betrachters wird so über ihr wirres Durcheinander in den Bild-Mittelgrund geführt. Er wendet sich in diesem Werk von seinem reinen impressionistischen Stil ab. Auf der Suche nach seiner eigenen Ausdrucksmöglichkeit, findet er hier zu breiten Pinselstrichen in reiner Farbe. Das Gemälde ist ein eindrückliches Zeugnis wie meisterhaft Vincent van Gogh die unterschiedlichen Einflüsse in einem Werk verbinden kann, sie zusammenführt, mit eigenen Ideen und Techniken bereichert und alles zu einer vollkommenen Komposition verbindet. Es ist dies das Werk, das Vincent van Goghs Aufbruch zu seinem eigenen expressiven Stil beschreibt, technisch ist sein Stil der späteren Werke schon deutlich erkennbar, die eher sanfte Farbgebung hingegen deutet auf seine Vorsicht und die schrittweise Annäherung an die eigenen Ausdrucksform hin. Mit stürmischer Leidenschaft versucht er in seinen Bildern seinen Emotionen Ausdruck zu verleihen. Er selbst erkennt die Qualität des Gemäldes sofort und schlägt es in einem Brief an seinen Bruder Theo für eine Ausstellung in seiner Heimatstadt beim Galeristen Tersteeg vor. Er fügt dem Brief sogar eine Nachskizze bei. Nach dem zweijährigen Aufenthalt in Paris führt die Sehnsucht nach einer lichten und farbigen Natur Vincent van Gogh in den Süden Frankreichs. Erleichtert, die Grossstadt hinter sich gelassen zu haben, sucht er sich in der kleinen provenzalischen Stadt Arles eine Bleibe.

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KANDINSKY, WASSILY (Moskau 1866 - 1944

Lot 3223: KANDINSKY, WASSILY (Moskau 1866 - 1944

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Description: KANDINSKY, WASSILY (Moskau 1866 - 1944 Neuilly-sur-Seine) Die Schiffe (Holland). 1904. Gouache on grey-brown board. Signed lower left: KANDINSKY. Inscribed verso: KAN 67. 35 x 50 cm. Provenance: - Gummesons Konstgalleri, Stockholm (until mid 1930s). - Gregor Aronowitsch, Stockholm (circa 1976). - A. B. Stockholms Auktionsverk (Autumn 1985). - Galerie Rosenbach, Hanover (1985-7). - Sotheby's New York, 12 May 1987, No. 128. - Christie's London, 3 April 1990, No. 125. Exhibited: - Paris 1905: Société Internationale des Aquarellistes, 16 November 1905. - Berlin 1906: Secession, Spring - XI. Exhibition. - Odessa 1907. - Berlin 1912: Der Sturm, Kandinsky-Kollektiv-Ausstellung, 2-28 October 1912, I No. 33. - Stockholm 1932: Nationalmuseum, October 1932. - Tokyo 1989: Fuji Television Gallery, Wassily Kandinsky, 10-28 April 1989. Literature: - Barnett, Vivian Endicott. Kandinsky - Werkverzeichnis der Aquarelle, Vol. I 1900-1921, Munich1992, No. 140, p. 140 (with ill.). - Grohmann, Will. Wassily Kandinsky - Life and Work, New York 1958, p. 343, p.403 (with ill.). - Gordon, Donald E. Modern Art Exhibitions 1900-1916, Munich 1974, Vol II, p. 181. Few artists of the early 20th century have transformed the conception of art as radically as Wassily Kandinsky, as a member of Der Blaue Reiter (The Blue Rider) and teacher at the Bauhaus. However, prior to taking this path in 1911, he underwent classical painting studies at the Kunstakademie München under Franz von Stuck, beginning in 1900. In the first decade of the 20th century his works are committed to the Art Nouveau, of which the present piece is an excellent example. In 1902 Kandinsky, married at the time, met Gabriele Münter. Initially she was his student at the Phalanx-Malschule school in Munich, though the two soon became involved. Kandinsky is then living with his first wife Anja, and the relationship of the two artists is secret. To spend more time together undisturbed, they decide to undertake some extensive travelling. Their first trip, to Holland, takes place 23 May - 21 June 1904; shortly thereafter, Kandinsky officially separates from his wife. In Holland they travel to Rotterdam, The Hague and the coastal resorts of Zandvoort and Scheveningen. Kandinsky creates works on site, but also produces numerous sketches and photos, which he uses, back in Munich as templates for further works. The present work shows a Dutch harbour scene. In the background we see a small, typical Dutch town with a windmill and small brick houses with white boundaries. Three sailing ships are anchored in the foreground. The sea has gentle waves. This work is still committed to the Art Nouveau: '[...] which can be seen in the stylisation, general abandonment of spatial depth, the tendency toward the decorative and the great interest in handicrafts and folk art' (Endicott Barnett, Vivian Kandinsky. Catalogue raisonné of Watercolours. Vol. 1. 1900 -1921, Munich 1992, p. 14). But Kandinsky does not simply copy stylistic elements of the Art Nouveau, he uses them to create his own compositions, which culminate in his 'improvisations' and 'compositions' after 1911. Although naturally, spatial depth is created through placement of various image planes one in front of the other, the gaze of the viewer is not drawn into that space. Kandinsky uses colour as a compositional device, relying on a limited colour palette, which produces a harmonious synthesis within the image. E.g. we find the use of light blue on the left sailboat in the background as well as on the ship's cabin of the right vessel. The deep blue of the waves in the foreground is taken up in the trees in the village as well as in the right boat. The radiance of the colours is enhanced through his effective use of the grey paper, which simultaneously emphasizes the flatness and the typically decorative nature of this early work. 'Ships' belongs to the 'coloured drawings'. By 1909 Kandinsky recorded his works in the so-called house catalogue and divided them into four categories: woodcuts, pictures, small oil studies, and coloured drawings. In addition to techniques, he gives information about the origin and sale of his works. However, the term 'coloured drawings' as we understand it today is misleading, because it applies to gouache and tempera works, which are distinguished by a picturesque rather than graphic character. Typical of these works is the use of tinted paper or paperboard, and Kandinsky's skilful use of the support's colour, as in our case. 'Kandinsky on the other hand uses the term for a group of drawings with a gouache-like painting medium, which he called 'tempera' and applied directly onto paper or tinted cardboard, often leaving large areas unpainted. These works seem freer than paintings, but they are not drawings in the conventional sense because they are painted and not drawn.' (Ibid., p. 15) KANDINSKY, WASSILY (Moskau 1866 - 1944 Neuilly-sur-Seine) Die Schiffe (Holland). 1904. Gouache auf grau-braunem Karton. Unten links signiert: KANDINSKY. Verso beschrieben: KAN 67. 35 x 50 cm. Provenienz: - Gummesons Konstgalleri, Stockholm (bis Mitte 30er Jahre). - Gregor Aronowitsch, Stockholm (um 1976). - A. B. Stockholms Auktionsverk (Herbst 1985). - Galerie Rosenbach, Hannover (1985-7). - Sotheby's New York, 12. Mai 1987, Nr. 128. - Christie's London, 3. April 1990, Nr. 125. - Privatsammlung. Ausstellungen: - Paris 1905: Société Internationale des Aquarellistes, 16. November 1905. - Berlin 1906: Secession, Frühling - XI. Ausstellung, Dezember 1906, Nr. 120 (betitelt: 'Holländische Schiffe'). - Odessa 1907. - Berlin 1912: Der Sturm, Kandinsky-Kollektiv-Ausstellung, 2.-28. Oktober 1912, I Nr. 33. - Stockholm 1932: Nationalmuseum, Oktober 1932. - Tokyo 1989: Fuji Television Gallery, Wassily Kandinsky, 10.-28. April 1989. Literatur: - Barnett, Vivian Endicott. Kandinsky. Werkverzeichnis der Aquarelle, Bd. I 1900-1921, München 1992, Nr. 140, S. 140 (mit Abb.). - Grohmann, Will. Wassily Kandinsky - Life and Work, New York 1958, S. 343, S.403 (mit Abb.). - Gordon, Donald E. Modern Art Exhibitions 1900-1916, München 1974, Bd. II, S. 181. Kaum ein anderer Künstler des beginnenden 20. Jahrhunderts hat die Kunstauffassung so revolutionär verändert wie Wassily Kandinsky mit dem Blauen Reiter und als Lehrer des Bauhauses. Bevor er jedoch ab 1911 diesen Weg beschreitet, erfährt er ab 1900 eine klassische Malereiausbildung an der Kunstakademie München bei Franz von Stuck. Im ersten Jahrzehnt des 20. Jahrhunderts sind seine Werke dem Jugendstil verpflichtet, wofür die vorliegende Gouache ein wunderbares Beispiel ist. 1902 lernt der verheiratete Kandinsky Gabriele Münter kennen. Zunächst seine Schülerin an der Phalanx-Malschule in München, entwickelt sich bald eine Beziehung zwischen den beiden. Kandinsky lebt zu dieser Zeit noch mit seiner ersten Frau Anja zusammen, und die Beziehung der beiden Künstler ist geheim. Um ungestört mehr Zeit miteinander zu verbringen, entschliessen sie einige ausgedehnte Reisen zu unternehmen. Ihre erste Reise findet vom 23. Mai - 21. Juni 1904 nach Holland statt; kurz danach trennt sich Kandinsky von seiner Frau. Sie bereisen Rotterdam, Den Haag sowie die Küstenorte Scheveningen und Zandvoort. Es entstehen sowohl Werke vor Ort, aber auch zahlreiche Skizzen und Fotos, die Kandinsky dann zurück in München als Vorlage für weitere Werke nutzt. Das vorliegende Werk zeigt eine holländische Hafenansicht. Im Hintergrund sehen wir eine kleine, typische holländische Stadt mit Windmühle und kleinen Backsteinhäusern mit weissen Begrenzungen. Davor ankern drei Segelschiffe. Die See hat leichten Wellengang. Dieses Werk ist noch vollkommen dem Jugendstil verpflichtet: '[...] das zeigt sich in der Stilisierung, dem weitgehenden Verzicht auf räumliche Tiefe, dem Hang zum Dekorativen und dem grossen Interesse am Kunsthandwerk und der Volkskunst' (Endicott Barnett, Vivian. Kandinsky. Werkverzeichnis der Aquarelle. Bd. 1. 1900 - 1921, München 1992, S. 14). Kandinsky kopiert aber nicht einfach Stilelemente des Jugendstils, sondern er nutzt sie, um seine eigenen Kompositionen zu schaffen, die dann in seinen 'Improvisationen' und 'Kompositionen' nach 1911 gipfeln. Obwohl natürlich räumliche Tiefe durch das voreinander setzen der unterschiedlichen Bildebenen geschafft wird, wird der Blick des Betrachters nicht in die Tiefe gezogen. Farbe nutzt Kandinsky als kompositorisches Mittel, denn er greift auf eine überschaubare Farbpalette zurück, so dass ein harmonischer Zusammenhalt im Bild entsteht. Das Hellblau am linken Segelboot finden wir im Hintergrund und ebenso an der Schiffskajüte des rechten Schiffes wieder; das kräftige Blau der Wellen im Vordergrund greift er in den Bäumen im Dorf sowie im rechten Boot wieder auf. Verstärkt wird die Strahlkraft der Farben durch die effektvolle Verwendung des grauen Papiers, was gleichzeitig die Flächigkeit und den typischen dekorativen Charakter dieser frühen Arbeiten hervorhebt. 'Schiffe' gehört zu den 'farbigen Zeichnungen'. Bis 1909 hat Kandinsky seine Werke in dem sogenannten Hauskatalog festgehalten und sie in vier Kategorien eingeteilt: Holzschnitte, Bilder, kleine Ölstudien und farbige Zeichnungen. Neben der Technik macht er darüber hinaus Angaben zum Entstehungsort und zu Verkäufen. Der Begriff 'Farbige Zeichnung' ist allerdings aus unserem heutigen Verständnis heraus irreführend, da es sich um Gouachen und Temperaarbeiten handelt, die sich durch einen malerischen und keinen zeichnerischen Charakter auszeichnen. Typisch für diese Werke ist die Verwendung getönter Papiere oder Pappen, wobei Kandinsky dann die Farbigkeit der Malunterlage wie in unserem Fall effektvoll einsetzt. 'Kandinsky dagegen benutzt den Begriff für eine Gruppe von Werken mit einem Gouache-ähnlichen Malmittel, das er selbst ‚Tempera' nannte und das er unmittelbar auf Papier oder getönte Malpappe auftrug, wobei er häufig grosse Flächen unbemalt liess. Diese Arbeiten wirken freier als Gemälde, sind aber keine Zeichnungen im herkömmlichen Sinn, da sie gemalt und nicht gezeichnet sind.' (ebenda, S. 15).

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HÖLZEL, ADOLF (Olmütz/Mähren 1853 - 1934

Lot 3224: HÖLZEL, ADOLF (Olmütz/Mähren 1853 - 1934

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Description: HÖLZEL, ADOLF (Olmütz/Mähren 1853 - 1934 Stuttgart) Untitled. Circa 1927. Pastel on paper. 31.8 x 24.5 cm. Exhibition: Stuttgart 1991/92: Adolf Hölzel. Pastelle und Zeichnungen aus einer privaten Sammlung. Galerie Döbele, No. 35, November 7 1991 - January 11, 1992. Literature: Exhib. Cat.: Galerie Döbele (Ed.), Adolf Hölzel. Pastelle und Zeichnungen aus einer privaten Sammlung, Stuttgart 1991, No. 35, p. 86-87 (with ill.). HÖLZEL, ADOLF (Olmütz/Mähren 1853 - 1934 Stuttgart) Ohne Titel. Um 1927. Pastell auf Papier. 31,8 x 24,5 cm.

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HÖLZEL, ADOLF (Olmütz/Mähren 1853 - 1934

Lot 3225: HÖLZEL, ADOLF (Olmütz/Mähren 1853 - 1934

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Description: HÖLZEL, ADOLF (Olmütz/Mähren 1853 - 1934 Stuttgart) Untitled. Pastel on paper. Signed lower right: Adolf Hölzel. 50.2 x 64.5 cm. HÖLZEL, ADOLF (Olmütz/Mähren 1853 - 1934 Stuttgart) Ohne Titel. Pastell auf Papier. Unten rechts signiert: Adolf Hölzel. 50,2 x 64,5 cm.

