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Auction Description for Koller: Impressionist & Modern Art
Viewing Notes:
December Auctions 2016 Hardturmstrasse 102 & 121 8005 Zürich Google Maps Preview: Fri. 25 to Mon. 29 November 10am - 7pm daily Auctions: Wed. 30 November to Sat. 03 December

Impressionist & Modern Art (37 Lots)

by Koller Auctions


37 lots with images

December 2, 2016

Live Auction

Zurich, Switzerland

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Lots with images first
AUGUST BABBERGER

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Description: AUGUST BABBERGER(Hausen in Wiesental 1885 - 1936 Altdorf)Landscape view of Lake Lucerne and Pilatus. 1915.Oil on hardboard.Signed and datet lower left: Babberger 1915.66.5 x 82.5 cm.The authenticity of the work has been confirmed by Andreas Gabelmann, September 2016.Provenance: - Private collection, Switzerland- Private collection, San Francisco.- Private collection, New York.In 1895 the Babbergers came from Germany to Basel, Switzerland, where August Babberger spent the best part of his school days and later completed an apprenticeship with a master painter. Back in Germany he attended a course in etching for a year, and finally received a scholarship for the Accademia Internationale di Belle Arti in Florence, where Augusto Giacometti was his teacher from 1909 to 1911. Symbolism and Art Nouveau influenced Babberger’s early work. His model was Ferdinand Hodler, and the links to his style in some of the paintings is unmistakable. After his studies in Florence, Babberger began to become more and more involved in landscape. Through his wife who was from Lucerne, he familiarised himself with the Swiss landscape around Lake Lucerne, which became his second home, with its surrounding body of mountains providing inspiration and fascination. From 1915 the summit of the Pilatus caught his interest and in subsequent years it became the main subject of his pictures. From 1917 Babberger eventually found his way into Expressionism, which manifested itself in many of his pictures. After the National Socialists came to power in 1933, Babberger’s art was classed as degenerate (“entartet”) and he lost his position as Professor of decorative painting at the academy in Karlsruhe. After his dismissal, he joined his wife in Switzerland, where he died in 1936 following an operation. After Babberger’s death a number of his paintings were seized from German museums and later shown at the “Entartete Kunst” exhibition. The present work is a typical example of Babberger’s art circa 1915/16. As subject he has chosen his preferred landscape of Lake Lucerne and the Pilatus. Stylistically, Hodler’s influence is strongly in evidence. In addition, the intensification of the colours and the simplification of the forms also show the influence of Augusto Giacometti. Although Babberger is one of the forgotten German-Swiss artists, with his comprehensive body of work in many museums, we may now regard him as one of the important expressionist artists of the classic modern period. --------------- AUGUST BABBERGER(Hausen im Wiesental 1885 - 1936 Altdorf)Landschaft mit Sicht auf den Vierwaldstättersee und den Pilatus. 1915.Öl auf Hartfaserplatte.Unten links signiert und datiert: Babberger 1915.66,5 x 82,5 cm.Die Authentizität dieses Werkes wurde von Andreas Gabelmann bestätigt, September 2016.Provenienz: - Privatbesitz Schweiz.- Privatbesitz San Francisco.- Privatbesitz New York.1895 kommen die Babbergers von Deutschland in die Schweiz nach Basel, wo August Babberger seine wichtigste Schulzeit verbringt und später auch eine Lehre bei einem Malermeister absolviert. Zurück in Deutschland besucht er ein Jahr lang eine Radierungsklasse und erhält schliesslich ein Stipendium an der Accademia Internationale di Belle Arti in Florenz, wo Augusto Giacometti von 1909 bis 1911 sein Lehrer ist. Der Symbolismus und der Jugendstil prägen Babbergers frühe Arbeiten. Als sein Vorbild gilt Ferdinand Hodler, dessen Stilverwandtschaft in einigen Gemälden unverkennbar ist. Nach seinem Studienaufenthalt in Florenz beginnt sich Babberger mehr und mehr mit der Landschaft auseinanderzusetzten. Durch seine aus Luzern stammende Frau nähert er sich der Schweizer Landschaft um den Vierwaldstättersee an, welche ihm zur zweiten Heimat wird und dessen umliegende Bergmassive ihn inspirieren und faszinieren. Ab 1915 weckt der Gipfel des Pilatus sein Interesse und wird in den kommenden Jahren das Hauptsujet seiner Bilder werden. Ab 1917 findet Babberger schliesslich den Weg zum Expressionismus, was in zahlreichen Bildern seinerseits zum Ausdruck kommt. Nach der Machtergreifung der Nationalsozialisten 1933 wird Babbergers Kunst als entartet eingestuft und er verliert seine Anstellung als Professor für dekorative Malerei an der Akademie in Karlsruhe. Nach seiner Entlassung siedelt er zu seiner Frau in die Schweiz um, wo er 1936 an den Folgen einer Operation stirbt. Nach Babbergers Tod wurden etliche seiner Gemälde aus deutschen Museen beschlagnahmt und später in der Ausstellung „Entartete Kunst“ ausgestellt. Das vorliegende Werk zeigt ein typisches Beispiel für Babbergers Schaffen um 1915/16. Als Sujet wählt er die bevorzugte Landschaft des Vierwaldstättersees und den Pilatus. Im Stil lässt sich Hodlers Einfluss deutlich erkennen. Zudem zeigen die Steigung der Farben und die Vereinfachung der Formen auch den Einfluss Augusto Giacomettis auf. Obwohl Babberger zu den vergessenen deutsch-schweizerischen Künstler gehört, kann man ihn mit seinem umfassenden und in vielen Museen präsenten Werk zu den wichtigen expressionistischen Künstlern der klassischen Moderne zählen.