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HERBIN, AUGUSTE (Quiévy 1882 - 1960 Paris) Nature

Lot 3226: HERBIN, AUGUSTE (Quiévy 1882 - 1960 Paris) Nature

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Description: HERBIN, AUGUSTE (Quiévy 1882 - 1960 Paris) Nature morte. 1909. Oil on canvas. Signed lower right: herbin. 70 x 50 cm. Literature: Claisse, Geneviève. Herbin. Catalogue raisonné de l'oeuvre peint, Paris 1993, No. 205 (with colour ill.). HERBIN, AUGUSTE (Quiévy 1882 - 1960 Paris) Nature morte à la cuvette. 1909. Öl auf Leinwand. Unten rechts signiert: herbin. 70 x 50 cm. Literatur: Claisse, Geneviève. Herbin - Catalogue raisonné de l'oeuvre peint, Paris 1993, S. 51, Nr. 205 (mit Farbabbildung). Erst auf den zweiten Blick offenbart sich das Nebeneinander leuchtender Farben dem Betrachter als Stillleben. Das Auge wandert von den kleinen Farbinseln am linken Bildrand über die klar begrenzten Formen in der oberen Bildhälfte bis es rechts unten auf dem gelben Oval verweilt, das sich bald als Schüssel entpuppt. Von hier aus erschließt sich dem Betrachter nun wiederum die Umgebung. Die Farbinseln formieren sich zu einem Blumenstrauß, im Hintergrund deuten sich weitere Gefäße an. Im vorliegenden Stillleben entfaltet sich ein beeindruckendes Wechselspiel zwischen den Farben und Formen. Die Auseinandersetzung mit Farbe und Form in ihrer reinen Erscheinung führen den Künstler einige Jahre später schließlich in die Ungegenständlichkeit. Im vorliegenden Gemälde deutet sich bereits an, was im Folgenden eine immer größere Rolle im Schaffen des Künstlers spielen wird, das Primat der Farbe und klar begrenzten Formen. Hier tritt sie dem Betrachter in Gestalt der stark konturierten Gefäße und dem in Farbfelder aufgelösten Raum entgegen. Auguste Herbin wird 1882 in Quiévy, einem kleinen Dorf in der Nähe der belgischen Grenze, als Sohn einer Handwerkerfamilie geboren. Er bildet sich zunächst als Autodidakt weiter, später ermöglicht ihm ein Stipendium den Besuch der École des Beaux-Arts in Lille. 1901 lässt er sich in Paris nieder. Es entstehen erste vom Impressionismus beeinflusste Werke. Einige Jahre später folgt eine Reihe fauvistischer Gemälde, die er 1907 im Salon d'Automne in Paris gemeinsam mit den Fauves ausstellt. Als Herbin 1909 mit dem Umzug in das Künstlerhaus La Bateau-Lavoir Ateliernachbar von Pablo Picasso, Georges Braque, Juan Gris und Otto Freundlich wird, beginnt seine intensive Auseinandersetzung mit dem Kubismus. Um 1918 vollzieht Herbin schließlich den Schritt in die reine Abstraktion. Nach einer kurzen Rückkehr zur gegenständlichen Malerei (siehe Los 3227) findet er in den 1920er Jahren zu seiner charakteristischen Formensprache. Auguste Herbin gilt als Mitbegründer der geometrisch-konstruktiven Kunst in Frankreich, der mit seinem vielschichtigen Werk, dem von ihm entwickelten Kompositionsprinzip 'alphabet plastique' und seinen theoretischen Überlegungen, wie der Schrift 'L'Art non-figurativ, non-objectif', zum Vorbild der nachfolgenden Künstlergeneration dieser Strömung wurde. Herbin stirbt 1960 in Paris. Seine Werke werden auch weiterhin auf den großen internationalen Ausstellungen gezeigt, darunter 1972 auf der documenta V in Kassel und 1987 im Solomon R. Guggenheim Museum in New York.

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HERBIN, AUGUSTE (Quiévy 1882 - 1960 Paris) Femme

Lot 3227: HERBIN, AUGUSTE (Quiévy 1882 - 1960 Paris) Femme

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Description: HERBIN, AUGUSTE (Quiévy 1882 - 1960 Paris) Femme au cerisier. 1924. Oil on canvas. Signed lower right: Herbin. 116 x 89 cm. Provenance: - L'Effort Moderne collection, L. Rosenberg, Paris, No. 838 (paper label verso). - Sotheby's London, 1973. - Galerie Hasenclever, Munich. - Private collection, Munich. Exhibited: Amsterdam 1963, Stedelijk Museum Amsterdam, 1963, Cat. No. 49, Amsterdam 1963. Literature: - Bulletin de L'Effort Moderne, Nr. 27, Paris, September 1926. - Claisse, Geneviève. Herbin. Catalogue raisonné de l'aeuvre peint, Paris 1993, Cat. No. 552, p. 376 (with ill.). 'Femme au cerisier' fascinates through its play with shapes, colours and perspective planes. The silhouette-like figure of the cherry picker stretches out her arms against the richly laden branches of the cherry tree, which seems to spring from the landscape, growing over and beside her simultaneously. The landscape itself is greatly simplified and described in pure, distinct colours. Through simplification of the contours the artist carves out the essential motifs inherent in the geometric shapes. This painting belongs to a series of works from the years 1922-25, in which Auguste Herbin, the co-founder of geometric-constructive art, briefly turns again to representational painting. Auguste Herbin is born in Quiévy in 1882. In the years 1899-1901 he undergoes his training as a pupil of Pharaon de Winter at the École des Beaux-Arts in Lille. Subsequently, he settles in Paris. In 1909 he occupies a studio at the artists' residence Le Bateau-Lavoir, where he gets to know his studio neighbours Pablo Picasso, Georges Braque, Juan Gris and Otto Freundlich. Herbin undertakes experiments in Cubism and is able to sell his paintings to art dealers such as Alfred Flechtheim and important collectors like Sergei Shchukin. In 1916 he enters into a contract with the gallerist Léonce Rosenberg, who dedicates solo exhibitions to him in 1918, 1921 and 1924 at his gallery L'Effort Moderne in Paris. With increasing emphasis on geometric forms Herbin approaches the non-representational idiom until he makes the step into pure abstraction in 1918. This creative period is temporarily interrupted in the years 1922-25 when he returns to figuration. In addition to landscape and still life Herbin devotes himself in this period also to the human figure, posed in sensitive portraits or captured in the midst of everyday activities. The figuration of all these pictures has a shared emphasis on geometric shapes. In 'Femme au cerisier' he goes one step further by rendering the individual figurative elements - the tree, the ladder, the field and the hills visible on the horizon - with just a few details and shadows within their forms, reduced so dramatically to their essential shapes that they resemble a pattern laid out before the eye of the beholder. The cherry picker in its silhouette-like, statuesque form recalls Pablo Picasso's classical female figures of the 1920s, envisaged through shape-delineating marks, the bodies defined by large contours and modelled voluminously. (Fig.1) In 1929 Herbin co-founds the 'Salon des Surindépendants'. In 1931 he establishes, together with Georges Vantongerloo, Anton Pevsner and Naum Gabo, among others, the group 'Abstraction-Création', whose artists devote their attention to colour studies, optical-physical phenomena and vision. In the 1940s, Herbin develops his 'alphabet plastique', a compositional formula in which each letter corresponds to one or more geometric shapes, such as a rectangle, triangle or circle, or a colour. In 1946 he founds the 'Salon des Nouvelles Réalités', of which he becomes president in 1955. The salon soon develops into a prominent platform for the new generation of geometric-abstract artists, such as Victor Vasarely, Jean Dewasne and Olle Baertling. In 1949 Herbin publishes his book 'L'Art non-figurative, non-objectif'. After 1953, the artist is paralysed on one side and must learn to paint with his left hand. Herbin enjoys over the years widespread recognition for his painting and is represented at documenta I and II in Kassel, held in 1955 and 1959 respectively. Auguste Herbin dies in Paris in 1960. HERBIN, AUGUSTE (Quiévy 1882 - 1960 Paris) Femme au cerisier. 1924. Öl auf Leinwand. Unten rechts signiert: Herbin. 116 x 89 cm. Provenienz: - Sammlung L'Effort Moderne, L. Rosenberg, Paris, Nr. 838 (verso Papieretikett). - Auktion Sotheby's London, 1973. - Galerie Hasenclever, München. - Privatsammlung München. Ausstellung: Amsterdam 1963: Stedelijk Museum Amsterdam, 1963, Kat. Nr. 49, Amsterdam 1963. Literatur: - Bulletin de L'Effort Moderne, Nr. 27, Paris, September 1926. - Claisse, Geneviève. Herbin - Catalogue raisonné de l'aeuvre peint, Paris 1993, Kat.Nr. 552, S. 376 (mit Abb.). 'Femme au cerisier' fasziniert durch das Spiel mit den Formen, Farben und perspektivischen Ebenen. Die silhouettenhafte Gestalt der Kirschenpflückerin streckt ihre Arme den reich tragenden Ästen des Kirschbaumes entgegen, der über ihr und doch zugleich neben ihr aus der Landschaft emporzuwachsen scheint. Die Landschaft selbst ist stark vereinfacht und in klar voneinander abgegrenzten Farben wiedergegeben. Durch diese Vereinfachung der Umrisse schält der Künstler die den Motiven innewohnenden geometrischen Formen heraus. Auguste Herbin wird 1882 in Quiévy geboren. 1899-1901 studiert er als Schüler von Pharaon de Winter an der École des Beaux-Arts in Lille. Im Anschluss lässt er sich in Paris nieder. 1909 bezieht er ein Atelier im Künstlerhaus Le Bateau-Lavoir, wo er seine Ateliernachbarn Pablo Picasso, Georges Braque, Juan Gris und Otto Freundlich kennenlernt. Herbin beginnt sich mit dem Kubismus auseinanderzusetzen und kann seine Gemälde an Kunsthändler wie Alfred Flechtheim und große Sammler wie Sergei Shchukin verkaufen. 1916 schließt er einen Vertrag mit dem Galeristen Léonce Rosenberg, der ihm 1918, 1921 und 1924 Einzelausstellungen in seiner Galerie L'Effort Moderne in Paris widmet. Unter zunehmender Betonung geometrischer Formen nähert sich Herbin der Ungegenständlichkeit an bis er um 1918 den Schritt in die reine Abstraktion vollzieht. Diese Schaffensphase wird 1922-25 unterbrochen als er vorübergehend zur Figuration zurückkehrt zu dieser Zeit entsteht unser Werk. Neben Landschaften und Stillleben widmet Herbin sich in dieser Zeit auch der menschlichen Figur, stellt sie vor in einfühlsamen Porträts oder während ihrer alltäglichen Beschäftigungen. Bei aller Figürlichkeit ist diesen Bildern die Betonung der geometrischen Formen gemeinsam. In 'Femme au cerisier' geht er noch einen Schritt weiter, indem er die einzelnen Bildbestandteile - den Baum, die Leiter, das Feld und die am Horizont sichtbaren Hügel - mit wenigen Binnenzeichnungen und Schattenbildungen in ihrer Räumlichkeit nur andeutet und sie so stark auf ihre Grundformen reduziert, dass sie sich wie ein Muster vor dem Auge des Betrachters ausbreiten. Die Kirschenpflückerin erinnert dabei in ihrer silhouettenhaften, statuarischen Gestalt an Pablo Picassos klassizistische Frauenfiguren der 1920er Jahre, als dieser ausgehend von der formbestimmenden Linie seine Gestalten in großer Kontur umreisst und voluminös modelliert. 1929 ist Herbin Mitbegründer des 'Salon des Surindépendants'. 1931 gründet er gemeinsam mit Georges Vantongerloo, Anton Pevsner und Naum Gabo u.a. die Gruppe 'Abstraction-Création', deren Künstler sich mit Farbstudien, optisch-physikalischen Phänomenen und dem Sehvermögen auseinandersetzen. In den 1940er Jahren entwickelt Herbin sein 'alphabet plastique', ein Kompositionsschema bei dem jeder Buchstabe einer oder mehrerer geometrischen Formen wie Rechteck, Dreieck oder Kreis oder einer Farbe entspricht. 1946 ruft er den 'Salon des Réalités Nouvelles' ins Leben, dessen Präsident er 1955 wird. Der Salon entwickelt sich bald zu einem wichtigen Podium für die junge Generation geometrisch-abstrakter Künstler wie Victor Vasarely, Jean Dewasne oder Olle Baertling. 1949 veröffentlicht Herbin seine Schrift 'L'Art non-figurativ, non-objectif'. Seit 1953 ist der Künstler halbseitig gelähmt und muss lernen mit der linken Hand zu malen. Herbin findet mit seiner Malerei seit Jahren breite Anerkennung und ist 1955 und 1959 auf der documenta I und II in Kassel vertreten. 1960 stirbt Auguste Herbin in Paris.

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SCHMIDT-ROTTLUFF, KARL (Rottluff 1884 - 1976

Lot 3228: SCHMIDT-ROTTLUFF, KARL (Rottluff 1884 - 1976

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Description: SCHMIDT-ROTTLUFF, KARL (Rottluff 1884 - 1976 Berlin) Bei der Lampe. Circa 1960. Coloured chalk over India ink. Signed lower left: S-Rottluff. 52.6 x 39 cm. Prof. Hermann Gerlinger, Würzburg, has confirmed the authenticity of the work, Würzburg 7 March 2013. Provenance: Private collection Germany. SCHMIDT-ROTTLUFF, KARL (Rottluff 1884 - 1976 Berlin) Bei der Lampe. Um 1960. Farbkreide über Tusche. Unten links signiert: S-Rottluff. 52,6 x 39 cm. Die Authentizität der Arbeit wurde von Prof. Hermann Gerlinger, Würzburg, 7. März 2013, bestätigt. Provenienz: Privatsammlung Deutschland.

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SCHMIDT-ROTTLUFF, KARL (Rottluff 1884 - 1976

Lot 3229: SCHMIDT-ROTTLUFF, KARL (Rottluff 1884 - 1976

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Description: SCHMIDT-ROTTLUFF, KARL (Rottluff 1884 - 1976 Berlin) Gladiolen. Circa 1960. Coloured chalk over India ink. Signed lower left: S-Rottluff. 52 x 39 cm. Prof. Hermann Gerlinger has confirmed the authenticity of this work, Würzburg 7 March 2013. Provenance: Private collection Germany. SCHMIDT-ROTTLUFF, KARL (Rottluff 1884 - 1976 Berlin) Gladiolen. Um 1960. Farbkreide über Tusche. Unten links signiert: S-Rottluff. 52 x 39 cm. Die Authentizität der Arbeit wurde von Prof. Hermann Gerlinger, Würzburg, 7. März 2013, bestätigt. Provenienz: Privatsammlung Deutschland.

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BECKMANN, MAX (Leipzig 1884 - 1950 New York)

Lot 3230: BECKMANN, MAX (Leipzig 1884 - 1950 New York)

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Description: BECKMANN, MAX (Leipzig 1884 - 1950 New York) Stillleben mit Violetten Dahlien. 1926. Oil on canvas. Signed, dated and inscribed lower right: Max Beckmann F 26 (painted in 1926 in Frankfurt). 70 x 34.5 cm. Provenance: - I.B. Neumann, New York & Günther Franke, Munich (from 1927 to 1934). - Bergdolt collection, Munich. - Galerie Gerd Rosen, Berlin (acquired 1945). - Private collection (since 1960). - Auction: Villa Grisebach, Berlin, 4. June 1993, Lot 30. - Private collection, acquired at the above auction. Exhibited: - New York, 1927, New Circle I.B. Neumann, Max Beckmann, New York 1927, Cat. No. 20 (with ill.). - New York 1930, S.P.R. Galleries, Modern German Art, New York 1930. - Berlin 1932, Galerie Alfred Felchtheim, Max Beckmann, Berlin 1932, Cat. No.15. Literature: - The artist's inventory, 1926, listed as 'Stilleben mit violetten Dahlien'. - I.B. Neumann (Author.), Max Beckmann, in: Art Lover, New York, 1927. - Kunstausstellungen Berlin in: Der Kunstwanderer, 1932, p. 200. - Reifenberg, Benno. Max Beckmann, Munich 1949, Cat. No.227 (listed as 'Stilleben mit Gitarre'). - Schmidt, Doris. Briefe an Günther Franke, Cologne 1970, p. 44 (listed as 'Stilleben mit Gitarre'). - Göpel, Erhard & Barbara (ed.). Max Beckmann, Katalog der Gemälde, Bern 1976, Vol. I, Cat. No.258, Vol. II, Cat. No.92 (with ill.). - Spieler, Reinhold. Max Beckmann. Der Weg zum Mythos, Cologne 1994, p. 59 (with ill.). - Exh. cat. Max Beckmann: A Deam of Life, Zentrum Paul Klee, Bern 2006, p. 62 (listed as 'Stilleben mit Gitarre'). BECKMANN, MAX (Leipzig 1884 - 1950 New York) Stillleben mit violetten Dahlien. 1926. Öl auf Leinwand. Unten rechts signiert, datiert und bezeichnet: Max Beckmann F 26 (gemalt 1926 in Frankfurt). 70 x 34,5 cm. Provenienz: - I.B. Neumann, New York & Günther Franke, München (von 1927 bis 1934). - Sammlung Bergdolt, München. - Galerie Gerd Rosen, Berlin (erworben 1945). - Privatsammlung (seit 1960). - Auktion Villa Grisebach, Berlin, 4. Juni 1993, Los 30. - Privatsammlung, bei obiger Auktion erworben. Ausstellungen: - New York 1927: New Circle I.B. Neumann, Max Beckmann, New York 1927, Kat.Nr. 20 (mit Abb.). - New York 1930: S.P.R. Galleries, Modern German Art, New York 1930. - Berlin 1932: Galerie Alfred Flechtheim, Max Beckmann, Berlin 1932, Kat.Nr. 15. Literatur: - Inventarliste des Künstlers, 1926, aufgeführt als 'Stilleben mit violetten Dahlien'. - Neumann, I.B. (Autor.). Max Beckmann, in: Art Lover, New York, 1927. - Kunstausstellungen Berlin in: Der Kunstwanderer, 1932, S. 200. - Reifenberg, Benno. Max Beckmann, München 1949, Kat.Nr. 227 (aufgeführt als 'Stilleben mit Gitarre'). - Schmidt, Doris. Briefe an Günther Franke, Köln 1970, S. 44 (aufgeführt als 'Stilleben mit Gitarre'). - Göpel, Erhard & Barbara (Hrsg.). Max Beckmann. Katalog der Gemälde, Bern 1976, Bd. I, Kat.Nr. 258, Bd.II, Kat.Nr. 92 (mit Abb.). - Spieler, Reinhold. Max Beckmann. Der Weg zum Mythos, Köln 1994, S. 59 (mit Abb.). - Ausst.Kat.: Max Beckmann: A Deam of Life, Zentrum Paul Klee, Bern 2006, S. 62 (aufgeführt als 'Stilleben mit Gitarre'). Nach der Katastrophe des Ersten Weltkrieges fordert die Neue Sachlichkeit einen neuen Blick auf die 'Realität', der sich von den verstiegenen Träumereien der Expressionisten abgrenzt. Max Beckmann teilt die Anliegen der Neuen Sachlichkeit, übersteigt jedoch mit seiner Suche nach der 'transzendenten Realität' den sozialkritischen Realismus der Veristen. Beckmann sieht sich in erster Linie als Individuum, das sich nur an den grossen, klassischen Malers der Kunstgeschichte orientiert. Stillleben bilden dabei einen wichtigen Eckpunkt seines Gesamtwerkes. In den 1920er Jahren feiert Beckmann grosse Erfolge. 1925 wird er Professor am Städelschen Kunstinstitut in Frankfurt und seine Bilder werden weltweit ausgestellt, so etwa schon 1913 in Chicago und 1927 in New York. Mit der Machtübernahme der Nationalsozialisten verliert Beckmann die Anstellung und lebt fortan unter prekären Verhältnissen im Exil in Holland, später in den Vereinigten Staaten. Trotz seines klassizistischen Stiles werden seine Werke von der nationalsozialistischen Propaganda als 'entartet' eingestuft. Das 'Stillleben mit violetten Dahlien' stammt aus den glücklicheren 1920er Jahren, die Beckmann grösstenteils in Frankfurt verbringt. Beckmanns Stillleben sind stets streng durchkomponiert und mit einer nicht sogleich zugänglichen Symbolik versehen. Im Jahre 1925 heiratet Beckmann seine zweite Frau Mathilde von Kaulbach, genannt Quappi, und macht sie zu einer der meistporträtierten Frauen der Kunstgeschichte. In seinen Stillleben erinnern Form- und Farbgebung der Gitarren oftmals an die Porträts von Quappi. Die Dahlien und der Spiegel scheinen auf die vergängliche, sich selbstzitierende Ästhetik des Augenblicks hinzuweisen. Gleichzeitig liegt eine mediterrane Leichtigkeit und die Verspieltheit des von Beckmann geliebten Jazz in der Luft. Das 'Stillleben mit Dahlien' spiegelt das kurze, zerbrechliche Glück der Zwischenkriegsjahre und weist gleichzeitig auf die wahre, geheimnisvolle Natur der Dinge hin, wie sie für Beckmann zu existieren schien. 'Worauf es mir bei meiner Arbeit vor allem ankommt, ist die Idealität, die sich hinter der scheinbaren Realität befindet.' (Max Beckmann. Die Realität der Träume in den Bildern. Schriften und Gespräche 1911 bis 1950, München 1990, S. 50) Zurecht gelten Beckmanns Stillleben als meisterliche Interpretationen dieser sich nur durch Symbolisierung erschliessenden Realität.

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KOKOSCHKA, OSAKR (Pöchlarn 1886 - 1980 Montreux)

Lot 3231: KOKOSCHKA, OSAKR (Pöchlarn 1886 - 1980 Montreux)

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Description: KOKOSCHKA, OSAKR (Pöchlarn 1886 - 1980 Montreux) Damenporträt. Verso: Weintrauben. Coloured crayon on paper. 55 x 43 cm. Prof. Weidinger, Belvedere Wien, has confirmed the authenticity of this work. KOKOSCHKA, OSKAR (Pöchlarn 1886 - 1980 Montreux) Damenporträt. Verso Weintrauben. Buntstifte auf Papier. 55 x 43 cm. Die Authentizität der Arbeit wurde von Prof. Alfred Weidinger, Belvedere Wien, bestätigt. Provenienz: Privatsammlung Deutschland.

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KIRCHNER, ERNST LUDWIG (Aschaffenburg 1880 - 1938

Lot 3232: KIRCHNER, ERNST LUDWIG (Aschaffenburg 1880 - 1938

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Description: KIRCHNER, ERNST LUDWIG (Aschaffenburg 1880 - 1938 near Davos) Stilleben mit Enzian. Circa 1920. Watercolour over black chalk on paper. Signed lower right: E.L.Kirchner. 46.5 x 60 cm. This work is registered at the Ernst Ludwig Kirchner archive in Wichtrach/Bern. Provenance: Collection Germany. KIRCHNER, ERNST LUDWIG (Aschaffenburg 1880 - 1938 bei Davos) Stilleben mit Enzian. Um 1920. Aquarell über schwarzer Kreide auf Papier. Unten rechts signiert: E.L.Kirchner. 46,5 x 60 cm. Dieses Werk ist im Ernst Ludwig Kirchner-Archiv, Wichtrach/Bern dokumentiert. Provenienz: Sammlung Deutschland.

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KLEE, PAUL (Münchenbuchsee/Bern 1879 - 1940

Lot 3233: KLEE, PAUL (Münchenbuchsee/Bern 1879 - 1940

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Description: KLEE, PAUL (Münchenbuchsee/Bern 1879 - 1940 Muralto) Nächtliche Landschaft. 1937. Coloured crayon on primer on paper, laid on board. Signed lower left: Klee. Also dated and inscribed in the centre of the board: 1937.p.1. nächtliche Landschaft. 25.3 x 38.3 cm. Provenance: - Lily Klee, Bern (1940-1946). - Klee-Gesellschaft, Bern (from 1946). - Lawrence J. Heller, Washington/Dickerson. - Richard L. Feigen, New York/Chicago (label verso). - Galerie Tarica, Geneva/Paris. - Private collection, Italy. Exhibited: - Bologna 1985, Galleria de'foscherari. Morandi e il suo tempo, Bologna 1985, No. 111008 (label verso). - Bologna 2000/2001, Museo Morandi. Paul Klee, figure e metamorfosi, Bologna, 25 November 2000 -4 March 2001, No. 81 (with ill.). - Milan 2007, Fondazione A. Mazzotta. Paul Klee - Teatro Magico, Milan, 26 Jan - 13. May 2007 (label verso). Literature: - Spiller, Jürg (Ed). Paul Klee. Unendliche Naturgeschichte. Prinzipielle Ordnung der bildnerischen Mittel verbunden mit Naturstudium, und konstruktive Kompositionswege. Form- und Gestaltungslehre, vol. 2, Basel/Stuttgart 1970, (with ill.). - Paul-Klee foundation, Kunstmuseum Bern (Ed.). Catalogue Raisonné Paul Klee, vol. 7 (1934-1937), Bern 2003, Cat. No. 7037, p. 249 (with ill.). KLEE, PAUL (Münchenbuchsee/Bern 1879 - 1940 Muralto) Nächtliche Landschaft. 1937. Farbstifte auf Grundierung auf Papier auf Karton. Unten links signiert: Klee. Zudem auf dem Unterlagekarton (Künstlerkarton) mittig datiert und bezeichnet: 1937.p.1. nächtliche Landschaft. 25,3 x 38,3 cm. Provenienz: - Lily Klee, Bern (1940-1946). - Klee-Gesellschaft, Bern (ab 1946). - Lawrence J. Heller, Washington/Dickerson. - Richard L. Feigen, New York/Chicago (verso mit dem Etikett). - Galerie Tarica, Genf/Paris. - Privatsammlung Italien. Ausstellungen: - Bologna 1985: Galleria de'foscherari. Morandi e il suo tempo, Bologna 1985, Nr. 111008 (vero mit Etikett). - Bologna 2000/2001: Museo Morandi. Paul Klee, figure e metamorfosi, Bologna, 25. November 2000 - 4.März 2001, Nr. 81 (mit Abb.). - Mailand 2007: Fondazione A. Mazzotta. Paul Klee - Teatro Magico, Mailand, 26. Januar - 13. Mai 2007 (verso mit Etikett). Literatur: - Spiller, Jürg (Hrsg.). Paul Klee. Unendliche Naturgeschichte. Prinzipielle Ordnung der bildnerischen Mittel verbunden mit Naturstudium und konstruktive Kompositionswege. Form- und Gestaltungslehre, Bd. 2, Basel/Stuttgart 1970, (mit Abb.). - Paul-Klee-Stiftung, Kunstmuseum Bern (Hrsg.). Catalogue Raisonné Paul Klee, Bd. 7 (1934-1937), Bern 2003, Kat.Nr. 7037, S. 249 (mit Abb.). 'Die letzten dreieinhalb Jahre sind eine Einheit; trotz mancher Rückgriffe und Weiterführungen setzt wie mit einem Paukenton der letzte Akt des menschlichen und künstlerischen Dramas ein.' (Grohmann, Will. Paul Klee, Genf/Stuttgart 1954, S. 312). Die 1930er Jahre bedeuten für viele Künstler der Avantgarde einen gravierenden Einschnitt in ihr künstlerisches und persönliches Leben. Beeinflusst durch die politischen Entwicklungen in Deutschland und die Schmähung bzw. Verfolgung der Modernen Kunst, aber auch durch persönliche Verwicklung kommt es in der Mitte dieses Jahrzehnts zu tiefgreifenden Veränderungen; jeder Künstler reagiert anders und muss für sich einen neuen Weg finden, so widmet sich Henri Matisse plötzlich wieder vermehrt seinen Zeichnungen, Joan Miró belegt einen Kurs für Aktzeichnen, Pablo Picasso malt für zwanzig Monate gar nicht mehr. Auch Paul Klee gerät in diesen Strudel, bei ihm allerdings eindeutig verursacht durch die politischen Entwicklungen. Nach einer Hausdurchsuchung in seiner Dessauer Wohnung durch die Nationalsozialisten im März 1933 und seiner fristlosen Kündigung als Direktor der Düsseldorfer Akademie emigriert er Ende 1933 nach Bern. Der anerkannte und gern gesehene mittlerweile 55-jährige Künstler, der in den europäischen Kunstmetropolen der 1910er und 1920er Jahre zu Hause war, fühlt sich in Bern isoliert und entfremdet. 1936 erkrankt er schwer an progressiver Sklerodermie, die vier Jahre später zu seinem Tod führt. Trotz seiner internationalen Anerkennung mit Ausstellungen in London und New York, gelingt es ihm nur schwer, seine künstlerische Sprache wieder zu finden und zu festigen. Und dennoch schafft er genau dies um das Jahr 1937 herum und es entsteht ein umfangreiches, in sich geschlossenes Spätwerk, dass für die nachfolgende Generation abstrakter Künstler ein unerschöpfliches Repertoire an Inspiration bietet. 'Doch Klees letzte Wendung nach innen sollte noch einmal nach aussen gekehrt werden. So wie Klees Identität sich seiner Kunst anverwandelte, ging sie auch in die geschichtliche Entwicklung der Avantgarde ein. Denn seine späten Arbeiten waren für die Avantgarde ein Vermächtnis, mit dessen Hilfe diese sich, nachdem Klee nun gegangen war, in einer abstrakten Sprache erneuern sollte, die Symbol und Selbst miteinander verschmolz.' (Ausst.Kat.: Paul Klee. Leben und Werk, Museum of Modern Art, New York 1987, S. 79). Das vorliegende Werk 'Nächtliche Landschaft' stammt aus eben dieser Spätphase in Paul Klees Oeuvre, und dennoch steht es im Kontext dieser Zeit fast singulär. Grafische Symbole und Chiffren spielen keine Rolle, ebenso wenig sein zunehmendes Experimentieren mit ungewöhnlichen Techniken und Materialien oder der Einsatz von Farbe. Blickt der Betrachter von weitem auf unser Werk, so zeigt sich ihm eine schwarze Fläche. Erst beim Näherkommen nimmt er die floralen Formen wahr, die uns an die unterschiedlichsten Arten von Pflanzen und Bäumen erinnern. Meisterhaft schafft es Klee, dem pechschwarzen Blatt Tiefe und Leben einzuhauchen: durch die unterschiedlichen Grössen und Formen der Bäume und Pflanzen entsteht Tiefe, aber auch durch die runden, teils offenen Formen im oberen Teil des Bildes, wodurch er den Nachthimmel andeutet. Er schraffiert die Formen, teils horizontal, teils vertikal, teils kombiniert, so dass die Darstellung an Dynamik gewinnt. Gleichzeitig scheint das Schwarz des Blattes aber immer wieder hindurch, und so scheinen die Bäume im nächtlichen Schwarz zu versinken, heben sich aber gleichzeitig durch ihre dezente Farbigkeit effektvoll ab. Klee setzt in dieser wunderbaren Arbeit keine Formen und Farben gegeneinander, sondern lässt sie gekonnt in einander überlaufen und zu einer sich bedingenden Einheit verschmelzen.

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MATISSE, HENRI (Le Cateau-Cambrésis 1869 - 1954

Lot 3234: MATISSE, HENRI (Le Cateau-Cambrésis 1869 - 1954

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Description: MATISSE, HENRI (Le Cateau-Cambrésis 1869 - 1954 Nice Pont de Sèvres, Le Platane. 1917. Oil on canvas. Signed upper left: Henri Matisse. 27 x 35 cm. Provenance: - Galerie Bernheim-Jeune, Paris (acquired directly from the artist in 1917). - Galerie Vildrac, Paris (acquired from the above gallery in 1918). - Henning Gran, Oslo. - Private collection New York. Literature: - Dauberville, Guy Patrice/Michael. Matisse, Vol. I, Paris 1995, No. 203, p. 617 (with ill.). - Flam, Jack: Matisse - The Man and His Art, 1869 - 1918, Ithaca, 1986, No. 481, p. 469 (with ill.). "For me composition is everything. It is therefore necessary to have a clear picture of the work as a whole from the very beginning [...] The paintings of the Impressionists - I know this well because I myself began as an Impressionist - are full of conflicting impressions. A veritable knot of contradictions! We want something different: we wish to achieve an inner equilibrium through a simplification of ideas and physical form. Our sole ideal lies in the compositional whole. Detail diminishes the purity of line and the intensity of feeling, so we turn away from it." (Henri Matisse. Farbe und Gleichnis - Gesammelte Schriften, pp. 21/34, Verlag Arche, Zurich, 1955) As Henri Matisse himself here demonstrates, his work is constantly directed towards a compositional whole. The fleeting effects of Impressionism are left behind in order to seek to convey a lasting interpretation of reality. A direct copy of reality is deceptive: its true character is best revealed in relation to abstract pictorial elements within the composition. The work of Matisse is thus fundamental to classic modern art. The painting "Pont de Sèvres, le Platane" shows us how Matisse strove to balance composition and expression. The bridge at Sèvres near Paris is a popular subject which had also been painted by Alfred Sisley and Henri Rousseau. The impressionistic atmosphere of the place, as seen in Sisley's painting, is blown apart by Matisse's modernist outlook. With one stroke we become aware of how much the world had changed in the forty years which had elapsed between the two paintings. From the same year (1917) there is a further painting by Matisse of the bridge at Sèvres. When we compare the paintings, we can see in exemplary fashion the striving for simplicity and harmony in the composition. The juxtaposed and contrasting expanses of colour are witness to Matisse's distinct and masterly balance of line and colour, with which the artist intended to convey to the viewer a sense of tranquillity and calm. "For me composition is everything. It is therefore necessary to have a clear picture of the work as a whole from the very beginning [...] The paintings of the Impressionists - I know this well because I myself began as an Impressionist - are full of conflicting impressions. A veritable knot of contradictions! We want something different: we wish to achieve an inner equilibrium through a simplification of ideas and physical form. Our sole ideal lies in the compositional whole. Detail diminishes the purity of line and the intensity of feeling, so we turn away from it." (Henri Matisse. Farbe und Gleichnis - Gesammelte Schriften, pp. 21/34, Verlag Arche, Zurich, 1955) As Henri Matisse himself here demonstrates, his work is constantly directed towards a compositional whole. The fleeting effects of Impressionism are left behind in order to seek to convey a lasting interpretation of reality. A direct copy of reality is deceptive: its true character is best revealed in relation to abstract pictorial elements within the composition. The work of Matisse is thus fundamental to classic modern art. The painting "Pont de Sèvres, le Platane" shows us how Matisse strove to balance composition and expression. The bridge at Sèvres near Paris is a popular subject which had also been painted by Alfred Sisley and Henri Rousseau. The impressionistic atmosphere of the place, as seen in Sisley's painting, is blown apart by Matisse's modernist outlook. With one stroke we become aware of how much the world had changed in the forty years which had elapsed between the two paintings. From the same year (1917) there is a further painting by Matisse of the bridge at Sèvres. When we compare the paintings, we can see in exemplary fashion the striving for simplicity and harmony in the composition. The juxtaposed and contrasting expanses of colour are witness to Matisse's distinct and masterly balance of line and colour, with which the artist intended to convey to the viewer a sense of tranquillity and calm. MATISSE, HENRI (Le Cateau-Cambrésis 1869 - 1954 Nizza) Pont de Sèvres, Le Platane. 1917. Öl auf Leinwand. Oben links signiert: Henri Matisse. 27 x 35 cm. Provenienz: - Galerie Bernheim-Jeune, Paris (direkt beim Künstler erworben 1917). - Galerie Vildrac, Paris (von obigem erworben 1918). - Henning Gran, Oslo. - Privatsammlung New York. Literatur: - Dauberville, Guy Patrice & Michael. Matisse, Bd. I, Paris 1995, Nr. 203, S. 617 (mit Abb.). - Flam, Jack. Matisse - The Man and His Art, 1869 - 1918, Ithaca, 1986, Nr. 481, S. 469 (mit Abb.). 'Für mich liegt alles in der Komposition. Es ist also notwendig, von Anbeginn an ein klares Bild des Ganzen zu haben. [...] Die Bilder der Impressionisten - ich weiss es wohl, da ich ja selber mit dem Impressionismus begonnen habe - sind voll widersprechender Eindrücke. Ein wahrer Knäuel von Widersprüchen! Wir wollen etwas anderes, wir wollen innere Ausgeglichenheit durch Vereinfachung der Ideen und plastischen Formen erreichen. Unser einziges Ideal liegt im kompositorischen Ganzen. Die Einzelheiten tun der Reinheit der Linien und der Gefühlsintensität Abbruch, wir lehnen sie ab.' (Henri Matisse. Farbe und Gleichnis - Gesammelte Schriften, S. 21/34, Zürich, 1955) Wie Henri Matisse hier selbst ausführt, ist sein Werk stets auf das kompositorische Ganze ausgerichtet. Die flüchtigen Eindrücke des Impressionismus werden hinter sich gelassen, um eine dauerhafte Interpretation der Wirklichkeit zu versuchen. Das direkte Abbild der Wirklichkeit ist trügerisch; ihr wahrhaftiger Charakter zeigt sich besser im Verhältnis abstrakter Bildelemente, in deren Komposition. Für die Klassische Moderne ist Matisse' Werk prägend. Das Gemälde 'Pont de Sèvres, le Platane' zeigt uns in schöner Weise Matisse Anliegen um Ausgewogenheit in Komposition und Ausdruck. Die Brücke von Sèvres in der Nähe von Paris ist ein beliebtes Sujet, das etwa schon von Alfred Sisley und Henri Rousseau gemalt wurde. Das impressionistische Flair des Ortes, wie es sich in Sisleys Bild zeigt, wird von Matisse' Modernität gesprengt. Mit einem Schlag wird bewusst, wie sehr sich die Welt in den 40 Jahren, die zwischen den Bildern liegen, verändert hat. Aus dem gleichen Jahr (1917) gibt es von Matisse ein weiteres Bild der Brücke von Sèvres. Vergleicht man die Bilder, zeigt sich in exemplarischer Weise das Bestreben nach Vereinfachung und Ausbalancierung der Komposition. Das Neben- und Gegeneinander grossflächiger Farbelemente erzeugt die seine eigene meisterliche Balance von Linie und Farbe, die dem Betrachter die von Matisse intendierte Gelassenheit und Ruhe bringen soll.

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PISSARRO, CAMILLE (Charlotte Amalie 1830 - 1903

Lot 3235: PISSARRO, CAMILLE (Charlotte Amalie 1830 - 1903

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Description: PISSARRO, CAMILLE (Charlotte Amalie 1830 - 1903 Paris) Un clos à Varengeville avec vache. 1899. Oil on canvas. Signed and dated lower left: C.Pissarro.99. 47 x 56cm. Provenance: - Bernheim-Jeune, Paris (Sept 1905). - Drouot, 3 December 1910, Lot 103, Paris. - Private collection, Sweden. - Reid & Lefevre, London (probably purchased from the above collection on 6 March 1967). - J. E. Pearman (acquired from the above gallery 13 October 1967. - Christie's New York, 11 May 1994, Lot 110, with colour ill. - Christie's New York, 8 November 1995, Lot 131, with colour ill. - Germann Zürich, 26 March 1996, No. 19, with colour il. - Distinguished private collection, Switzerland. Exhibited: - (Ev.) 1908 Paris: Camille Pissarro, Galerie Bernheim-Jeune, No. 15. - 1967 London: XIXth and XXth Century French Paintings, The Lefevre Gallery, 16 November - 22 December 1967, No. 15. Literature: Pissarro, Joachim/Durand-Ruel Snollaerts, Claire. Pissarro - Catalogue critiques peintures, Wildenstein Institute, vol. III, Paris 2005, No. 1293, p. 800 (with colour ill.). PISSARRO, CAMILLE (Charlotte Amalie 1830 - 1903 Paris) Verger à Varengeville avec vache. 1899. Öl auf Leinwand. Unten links signiert und datiert: C. Pissarro. 99. 46,5 x 55,5 cm. Provenienz: - Bernheim-Jeune, Paris (Sept. 1905). - Drouot, 3. Dezember 1910, Lot 103, Paris. - Privatsammlung Schweden. - Reid & Lefevre, London (wohl von obigem 6. März 1967 gekauft). - J. E. Pearman (von obigem 13. Oktober 1967. - Christie's New York, 11. Mai 1994, Lot 110, (mit Farbabb.). - Christie's New York, 8. November 1995, Lot 131, (mit Farbabb.). - Germann Zürich, 26. März 1996, Nr. 19, (mit Farbabb.). - Bedeutende Privatsammlung Schweiz. Ausstellung: - (Ev.) 1908 Paris: Camille Pissarro, Galerie Bernheim-Jeune, Nr. 15. - 1967 London: XIXth and XXth Century French Paintings, The Lefevre Gallery, 16. November - 22. Dezember 1967, Nr. 15. Literatur: Pissarro, Joachim / Durand-Ruel Snollaerts, Claire. Pissarro - Catalogue critique des peintures, Wildenstein Institute, Bd. III, Paris 2005, Nr. 1293, S. 800 (mit Farbabb.). Camille Pissarro ist der einzige Maler, der in allen acht Ausstellungen der Impressionisten vertreten ist. Er ist für die Impressionisten und den mit ihnen in Verbindung stehenden Künstlern die eigentliche Vaterfigur, die immer mit gutem Rat und Verständnis zur Seite steht. Cézanne sagt über Pissarro: '[...] wir haben alles was wir tun von Pissarro gelernt. Er hatte das grosse Glück in den Antillen geboren zu werden, wo er sich das Malen ohne Lehrer selbst beibrachte. [...] Er ist es, der wirklich der erste Impressionist war.' (Michael Doran (Hrsg.). Conversations with Cézanne, Berkeley , 2000, S. 122) Eine unabhängige, selbstbestimmte Künstlerbewegung, wie er sie mit den Impressionisten mitzuformen versucht, entspricht auch Pissarros egalitären politischen Ansichten. Wie die meisten impressionistischen Maler quälen Pissarro zeitlebens finanzielle Sorgen, und er kann seine grosse Familie zuweilen mit seiner Malerei kaum ernähren. Wiederholt drängen seine Frau und Verwandte auf finanziell erfolgreichere Betätigungen. Doch Pissarro hält unbeirrt an seinen politischen Ansichten und der Malerei fest. Noch auf dem Sterbebett soll er sagen: 'Il n'y a que la peinture qui compte. (Kathleen Adler. Camille Pissarro - A Biography, London 1978, S. 190) Im Spätsommer 1899 bereist Camille Pissarro die Gegend um Dieppe in der Normandie auf der Suche nach neuen Motiven. Von diesem Aufenthalt bringt er acht Gemälde mit, eines davon ist der vorliegende 'Obstgarten in Varengeville'. Pissarro glaubt, dass eine Landschaft nur erfasst und gemalt werden kann, wenn sie der Künstler genau und über Jahre hinweg kennengelernt hat. Neben Paris und seiner Umgebung erschliesst sich Pissarro in dieser Weise vor allem noch die Normandie. Den überwiegenden Teil seiner Werke malt Pissarro im Freien. Morgens packt er jeweils seine Malerutensilien und bewandert die Umgebung. Evoziert ein Ort oder Moment die 'petite sensation', die die Impressionisten suchen, stellt er seine Staffelei auf und beginnt zu malen. Die 'en plein air' Malerei ist ein wichtiger Teil des impressionistischen Manifests und Pissarro praktiziert sie bis ins hohe Alter. Es ist anzunehmen, dass so auch der 'Obstgarten in Varengeville' entstanden ist. Varengeville ist eine kleine Ortschaft am Meer in der Nähe von Dieppe. Auch Monet malt hier mehrere Landschaftsbilder. Das Bild zeigt einen Obstgarten mit einer grasenden Kuh. Der zufällige Blick auf ein alltägliches Sujet ist ein typisches impressionistisches Motiv. Nach einer kurzen pointilistischen Phase malt Pissarro hier wieder mit kurzen, geschwungenen, sich verdichtenden Pinselstrichen, die dem Bild Lebendigkeit und Tiefe geben. Auf unvergleichliche Art wird das spätsommerliche Licht eingefangen, wie es nur einem der grossen Meister des Impressionismus gelingen kann.

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MORANDI, GIORGIO (1890 Bologna 1964) Landscape.

Lot 3236: MORANDI, GIORGIO (1890 Bologna 1964) Landscape.

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Description: MORANDI, GIORGIO (1890 Bologna 1964) Landscape. 1958. Watercolour on paper. Signed and dated centre bottom: Morandi 1958. 31x21cm. Provenance: Private collection, Italy. Exhibited: - Ferrara 1978: Galleria Civica, Giorgio Morandi, Ferrara 1978 (label verso). - Tampere (Finland) 1988/1989: Sara Hilden Art Museum, Giorgio Morandi, 5 November 1988 - 8. Januar 1989 (label verso). - Bologna 1990: Galleria Comunale d'Arte Moderna, Giorgio Morandi Mostra del Centenario, 12 May - 2 November 1990 (label verso). - Schleswig 1998: Schleswig-Holsteinisches Landesmuseum, Schloss Gottorf, Giorgio Morandi, Schleswig 1998, Cat. No. 98, p.130 (with ill.). - Paris 2005: Museum Maillol, Giorgio Morandi, April 2005, Paris 2005. Literature: - Pasquali, Marilena. Giorgio Morandi, acquerelli; catalogo generale, Milan, 1991, Cat. No. 1958 18 (with ill.). - Exh. Cat.: Giorgio Morandi, Gemälde, Aquarelle, Zeichnungen, Schloss Gottorf, Schleswig, 1998, p. 130 (with ill.). MORANDI, GIORGIO (1890 Bologna 1964) Landschaft. 1958. Aquarell auf Papier. Unten mittig signiert und datiert: Morandi 1958 31 x 21 cm. Provenienz: Privatsammlung Italien. Ausstellungen: - Ferrara 1978: Galleria Civica, Giorgio Morandi, Ferrara 1978 (verso mit dem Etikett). - Tampere (Finnland) 1988/1989: Sara Hilden Art Museum, Giorgio Morandi, 5.November 1988 - 8. Januar 1989 (verso mit Etikett). - Bologna 1990: Galleria Comunale d'Arte Moderna, Giorgio Morandi Mostra del Centenario, 12. Mai - 2.November 1990 (verso mit dem Etikett). - Schleswig 1998: Schleswig-Holsteinisches Landesmuseum, Schloss Gottorf, Giorgio Morandi, Schleswig 1998, Kat.Nr. 98, S.130 (mit Abb.). - Paris 2005: Museum Maillol, Giorgio Morandi, April 2005, Paris 2005. Literatur: - Pasquali, Marilena. Giorgio Morandi acquerelli. Catalogo generale, Mailand, 1991, Kat.Nr. 1958 18 (mit Abb.). - Ausst.Kat.: Giorgio Morandi. Gemälde, Aquarelle, Zeichnungen, Schloss Gottorf, Schleswig, 1998, S. 130 (mit Abb.). Giorgio Morandi entstammt einer kleinbürgerlichen Familie aus Bologna. Schon früh weiss der Junge, dass er nicht in die kaufmännischen Fussstapfen seines Vaters treten möchte, sondern studiert ab 1907 an der Academia di Belle Arti in Bologna. Nach dem Tod des Vaters im Jahre 1910 muss die Familie in eine kleinere Wohnung in die Via Fondazza umziehen. Giorgio und seine drei Geschwister werden alle unverheiratet ihr ganzes Leben in dieser Wohnung verbringen. Giorgio Morandi ist ein sehr in sich gekehrter Mensch, scheut die Öffentlichkeit und die Gesellschaft von Fremden. Dennoch reist er zu Studienzwecken zur Biennale nach Venedig, wo er Werke von Renoir und Cezanne sieht und zu einer Ausstellung der futuristischen Malerei nach Florenz, wo er Umberto Boccioni und Carlo Carrà kennenlernt. Morandi arbeitet viel in seinem Atelier, das auch in der Wohnung der vier Geschwister liegt und findet 1920 nach einem weiteren Besuch auf der Biennale seine eigene Formensprache im Stillleben. Ausschlaggebend für diese Entwicklung in seinem Schaffen ist die Begegnung mit den über 27 Gemälden von Paul Cézanne auf der Biennale. Diese Werke sind für ihn wie eine Orientierungshilfe. Gemäss seinem Vorbild Cézanne möchte auch er durch seine Werke die der Natur zugrundeliegenden Konstruktionen zur Anschauung bringen. Diese Naturkonstruktionen sind seiner Meinung nach durch das Stillleben oder die Landschaft am besten darstellbar. Ab nun malt er fast ausschliesslich Stillleben, die sich auf wenige Alltagsgegenstände beschränken: Vasen, Flaschen, Krüge, Tassen, Schüsseln und Schalen stellt er in immer neuen Arrangements zusammen. Die Farbpalette reduziert er so stark, dass die Werke fast monochrom wirken, Licht und Schatteneffekte gibt es nicht, er setzt nur in sehr moderatem Umfang helle und dunkle Flächen ein. Seine Gemälde wirken ruhig, fast schon romantisch melancholisch, doch ergibt sich auch eine ungeheure Spannung in seinen Werken, die auf der Anordnung der einzelnen Objekte beruht. Sie stehen neben und oder hintereinander und bei intensiver Betrachtung des Werkes, entsteht durch die monochrom gehaltene Farbpalette und die teilweise nicht deutlich voneinander abgetrennten Gefässformen eine beinahe abstrakte Komposition. Unterstützt wird dieser Eindruck durch die fast gänzlich fehlende Räumlichkeit der Bilder. Morandi hebt die Räumlichkeit bewusst auf, er vermeidet die Wiedergabe von Schatten und perspektivischen Elementen. Die harmonische, spannungsvolle Kombination von Form und Farbe ist die Herausforderung, der er sich bei jedem neuen Werk stellt. Ganz besonders eindrücklich stellt sich der Weg zu abstrakten Bildkompositionen in seinen Aquarellen dar. Auch in diesem Medium bleibt er seiner zurückhaltenden, beinahe monochromen Farbwahl treu, die Flächen zwischen den Gefässen oder zwischen den Landschaftselementen sind zum Teil nur angedeutet, und nur leichte Schraffuren unterstützen die Körperlichkeit des ein oder anderen Gegenstandes. Mit einzigartiger Leichtigkeit bringt er die Objekte und Landschaften auf das Papier, und das Auge des Betrachters erkennt erst auf den zweiten Blick, dass es sich nicht um ein abstraktes, sondern um ein gegenständliches Bild handelt. Diese meisterliche Verwendung des Aquarells trifft auch bei dem vorliegenden Werk 'Paesaggio' von 1958 zu - es ist eines der eher seltenen Landschaftsaquarelle, die sich auf die nähere Umgebung des Künstlers beziehen. Hier könnte es sich um eine inspirierende Ruine, im Bergdorf Grizzana handeln, wohin Morandi regelmässig Ausflüge gemacht hat. In den harmonisch aufeinander abgestimmten Farben Grün und Braun malt er die in der rechten Bildhälfte liegende Ruine und mit einem einzigartigen, gezielt platzierten Akzent setzt er die Farbe Orange in die linke Bildhälfte. Die einzelnen Farbflächen stehen leicht ineinander verwoben nebeneinander und die Räumlichkeit ist auch hier fast zur Gänze aufgehoben, nur das Orange im linken Bildfeld scheint dem Werk Tiefe und Räumlichkeit zu geben. Dem Werk liegt förmlich eine Dialektik zugrunde: es handelt sich sowohl um ein gegenständliches als auch um ein ungegenständliches Bild. Mit seiner meisterlichen Komposition, der Wiederholung der immer gleichen Motive und der Reduktion des Bildgedankens auf die primären Elemente der Malerei kann man Morandi als Wegbereiter der abstrakten Kunst sehen.

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ZADKINE, OSSIP (Wizebsk 1890 - 1967 Paris) Ariane.

Lot 3237: ZADKINE, OSSIP (Wizebsk 1890 - 1967 Paris) Ariane.

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Description: ZADKINE, OSSIP (Wizebsk 1890 - 1967 Paris) Ariane. 1954. Bronze. With incised signature and number below the right thigh: ZADKINE 0/10. 12 x 31 x 14 cm. Provenance: Private collection Italy. Literature: Lecombre, Sylvain.Ossip Zadkine: L'oeuvre sculpté, Paris 1992, No. 454, p. 511. ZADKINE, OSSIP (Wizebsk 1890 - 1967 Paris) Ariane. 1954. Bronze. Mit eingeritzter Signatur und Nummerierung unterhalb des rechten Oberschenkels: ZADKINE 0/10. 12 x 31 x 14 cm. Provenienz: Privatsammlung Italien. Ausstellungen: - 1954 Köln, Düsseldorf, Berlin, Amsterdam: Wanderausstellung, durchgeführt von der Galerie Cwicklitzer, Köln, Nr. 5, Köln 1954 (anderes Exemplar). - 1958 Paris: Maison de la Pensée française. Juli-Oktober 1958, Nr. 16 (1955 datiert), Paris 1958 (anderes Exemplar). - 1959 Genf: Galerie Motte, November 1959, Genf 1959 (anderes Exemplar). - 1959 Lyon: Musée Saint-Pierre. März - April 1959. Nr. 65 (1956 datiert), Lyon 1959 (anderes Exemplar). - 1959 Japan: Wanderausstellung der Galerie Fujikawa, Osaka, Herbst 1959 - Frühling 1969, Nr. 38 (1954 datiert) (anderes Exemplar). - 1960 Köln/Mannheim: Wallfraf Richarz Museum, Köln / Städtische Kunsthalle Mannheim, Nr. 64 (1959 datiert) (anderes Exemplar). - 1961 London: Molton Galerie, 10. Januar - 4. Februar 1961,Nr. 73 (1959 datiert) (anderes Exemplar). - 1962 Arnheim: Gemeentemuseum, 8. Juli - 16. September 1961, Nr. 41 (1957 datiert) (anderes Exemplar). - 1963 Frankfurt: Galerie am Dom, Karmeliterkloster, 10. Oktober - 7. Dezember 1963, Nr. 58 (1961 datiert) (anderes Exemplar). - 1963 Knokke-Le-Zoute: Casino comunale, 30. Juni - 9. September 1963, Nr. 113 (1961 datiert) (anderes Exemplar) - 1965 Zürich: Nr. 102 (1957 datiert) (anderes Exemplar) - 1966 Köln: Nr. 61 (1957 datiert) (anderes Exemplar) - 1966 Nizza: Nr. 35 (1960 datiert) (anderes Exemplar) - 1972 Paris: Nr. 114 (1957 datiert) (anderes Exemplar) - 1979 Jianou: Nr. 417 (1957 datiert) (anderes Exemplar) Literatur: - Lecombre, Sylvain.Ossip Zadkine. L'oeuvre sculpté, Paris 1992, Nr. 454, S. 511.

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ZADKINE, OSSIP (Wizebsk 1890 - 1967 Paris)

Lot 3238: ZADKINE, OSSIP (Wizebsk 1890 - 1967 Paris)

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Description: ZADKINE, OSSIP (Wizebsk 1890 - 1967 Paris) Knieende. 1931. Bronze with brown-green patina. Monogrammed verso on the stool: OZ. With foundry stamp on the plinth: CERA PERSA BROTAL MENDRISIO. 32 x 13 x 24 cm. Cast in an edition of 10 as a collaboration between Zadkine and Galerie Im Erker, St. Gallen. Literature: Lecombre, Sylvain, Ossip Zadkine: L'oeuvre sculpté, Paris 1992, No. 245, p. 289. ZADKINE, OSSIP (Witebsk 1890 - 1967 Paris) Knieende. 1931. Bronze, braungrüne Patina. Verso auf Hocker monogrammiert: OZ. Auf der Plinthe mit Giesserstempel CERA PERSA BROTAL MENDRISIO. 32 x 13 x 24 cm. In einer Auflage von 10 Expemplaren gegossen in Vereinbarung zwischen Zadkine und der Galerie Im Erker, St. Gallen. Provenienz: Privatsammlung Schweiz. Literatur: Lecombre, Sylvain. Ossip Zadkine. L'oeuvre sculpté, Paris 1992, Nr. 245, S. 289.

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BAUER, RUDOLF (Lindenwald, Posen 1889 - 1953 Deal,

Lot 3239: BAUER, RUDOLF (Lindenwald, Posen 1889 - 1953 Deal,

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Description: BAUER, RUDOLF (Lindenwald, Posen 1889 - 1953 Deal, New Jersey) Dreiklang. Coloured chalk drawing on paper. Artist's estate stamp verso: Estate Bauer. 67 x 48 cm. Louise Bauer Parry (the artist's widow) has confirmed the authenticity of this work. BAUER, RUDOLF (Lindenwald Posen 1889 - 1953 Deal New Jersey) Dreiklang. Farbkreidezeichnung auf Papier. Verso mit den Nachlassstempel des Künstlers: Estate Bauer. 67 x 48 cm. Die Authentizität des Werkes wurde von Louise Bauer Parry (Witwe des Künstler) bestätigt.

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CARRA, CARLO (Quargento 1881 - 1966 Milan)

Lot 3240: CARRA, CARLO (Quargento 1881 - 1966 Milan)

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Description: CARRA, CARLO (Quargento 1881 - 1966 Milan) Futuristische Komposition. 1910. India ink on paper. Signed and dated lower right: C.Carrà 910. 19.8 x 27.4 cm. Luca Carrà, has confirmed the authenticity of the work: Milan, 3 October 2008. The drawing is listed at the Carlo Carrà archive under number 12/10. Provenance: Private collection, France. CARRA, CARLO (Quargento 1881 - 1966 Mailand) Futuristische Komoposition. 1910. Tusche auf Papier. Unten rechts signiert und datiert: C. Carrà 910. 19,8 x 27,4 cm. Die Authentizität der Arbeit wurde von Luca Carrà, Mailand, 3. Oktober 2008, bestätigt. Die Zeichnung ist im Archivio Carlo Carrà unter der Nummer 12/10 verzeichnet. Provenienz: Privatsammlung Frankreich.

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PICASSO, PABLO (Málaga 1881 - 1973 Mougins) Verrre

Lot 3241: PICASSO, PABLO (Málaga 1881 - 1973 Mougins) Verrre

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Description: PICASSO, PABLO (Málaga 1881 - 1973 Mougins) Verrre et paquette de cigarrettes. 1922. Oil on canvas. Signed and dated lower right: Picasso 22. 19 x 24 cm. Provenance: Private collection. Literature: - Zervos, Christian. Pablo Picasso, Oeuvres de 1920 à 1922, Vol. 4, Paris, 1951, No. 428, Pl. 178. - The Picasso Project, ed., Picasso's Paintings, Watercolors, Drawings and Sculptures. Neoclassicism II 1922-1924, San Francisco, 1996, No. 22-016, S. 6 (ill.). Pablo Picasso, together with Georges Braque, is one of the founders of Cubism, which was flourishing before the First World War. Picasso, however, often returned to the Cubist style even in later years. The later phase of Cubism is also termed Synthetic Cubism. In contrast to the early "Analytical" Cubism, Synthetic Cubism does not seek to analyse or deconstruct reality, but to re-create the experience of reality from a composition of basic colour and form. Thus collage techniques were often employed, as these emphasise the interlocking spatial planes of the two-dimensional visual field and, almost in a literal sense, "synthesise" the object in question. This approach runs contrary to the theory of abstraction, of which Picasso himself was critical, which uses early Cubism as its frame of reference. The issue is, rather, the development of a creative outlook which conceives colour and form in a new way and offers the viewer the possibility of a new experience. Picasso spoke of this in an interview: "The idea of research has often made painting go astray, and made the artist lose himself in mental lucubrations. Perhaps this has been the principal fault of modern art." He as well stated: "Among the several sins that I have been accused of committing, none is more false than the one that I have, as the principal objective in my work, the spirit of research. When I paint my object is to show what I have found and not what I am looking for. [...] We all know that art is not truth. Art is a lie that makes us realize truth, at least the truth that is given us to understand. The artist must know the manner whereby to convince others of the truthfulness of his lies. If he only shows in his work that he has searched, and re-searched, for the way to put over lies, he would never accomplish anything." (Pablo Picasso, Interview with Marius de Zayas, 1923, in: Art in Theory 1900-1990 - An Anthology of Changing Ideas, Ed. Charles Harrison and Paul Wood, pp. 210-13; originally published in The Arts, New York, May 1923, pp. 315-326.) The picture "Verre et paquet de cigarettes" shows, as stated in the title, a glass with a packet of cigarettes. A drinking glass and a packet of cigarettes are simple objects such as would be found on any sunny afternoon on a table in a café in Montparnasse. This motif was depicted by Picasso in several still lifes and rendered in increasing degrees of abstraction, until it found an astonishing and complete form in this, Picasso's late Cubist version. Through the collage-like two-dimensional composition the banality of the motif is poeticised and the work becomes a tangible and significant example of an early form of Pop Art. "Our subjects might be different, as we have introduced into painting objects and forms that were formerly ignored. We have kept our eyes open to our surroundings, and also our brains. [...] But of what use is it to say what we do when everybody can see it if he wants to? " (ibid.) PICASSO, PABLO (Málaga 1881 - 1973 Mougins) Verre et paquet de cigarettes. 1922. Öl auf Leinwand. Unten rechts signiert und datiert: Picasso 22. 19 x 24 cm. Provenienz: - Perls Galleries, New York (Inventar Nr. 6892). - Sammlung Rosalie A. Levy und Dr. Robert C. Levy. - Sotheby's New York, 10. Mai 1995, Los 392. - Privatsammlung. Literatur: - Zervos, Christian. Pablo Picasso. Oeuvres de 1920 à 1922, Bd. 4, Paris, 1951, Nr. 428, Pl. 178 (mit Abb.). - The Picasso Project (Hrsg.). Picasso's Paintings, Watercolors, Drawings and Sculptures. Neoclassicism II 1922-1924, San Francisco, 1996, Nr. 22-016, S. 6 (Abb.). Pablo Picasso gehört mit Georges Braque zu den Begründern des Kubismus, der vor dem Ersten Weltkrieg in Blüte steht. Picasso kehrt jedoch auch in späteren Jahren oft und gerne zum kubistischen Stil zurück. Der spätere Kubismus wird auch 'synthetisch' genannt. Im Gegensatz zum frühen, 'analytischen' Kubismus, will der synthetische Kubismus nicht die Wirklichkeit analysieren oder zerlegen, sondern sie aus einem elementaren Farb- und Formsatz neu erfahrbar machen. Dabei werden oft Collagetechniken verwendet, die das flächige Ineinandergreifen der zweidimensionalen Projektionen des visuellen Feldes betonen und einen Gegenstand in einem fast wörtlichen Sinne 'synthetisieren'. Mit diesem Ansatz wird auch einer von Picasso kritisch gesehenen, abstrakten Theoriebildung, die sich auf den frühen Kubismus beruft, entgegengewirkt. Gefragt ist vielmehr die Entwicklung einer gestalterischen Intelligenz, die Farben und Formen neu begreift und für den Betrachter eine neue Erfahrung ermöglicht macht. Picasso meint in einem Interview dazu: 'Die Idee der Untersuchung hat die Malerei oft auf Irrwege geführt, und der Künstler hat sich dabei nur in theoretischen Arbeiten verzettelt. Das ist wahrscheinlich der grösste Fehler der modernen Kunst.' Und weiter: 'Man hat mich verschiedener Sünden bezichtigt, doch keine dieser Beschuldigungen ist so unzutreffend wie die, das Hauptziel meiner Arbeit sei Untersuchung. Wenn ich male, habe ich nichts anderes im Sinn, als zu zeigen, was ich gefunden habe, und nicht, was ich suche. [...] Wir wissen alle, dass Kunst nicht Wahrheit ist. Kunst ist eine Lüge, die uns die Wahrheit begreifen lehrt, wenigstens die Wahrheit, die wir als Menschen begreifen können. Der Künstler muss wissen, auf welche Art er die anderen von der Wahrhaftigkeit seiner Lügen überzeugen kann. Wenn er in seinem Werk nur zeigt, dass er gesucht und untersucht hat, auf welche Art er uns seine Lügen vorsetzen könnte, dann brächte er nie irgendetwas zustande.' (Pablo Picasso. Interview mit Marius de Zayas, 1923. In: Edward Fry. Der Kubismus, Köln 1966, S. 176.) Das Bild 'Verre et paquet de cigarettes' zeigt, wie der Titel besagt, ein Glas mit einem Päckchen Zigaretten. Ein Wasserglas und Zigarettenpäckchen sind simple Gegenstände, wie sie etwa an einem sonnigen Nachmittag auf einem Bistro-Tischchen in Montparnasse zu finden sind. In sich steigernden Abstraktionsstufen wird das Motiv von Picasso in mehreren Stillleben variiert, bis es hier, in Picasso's spätkubistischer Ausführung, eine überraschende und vollendete Form findet. Durch die collageartige, flächige Komposition wird die Trivialität des Motivs poetisiert und das Werk zu einem eigentlichen, bedeutenden Beispiel einer Frühform der Pop Art. 'Unsere Themen mögen anders sein, weil wir Gegenstände und Formen in die Malerei einführten, die früher nicht beachtet wurden. Wir blicken mit offenen Augen - und auch mit offenem Verstand - auf unsere Umwelt. [...] Doch wozu berichten, was wir tun, wenn jeder, der will, es sehen kann?' (ebenda, S. 179)

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ARP, HANS (Strassburg 1887 - 1966 Basel)

Lot 3242: ARP, HANS (Strassburg 1887 - 1966 Basel)

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Description: ARP, HANS (Strassburg 1887 - 1966 Basel) Constellation. 1938. Bronze. 3/3. Incised signature in ligature and numbering verso: ARP 3/3. 38 x 33 x 12 cm. Provenance: Private collection, Basel. Exhibited: Tokyo and Osaka 1975: Contemporary Sculpture Center, Arp, Cat. No. 5.(with ill.). Literature: Rau, Bernd / Seuphor, Michel. Hans Arp, die Reliefs - Oeuvre Cat, 1981., No. 306/b (with ill.). ARP, HANS (Strassburg 1887 - 1966 Basel) Constellation. 1938. Bronze. 3/3. Verso mit eingeritzter, ligierter Signatur und der Nummerierung: ARP 3/3. 38 x 33 x 12 cm. Provenienz: Privatbesitz Basel. Ausstellung: Tokyo und Osaka 1975: Contemporary Sculpture Center, Arp, Kat. Nr. 5. Dieses Exempl. abgebildet. Literatur: Rau, Bernd / Seuphor, Michel. Hans Arp, die Reliefs - Oeuvre Katalog, 1981., Nr. 306/b (mit Abb.). Wir freuen uns einige Werke dieses vielfältigen Künstlers anbieten zu können. 'Jean Hans Arp trotzt allen Versuchen der Kunsthistoriker, ihn einem 'Kunstismus' oder einer chronologischen Klassifikation zuzuordnen. Gehört er zum Dadaismus, zum Surrealismus, ist er abstrakt, konkret, Maler, Bildhauer oder Dichter, Deutscher oder Franzose? Arp scheint in allen Bereichen der Grenzgänger zu sein, der leichtfüssig und unbekümmert von einer Disziplin zur anderen, von einer Kunstrichtung zur nächsten springt.' (Ströh, Rita in: Ausst.Kat.: arp. Hans Arp. Skulpturen Reliefs Gouachen, Galerie Neher, Essen 1987/88, S. 7). Als Sohn eines deutschen Zigarrenfabrikaten und dessen elsässischer Frau wird Hans Arp 1886 in Strassburg geboren. Schon zu Schulzeiten liegt sein Interesse mehr bei den Schönen Künsten, so dass sein Vater ihn ohne Abschluss von der Schule nimmt. Er bekommt von nun an Unterricht bei dem Maler Georg Ritleng, der seine künstlerische Begabung erkennt und fördert. Zwischen 1905 und 1907 besucht er die Kunstschule Weimar und studiert bei Ludwig von Hoffman und Henri van de Velde. Nur kurz ist sein Studium an der Académie de Julian in Paris. 1911 gehört er in Luzern zu den Gründungsmitgliedern des 'Modernen Bundes'. 1912 lernt er Wassily Kandinsky kennen und kommt so in Kontakt mit den Ideen und Philosophien des Blauen Reiters. Er schreibt für Herwarth Waldens 'Sturm', stellt in dessen Galerie in Berlin aus und berät ihn bei der Auswahl von Künstlern. Mit Max Ernst, den er 1914 in Köln kennenlernt, verbindet ihn eine lebenslange Freundschaft. Während des Ersten Weltkriegs flieht Arp mit dem letzten Zug aus Deutschland Richtung Paris, aber auch hier ist er vor den Auswirkungen des Krieges nicht sicher, so dass er 1915 in die neutrale Schweiz flieht. Im gleichen Jahr stellt er erstmals abstrakte Werke in der Galerie Tanner in Zürich aus, wo er Sophie Taeuber kennenlernt, die, nach seinen eigenen Angaben, sein Werk entscheidend beeinflusst. Arp ist aktiv in der Dada-Bewegung, zu deren Gründungsmitgliedern er gehört und erlebt eine seiner kreativsten Schaffensphasen, beeinflusst durch die Bekanntschaft mit u.a Hugo Ball, Richard Huelsendbeck, Tristan Tzara, Christian Schad. Nach dem Krieg verstreuen sich die Dadaisten über Europa und Arp nimmt an bedeutenden Dada-Aktionen in Berlin, Köln und Paris teil. 1922 heiratet er Sophie Taeuber, die weiterhin in Zürich lebt. 1925 sucht er sich ein kleines Atelier in Paris und beteiligt sich mit Miró und Ernst an der ersten surrealistischen Gruppenausstellung in der Galerie Pierre; zahlreiche Ausstellungen in namenhaften Avantgarde-Galerien folgen. Zeitgleich lernt er Michel Seuphor und die Gruppe 'Cercle et Carré' kennen, wodurch er in den Kreis der abstrakten Künstler gerät. 1934 gehört er zu den Gründungsmitgliedern der 'Abstraction-Création', ihre strikte Ablehnung anderer Kunstrichtungen entspricht allerdings nicht dem offenen, experimentierfreudigen und immer suchenden Hans Arp. 1926 erhält er die langersehnte französische Staatsbürgerschaft. Das Atelierhaus der Arps in Meudon wird zu einem Treffpunkt der Avantgarde, bis sie nach der Besetzung Frankreichs durch die Deutschen Paris verlassen und Zuflucht im unbesetzten Teil Frankreichs suchen. Nach kurzen Aufenthalten bei Picabia und Peggy Guggenheim, finden sie durch das Ehepaar Magnelli Unterschlupf in der Nähe von Grasse. Sophie und Jean, wie er sich jetzt nennt, leiden unter der Armut und der ungewohnten Einsamkeit. Ende 1942 können sie nach Zürich fliehen. Der plötzliche Tot Sophies kurz danach stösst Arp in eine tiefe Krise. Nach dem Krieg kehrt er in das Atelierhaus in Meudon zurück. Die gemeinsame Freundin und eine seiner ersten Sammlerinnen Marguerite Hagenbach schafft es schliesslich, Arp über den Tod Sophies hinwegzuhelfen und neuen Lebensmut zu geben; sie heiraten 1959. Auch seine Karriere nimmt wieder Fahrt auf: durch Denise René und Susi Feigel hat er in Frankreich und in der Schweiz zwei Galeristinnen, die seine Werke ausstellen, Museumsausstellungen vermitteln und sein umfangreiches und abwechslungsreiches Werk einer grossen Sammlerschaft bekannt machen. Curt Valentin tut selbiges für Arps Werk in den USA. 1954 wird er auf der Biennale in Venedig mit dem Internationalen Preis für Skulptur ausgezeichnet. Vier Jahre später eröffnet das Museum of Modern Art die erste Retrospektive. 1955, 1959 und 1964 nimmt Arp an der documenta in Kassel teil. In den 1950er Jahren entwirft er Grossplastiken u.a. für die Universitäten von Harvard und Caracas sowie für das UNESCO Gebäude in Paris. Diese Zeit bis zu seinem Tod 1966 ist sehr produktiv, was zum einen Arps nicht versiegende Kreativität und Inspiration beweist, zum anderen aber natürlich auch der nun guten finanziellen Situation zu verdanken ist.

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ARP, HANS (Strassburg 1888 - 1966 Basel) Olympia

Lot 3243: ARP, HANS (Strassburg 1888 - 1966 Basel) Olympia

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Description: ARP, HANS (Strassburg 1888 - 1966 Basel) Olympia (Relief). 1955. Oil on Pavatex. 2/2. Signed verso on label: arp. 56 x 46 cm. Provenance: - Galerie Proarta, Zurich. - Private collection, Switzerland. Literature: Rau, Bernd / Seuphor, Michel. Hans Arp, die Reliefs. Catalogue, 1981. Cat. No. 479b (with ill. Version 2). ARP, HANS (Strassburg 1888 - 1966 Basel) Olympia (Relief). 1955. Öl auf Pavatex. Exemplar 2/2. Verso auf Etikett signiert: arp. 73,5 x 63 cm. Provenienz: - Galerie Proarta, Zürich. - Galerie d'art moderne, Basel. - Privatbesitz Schweiz. Ausstellung: Basel 1968, Galerie d'art moderne, Jean Arp - Relief, 03. Mai - 15. Juni 1968, Basel, Kat.Nr. 9 (mit Abb.). Neben den Skulpturen bilden die Reliefs einen zweiten Schwerpunkt in Hans Arps Oeuvre und demonstrieren eindrücklich, dass der Künstler mit Traditionen bricht und bisherige Entwicklungen durch seine Eigenen überwindet. So sind seine Reliefs eine konsequente Weiterentwicklung seiner frühen Collagen. Er nimmt einzelne Teile, schichtet diese und lässt sie auf einer Trägerplatte anbringen. Mit der Schichtung schafft er eine neue Gattung von Relief, die bisher aus einem Materialblock gefertigt wurden. Zwischen Collagen und Reliefs besteht kein Unterschied, wie Arp in einem Interview mit Camille Bryen erklärt: 'I don't - there is no difference between them, except in thickness. My reliefs are screwed down, my cartoons are stuck together with glue and my papers with white paste' (ebenda, S. 49). Schlussendlich heisst es auch, dass es sich bei den Reliefs nach seinem Verständnis um zweidimensionale Werke handelt, und somit schafft er die erfolgreiche Überwindung des ihm verhassten Tafelbildes. Im Text zur Ausstellung in der Galerie Tanner 1915 schreibt Arp: 'Sie sind der Hass gegen die Schamlosigkeit der menschlichen Seitlichkeiten, der Hass gegen die Bilder, die Malerei' (Ausst.Kat.: Reliefs. Formprobleme zwischen Malerei und Skulptur im 20. Jahrhundert, Westfälisches Landesmuseum Münster 1980, S. 48). Der Entstehungsprozess wird immer von schöpferischen und zerstörerischen Kräften begleitet, der sich dann in einer neuen Einheit bzw. einem Kunstwerk auflöst. Das Prinzip der Collage zieht sich durch Arps gesamtes künstlerisches Leben. Alle künstlerischen Prozesse wiederrum basieren auf dem Zufall: 'Ich entwickle die Klebearbeit weiter, indem ich die Anordnung willenlos, automatisch ausführte. Ich nannte dies ‚nach dem Gesetz des Zufalls' arbeiten. Das ‚Gesetz des Zufalls', welches alle Gesetze in sich begreift und uns unfasslich ist wie der Urgrund, aus dem alles Leben steigt, kann nur unter völliger Hingabe an das Unbewusste erlebt werden. Ich behauptete, wer dieses Gesetz befolge, erschaffe reines Leben.' (Arp, ebenda, S. 55). Literatur: Rau, Bernd/Seuphor, Michel. Hans Arp, die Reliefs - Oeuvre Katalog, 1981, Kat. Nr. 479b.

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ARP, HANS (Strassburg 1888 - 1966 Basel) Monument

Lot 3244: ARP, HANS (Strassburg 1888 - 1966 Basel) Monument

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Description: ARP, HANS (Strassburg 1888 - 1966 Basel) Monument pour un nuage et un poisson. 1959. Oil on wood relief. Signed verso on label: arp. 73.7 x 43.8 cm. Provenance: Private collection, Switzerland. Exhibited: 1962 Bern: Hans Arp, Klipstein & Kornfeld, Bern 1962 (label verso). Literature: - Exh. Cat: Klipstein & Kornfeld, Bern 1962, Cat. No. 147 (with ill.). - Rau, Bernd / Seuphor, Michel. Hans Arp, die Reliefs. Catalogue, 1981. Cat. No. 613. ARP, HANS (Strassburg 1888 - 1966 Basel) Monument pour un nuage et un poisson. 1959. Relief, Öl auf Holz. Verso auf Etikett signiert: arp. 73,7 x 43,8 cm. Provenienz: Privatbesitz Schweiz. Ausstellung: 1962 Bern: Hans Arp, Klipstein & Kornfeld, Bern 1962, Kat.Nr. 147 (verso mit Etikett). Literatur: - Ausst.Kat.: Klipstein & Kornfeld, Bern 1962, Kat. Nr. 147 (mit Abb.). - Rau, Bernd/Seuphor, Michel. Hans Arp, die Reliefs - Oeuvre Katalog, 1981. Kat. Nr. 613 (mit Abb.). Auf einer beigen, hochformatigen Trägerplatte befindet sich eine olivgrüne Form, die oben rund sich zur Mitte hin verjüngt und dann in einer rechteckigen Form endet. Typisch für sein Spätwerk verbindet Arp geometrische mit geschwungenen Formen. Auch in anderen Werken trifft man in abgewandelter Form auf diese Kontur, so z.B. in dem Relief 'Idol' von 1962. Suter verweist darauf, dass diese Figur 'möglicherweise Sophie Taeubers frühen Figuren entlehnt [ist]. Eine davon erscheint in einem Wollteppich von etwa 1918.' (Suter, Rudolf in: Ausst.Kat.: Hans Arp. Metamorphosen 1915 - 1965. Aus der Sammlung der Fondazione Marguerite Arp, Museum Liner Appenzell, Locarno 2000, S. 34 (mit Abb.) In einer zweiten Schichtung finden sich im runden Bereich zwei abstrakt scheinende Elemente, deren Bedeutung der Betrachter sich aber schnell erschliesst, sobald er den Titel des Werkes hört: 'Denkmal für eine Wolke und einen Fisch'.

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LEONORA CARRINGTON 1917 - 2011 Woman with cats.

Lot 3245: LEONORA CARRINGTON 1917 - 2011 Woman with cats.

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Description: LEONORA CARRINGTON 1917 - 2011 Woman with cats. 1978. Pencil on paper. Signed and dedicated lower left: for Annebeth from Leonora. Dated verso 1978. 45,5 x 38 cm. Provenance: Swiss private collection, acquired directly from the artist (end of the 1970s). CARRINGTON, LEONORA (Clayton Green 1917 - 2011 Mexico Stadt) Woman with cats. 1978. Bleistift auf Papier. Unten links signiert und gewidmet: for Annebeth from Leonora. Zudem verso datiert 1978. 45,5 x 38 cm. Provenienz: Schweizer Privatsammlung, direkt von der Künstlerin erhalten (Ende der 1970er Jahre).

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LEONORA CARRINGTON 1917 - 2011 Woman with Birds.

Lot 3246: LEONORA CARRINGTON 1917 - 2011 Woman with Birds.

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Description: LEONORA CARRINGTON 1917 - 2011 Woman with Birds. 1978. Pencil and coloured crayon on paper. Signed lower left: Leonora Carrington. 46 x 61 cm. Provenance: Swiss private collection, acquired directly from the artist (end of the 1970s). CARRINGTON, LEONORA (Clayton Green 1917 - 2011 Mexico Stadt) Woman with Birds. 1978. Bleistift und Farbstift auf Papier. Unten links signiert: Leonora Carrington. 46 x 61 cm. Provenienz: Schweizer Privatsammlung, direkt von der Künstlerin erhalten (Ende der 1970er Jahre).

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ERNST, MAX (Brühl 1891 - 1976 Paris) Gruppenbild

Lot 3248: ERNST, MAX (Brühl 1891 - 1976 Paris) Gruppenbild

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Description: ERNST, MAX (Brühl 1891 - 1976 Paris) Gruppenbild mit Vogel und Fuchs. Circa 1950. Pencil on paper. Signed lower right: Max Ernst. 20 x 14 cm. Dr. Jürgen Pech has confirmed the authenticity of this work: Bonn, 24 March 2013. The work will be included in the supplement to the catalogue of works of Max Ernst, which is currently being prepared, published by Werner Spies and written by Werner Spies, Sigrid and Günter Metken and Jürgen Pech. Provenance: - Rudolf Schiess, acquired directly from the artist (1950). - Private collection, Switzerland, via inheritance to the current owner. ERNST, MAX (Brühl 1891 - 1976 Paris) Gruppenbild mit Vogel und Fuchs. Um 1950. Frottage auf Papier. Unten rechts signiert: max ernst. 20 x 14 cm. Die Authentizität der Arbeit wurde von Dr. Jürgen Pech, Bonn, 24. März 2013 bestätigt. Das Werk wird in den in Vorbereitung befindlichen Supplementband des Oeuvre-Kataloges Max Ernst, herausgegeben von Werner Spies, bearbeitet von Werner Spies, Sigrid und Günter Metken und Jürgen Pech, aufgenommen. Provenienz: - Rudolf Schiess, direkt vom Künstler erhalten (1950). - Privatsammlung Schweiz, durch Erbschaft an den heutigen Eigentümer. 'Nachdem Max Ernst acht Jahre in den Vereinigten Staaten von Amerika gelebt hatte und 1948 amerikanischer Staatsbürger geworden war, reiste er zusammen mit seiner vierten Ehefrau, der Künstlerin Dorothea Tanning, im August 1949 nach Europa. Über Zwischenstationen in Antwerpen, Ostende und Brüssel erreichten sie Paris, frischten in den folgenden Monaten alte Beziehungen zu Freunden und Sammlern auf und knüpften neue Kontakte. Bereits vor Jahresende erschienen zwei Publikationen mit Graphiken von ihm [...] Weitere 22 durch Collageelemente ergänzte Tuschezeichnungen waren für den Text 'Partition' von Joë Bosquet vorgesehen, wobei der junge Verleger Jacques Damase erste Andrucke anlässlich der Vernissage zum graphischen Werk von Max Ernst am 20. Januar 1950 in der Buchhandlung La Hune in Paris präsentieren konnte. Die Druckklischees, die nach den Tuschezeichnungen mit Collage hergestellt worden waren und für die Vervielfältigung der Auflage dienten, nutzte Max Ernst in den nächsten drei Jahrzehnten immer wieder, um mit ihnen Frottagen anzufertigen, um sie im Bereich der Malerei für seine Grattagetechnik zu nutzen oder um Vorlagen für Lithographien zu erstellen. Die Durchreibetechnik auf Papier konnte der Filmemacher Peter Schamoni im Sommer 1963 für seinen Künstlerfilm 'Max Ernst - Entdeckungs-fahrten ins Unbewusste' dokumentieren. [...] Und genau diese beiden Druckplatten zog Max Ernst auch für seine Zeichnung 'Gruppenbild mit Vogel und Fuchs' jeweils einmal heran. Aus (einem) Druckklischee [...] übernahm er das zentrale Motiv der Blüte, die von einer Hand mit drei Fingern präsentiert wird. Aus der (zweiten) Druckplatte [...], in der drei geschwungene Wellenranken miteinander verwoben sind, wählte er die zentrale, langgezogene Form aus, um sie nun in der Kombination mit einem Kopf zum Haarschopf umzudeuten. Für den Frauenkopf, für den Vogel, der mit ausgebreiteten Schwingen auf das Gesicht mit geschlossenen Augen zufliegt, für den Kopf und den Körper des Fuchses darunter, für die ovale Körperform unter der Taille mit Blume sowie für weitere Linien der Zeichnung lässt sich ein drittes Druckklischee als Ausgangspunkt, als Durchreibefläche und Inspirationsquelle identifizieren; es entstand ebenfalls 1950 für den Druck der Publikation 'Partition'. Fünf Details rieb Max Ernst durch, um sie in seine Komposition ausdeutend zu integrieren. Bereits im März 1950 verwendete er alle drei Druckplatten, um die beiden Farblithographien zu gestalten, die der Vorzugsausgabe seines Kataloges zur Ausstellung in der Galerie René Drouin beigebunden wurden. In dieser Zeit scheint auch die Zeichnung 'Gruppenbild mit Vogel und Fuchs' entstanden zu sein, die aus dem Besitz des Künstlers Hans Rudolf Schiess stammt. Der Maler hatte 1932 eine Einzelausstellung bei der Pariser Galeristin Jeanne Bucher und kannte seitdem Max Ernst. 1933 gründete er mit anderen die 'Gruppe 33', deren Mitglieder - neben Hans Rudolf Schiess auch Meret Oppenheim und Theo Eble - ihre Werke vom 13. Januar bis zum 10. Februar 1950 in der Galerie Kléber in Paris zeigten. Fast zeitgleich fand von 20. Januar bis zum 9. Februar 1950 in der Buchhandlung La Hune die Ausstellung 'Max Ernst - livres illustrations, gravures 1919-1949' statt, zu deren Eröffnung Max Ernst die ersten Andrucke von 'Partition' und in der Folgezeit auch die drei Druckklischees erhalten hatte. Es ist zu vermuten, dass Hans Rudolf Schiess anlässlich der Gruppenausstellung von Basel nach Paris reiste, dort Max Ernst wiedertraf und die Zeichnung als Geschenk erhielt - Zeichen der Rückerinnerung und der gemeinsamen Passion.' (Dr. Jürgen Pech, Bonn, 24 März 2013) Wir danken Dr. Jürgen Pech für seine wissenschaftliche Unterstützung

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KLEE, PAUL (Münchenbuchsee/Bern 1879 - 1940

Lot 3249: KLEE, PAUL (Münchenbuchsee/Bern 1879 - 1940

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Description: KLEE, PAUL (Münchenbuchsee/Bern 1879 - 1940 Muralto) Alte Bäume. 1931. Watercolour, wax crayon and oil on paper laid on board with margin. Signed upper right: Klee (slightly faded). Entitled, dated and inscribed on the backing board (artist's board): Alte Bäume 1931 M4. Also inscribed S.CI. He only marked the especially good works with this abbreviation S.CI (special class) 31 x 46 cm (image), 40.5 x 51.5 (backing board). Provenance: - Auction: Kunstkabinett, Stuttgart , 03/04. May 1961, Lot 245 (with ill.). - Galerie Beyeler, Basel (until 1969). - Private collection, acquired 1970. Exhibited: - Basel 1963: Galerie Beyeler, Klee, March-April 1963, Cat. No.40 (with ill.), Basel 1963. - Zurich 1963: Galerie René Ziegler, Paul Klee, September-October 1963, Cat. No. 28. - Paris 1963: Galerie Tarica, Paul Klee, 22 November - 22 December 1963, with ill., Paris 1963. - Ascona 1964: Galleria Castelnuovo, Trudy Neuburg-Coray, Paul Klee. Öl, Aquarell, Zeichnungen, 16 August - 31 October 1964, Cat. No.14 (with ill.), Ascona 1964. - Basel 1967: Kunsthalle Basel, Paul Klee 1879 - 1940 Gesamtausstellung, 3 June - 13 August 1967, Cat. No.124, Basel 1967. - Milan 1968/69: Galleria del Milione, Paul Klee, 7 December 1968 - 7 Jan 1969, Cat. No.33 (with ill.), Milan 1968/69. Literature: - Spiller, Jürg (Ed.). Paul Klee. Unendliche Naturgeschichte. Prinzipielle Ordnung der bildnerischen Mittel verbunden mit Naturstudium und konstruktiven Kompositionswegen. Form- und Gestaltungslehre, Vol. 2, Basel/Stuttgart 1970, (with ill.). - Paul-Klee-Stiftung, Kunstmuseum Bern (pub.). Catalogue Raisonné Paul Klee, Vol. 6 (1931-1932), Bern 2003, Cat. No. 5469 (with ill.). KLEE, PAUL (Münchenbuchsee/Bern 1879 - 1940 Muralto) Alte Bäume. 1931. Aquarell, Wachsstift und Öl auf Papier, auf Karton mit Randleiste. Oben rechts signiert: Klee (leicht verblasst). Auf dem Unterlagekarton (Künstlerkarton) betitelt, datiert und bezeichnet: Alte Bäume 1931 M4. Zuwie mit S.CI. bezeichnet, mit diesem Kürzel S.CI (Sonderklasse) hat er nur seine besonders guten Arbeiten gekennzeichnet. 31 x 46 cm (Darstellung), 40,5 x 51,5 (Unterlagekarton). Provenienz: - Kunstkabinett, Stuttgart , 03./04. Mai 1961, Los 245 (mit Abb.). - Galerie Beyeler, Basel (bis 1969). - Privatsammlung, erworben 1970. Ausstellung: - Basel 1963: Galerie Beyeler, Klee, März-April 1963, Kat.Nr. 40 (mit Abb.), Basel 1963. - Zürich 1963: Galerie René Ziegler, Paul Klee, September-Oktober 1963, Kat.Nr. 28. - Paris 1963: Galerie Tarica, Paul Klee, 22.November - 22. Dezember 1963, Paris 1963 (mit Abb.). - Ascona 1964: Galleria Castelnuovo, Trudy Neuburg-Coray, Paul Klee. Öl, Aquarell, Zeichnungen, 16. August - 31. Oktober 1964, Kat.Nr. 14, Ascona 1964 (mit Abb.). - Basel 1967: Kunsthalle Basel, Paul Klee 1879 - 1940 Gesamtausstellung, 3. Juni - 13. August 1967, Kat.Nr. 124, Basel 1967. - Mailand 1968/69: Galleria del Milione, Paul Klee, 7. Dezember 1968 - 7. Januar 1969, Kat.Nr. 33, Mailand 1968/69 (mit Abb.). Literatur: - Spiller, Jürg (Hrsg.). Paul Klee. Unendliche Naturgeschichte. Prinzipielle Ordnung der bildnerischen Mittel verbunden mit Naturstudium und konstruktiven Kompositionswegen. Form- und Gestaltungslehre, Bd. 2, Basel/Stuttgart 1970, (mit Abb.). - Paul-Klee-Stiftung, Kunstmuseum Bern (Hrsg.). Catalogue Raisonné Paul Klee, Bd. 6 (1931-1932), Bern 2003, Kat.Nr. 5469 (mit Abb.). Im April 1931 löst Paul Klee seinen Vertrag mit dem Bauhaus in Dessau auf und nimmt die Position als Direktor der Düsseldorfer Kunstakademie an. Er behält jedoch seine Wohnung in Dessau und pendelt zwischen den beiden Städten. Diese Zeit zwischen 1931 und 1933 besticht durch eine unglaubliche Heterogenität in Klees künstlerischem Schaffen, wie man sie in keiner anderen Schaffensperiode findet. Will Grohmann erfasst die folgenden Werkgruppen: divisionistische Bilder, Schriftbilder, Gestalten strengerer Form und von den arabischen Bildern beeinflusste Werke, aber auch Einzelwerke, die keiner grösseren Gruppe zugeteilt werden können (Grohmann, Will. Paul Klee, Genf/Stuttgart 1954, S. 276ff.). Das vorliegende Aquarell 'Alte Bäume' gehört ebenfalls in diese Schaffensperiode und erinnert an Werke des Expressionismus. Im Mittelpunkt der Darstellung erhebt sich ein weitverzweigter, alter Baum. Der rosafarbene Stamm erhält durch den pastosen Auftrag der Ölfarbe besondere Standhaftigkeit. Blätter deutet er durch vereinzelte graue Punkte an, die entfernt an seine divisionistische Malweise dieser Zeit erinnern. In der Baumkrone verdichtet er das Blattwerk durch weisse, geschwungene Flächen. Weitere Bäume, jedoch nicht so ausgearbeitet, erheben sich im Bildhintergrund und zu den Seiten. Durch die gekonnte Illusion von Raum und Tiefe, die Klee auf diese Weise schafft, hat der Betrachter das Gefühl in einen Hain voller Bäume zu blicken. Die gezielt gesetzten Punkte sowie die geschwungenen Farbflächen in der Baumkrone verleihen dem Werk Dynamik. Im Hintergrund nutzt Klee ein helles Braun, um durch den farblichen Kontrast den Baum hervorzuheben. Obwohl die Darstellung stark abstrahiert ist und die Farben nicht die Realität widerspiegeln, ist es Klees meisterhaftem Können zu verdanken, dass der Betrachter keine Sekunde an der Darstellung zweifelt. Farbe spielt in diesem Werke eine grosse Rolle und verdeutlicht eindrücklich seine Einstellung zur Farbe: 'Die geklärten Verhältnisse genügen ihm nicht; solange alles ‚in Ordnung' sei, entstehe überhaupt keine Spannung, erst ‚mit Akten der Überbetonung und Willkür' beginne die Gestaltung. Die Farben sind für Klee Akteure, er führt Regie, aber ohne den Eigenwillen der Partner allzu sehr einzuengen, ihre Grundhaltung und ihre Beziehung zu den Mitspielern, ihr Verhältnis zu Ruhe und Bewegung, zu bestimmten Formen wie spitz und rund. Ein Bild kann grün aussehen, ohne Grün zu enthalten. Die Art des Auftrags spricht mit, Lasuren rücken in die Ferne, Deckfarben bewirken Nähe. Alle Möglichkeiten sind erlaubt, die zum Ziel führen' (ebenda, S. 265).

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ARP, HANS (Strassburg 1888 - 1966 Basel) Fleur de

Lot 3250: ARP, HANS (Strassburg 1888 - 1966 Basel) Fleur de

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Description: ARP, HANS (Strassburg 1888 - 1966 Basel) Fleur de rêve au museau. 1954. Polished bronze and green patina. 4/5. Monogrammed and numbered on the underside: HA 4/5, as well as with foundry stamp: E. Godard Fond. 46 x 15.5 x 10 cm. Date of casting unknown. Provenance: - Galerie Proarta, Zurich. - Private collection, Switzerland. Literature: Hartog, Arie (Ed.) / Fischer, Kai. Hans Arp. Skulpturen - Eine Bestandsaufnahme, Ostfildern 2012, No. 133, p. 116, 291 (Eng.). ARP, HANS (Strassburg 1888 - 1966 Basel) Fleur de rêve au museau. 1954. Polierte Bronze, grüne Patina. 4/5. Auf der Unterseite monogrammiert und nummeriert: HA 4/5, sowie dem Giessereistempel: E. Godard Fond. 46 x 15,5 x 10 cm. Gussdatum unbekannt. Provenienz: - Galerie Proarta, Zürich. - Privatbesitz Schweiz. Literatur: Hartog, Arie (Ed.)/Fischer, Kai. Hans Arp. Skulpturen - Eine Bestandesaufnahme, Ostfildern 2012, Nr. 133, S. 116, 291 (engl.). Der Weg zur Vollplastik unterliegt bei Hans Arp einer logischen Entwicklung, die u.a. auch seine Experimentierfreude zeigt. Zu Beginn beschäftigt er sich mit Collagen, die er dann weiter in Reliefs entwickelt, diese löst er dann wiederum Ende der 1920er von der Wand, um sie in den Raum zu stellen. Die konsequente Weiterentwicklung zur Vollplastik vollzieht sich dann in den 1930er Jahren. Plastiken begleiten Arps Werk ein Leben lang, aber erst mit der künstlerischen Absicherung und der damit finanziellen Anerkennung seines Oeuvres ab den 1950er Jahren ist es Arp möglich, zahlreiche Skulpturen zu fertigen. Schlussendlich wird Arp dann vornehmlich als Bildhauer wahrgenommen. Durch die immer wiederkehrende Verwendung bestimmter Formen wie dem Torso, der Welle oder dem Oval haben seine Werke grossen Wiedererkennungswert, gleichwohl verfügt Hans Arp über einen unerschöpflichen Fundus an Formensprache. Den grossen Erfolg erklärt sich Carola Giedion-Welcker mit der Tatsache, dass die Skulpturen von Arp, aber auch von Brancusi und Klee nicht vollkommen der Avantgarde verpflichtet sind, sondern dass ihre Kunst 'Träger von archetypischen, für alle Menschen verständliche Botschaften' ist (Hartog, Arie (Hrsg.). Hans Arp. Skulpturen - Eine Bestandsaufnahme, Ostfildern 2012, S. 28f.). In einer harmonischen Wellenbewegung strebt unsere Skulptur in die Höhe, wird in der Mitte durch einen Knick gestört und wächst dann weiter nach oben, um in zwei auseinanderstrebenden Formen zu enden. Der Künstler fordert von seinen Betrachtern ein zweites, intensives Hinsehen und eigene Vorstellungskraft, erst dann erschliesst sich uns die organische Form und schlussendlich der weibliche Torso. 'Der Inhalt einer Plastik muss auf Zehenspitzen, ohne Anmassung auftreten, leicht wie die Spur des Tieres im Schnee. Die Kunst soll sich in der Natur verlieren. Sie soll sogar mit der Natur verwechselt werden. Nur darf dies nicht durch Nachahmung erreicht werden wollen, sondern durch das Gegenteil des naturalistischen Abmalens, Abbildens. Die Kunst entkleidet sich dabei immer mehr des Eigensüchtigen, des Virtuosen, des Lächerlichen ...' (Arp, Hans in: Hans Arp. Skulpturen 1957 - 1966, Stuttgart 1968, S. IX). Den weiblichen Torso findet man in seinem umfassenden plastischen Werk immer wieder und oftmals, wie auch bei dem vorliegenden Werk, verschmolzen mit einer vegetabilen Form. Auch im Titel, die bei Arp immer von besonderer und sinngebender Bedeutung sind, sehen wir das harmonische Miteinander von Anthropomorphem und Vegetabilem: 'Traumblume mit Lippen'. Der Torso ist für ihn eine vollständige Form, und so findet man in seinem plastischen Werk nur Torsi. Die Andeutung z.B. von der gebeugten Hüfte wie bei unserem Werk genügt, um unter dem Blick des Betrachters die letztendliche Vollendung der Form zu gewährleisten. Denn wir sind es, die die abstrakte Form zu einem weiblichen Torso vollenden. 'Arps bildhauerische Schöpfungen gehen von der reinen, das heisst von der vorerst inhaltlosen, ungegenständlichen plastischen Form aus, wie Brancusi sie durch seine stereometrischen Stilisierungen und Glättungen bewusst gemacht und dann durch Würfel, Zylinder und ovoide Formen zu abstrakten Gebilden weitergetrieben hat. Arp nun ging den umgekehrten Weg und machte aus eigentlichen abstrakten Gestalten aus weissem Gips oder Stein beseelte, oft menschenähnliche Wesen. Die Umrisse und Wölbungen folgen einem biomorphen Gestaltungsgefühl, welches nur ein Schritt von der Darstellung etwa eines Frauentorsos entfernt ist, diesen Schritt aber nicht selber macht, sondern den Betrachter vollziehen lässt.' (Hohl, Reinhold in: Skulptur. Die Moderne 19. und 20. Jahrhundert, Bd. IV, Köln 1996, S. 174f.). Die Skulpturen Hans Arps unterliegen dem Prozess des Werdens, der durch die Mehransichtigkeit der meisten seiner Plastiken unterstützt wird, und wir Betrachter begleiten diese Verwandlung, wie wir es auch bei 'Traumblume mit Lippe' machen.

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VLAMINCK, MAURICE DE (Paris 1876 - 1958

Lot 3251: VLAMINCK, MAURICE DE (Paris 1876 - 1958

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Description: VLAMINCK, MAURICE DE (Paris 1876 - 1958 Rueil-la-Gadelière) Le panier de raisins. 1920. Oil on canvas. Signed lower right: Vlaminck. 65 x 80 cm. Provenance: - Lilienfeld Galleries, New York. - Private collection Geneva. Exhibited: 1939/40 San Francisco: Golden Gate International Exposition, San Francisco 18. Feb 1939 - 29. September 1940. Literature: Jean Selz, Vlaminck, p. 29 (with ill.). VLAMINCK, MAURICE DE (Paris 1876 - 1958 Rueil-la-Gadelière) Le panier de raisins. 1920. Öl auf Leinwand. Unten rechts signiert: Vlaminck. 65 x 80 cm. Provenienz: - Lilienfeld Galleries, New York. - Privatbesitz Genf. Ausstellung: 1939/40 San Francisco: Golden Gate International Exposition, San Francisco 18. Februar 1939 - 29. September 1940. Literatur: Jean Selz, Vlaminck, S. 29 (mit Abb.).

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TOBIASSE, THEO (Jaffa 1927 - 2012 Cagnes-sur-Mer)

Lot 3252: TOBIASSE, THEO (Jaffa 1927 - 2012 Cagnes-sur-Mer)

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Description: TOBIASSE, THEO (Jaffa 1927 - 2012 Cagnes-sur-Mer) Bellerophon. Bronze. Signed, numbered and titeled on the base: tobiasse 2/8 Bellerophon. Height 37 cm. TOBIASSE, THEO (Jaffa 1927 - 2012 Cagnes-sur-Mer) Bellerophon. Bronze. Auf dem Sockel signiert, nummeriert und beitelt: tobiasse 2/8 Bellerophon. Exemplar 2/8. Höhe 37 cm.

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