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ARMAND GUILLAUMIN

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Description: ARMAND GUILLAUMIN(1841 Paris 1927)Le Puy Barriou, paysage de la Creuse.Pastel on paper.Signed lower right: Guillaumin.45 x 61 cm.Provenance: Private collection, Geneva. --------------- ARMAND GUILLAUMIN(1841 Paris 1927)Le Puy Barriou, paysage de la Creuse.Pastell auf Papier.Unten rechts signiert: Guillaumin.45 x 61 cm.Provenienz: Privatbesitz Genf.

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ARMAND GUILLAUMIN

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Description: ARMAND GUILLAUMIN(1841 Paris 1927)Haut Pont Chassau.Oil on canvas.Signed lower left: Guillaumin.45 x 55 cm.Provenance: - Galerie Durand, Paris (Inv. 1426). - Galerie Pierre-Yves Gabus, 23 June 1991, lot 521. - Private collection, Switzerland. --------------- ARMAND GUILLAUMIN(1841 Paris 1927)Haut Pont Chassau.Öl auf Leinwand.Unten links signiert: Guillaumin.45 x 55 cm.Provenienz: - Galerie Durand, Paris (Inv. 1426). - Galerie Pierre-Yves Gabus, 23. Juni 1991, Los 521.- Privatbesitz Schweiz.

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PIERRE AUGUSTE RENOIR

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Description: PIERRE AUGUSTE RENOIR(Limoges 1841 - 1919 Cagnes-sur-Mer)Pré, arbres et femmes. Circa 1899.Oil on canvas.With signature stamp lower left: Renoir.23 x 41 cm.The authenticity of the work has been confirmed by the Wildenstein Institute, Paris, 7 December 2004.Provenance:- Estate of the artist.- Durand-Ruel, Paris.- Acquired from Durand-Ruel 1959, since then private collection.Literature:- Bernheim-Jeune (ed.): L' Atelier de Renoir, Paris 1931, vol. I, no. 178, pl. 58.- Dauberville, Guy-Patrice/Dauberville, Michel: Renoir. Catalogue Raisonné des tableaux, pastels, dessins et aquarelles, Bernheim-Jeune, Paris 2010, vol. III, no. 1847, p. 96 (with ill.).Badly afflicted by rheumatic pains, which Renoir had suffered from since the 1880s, in 1898/99 he stayed mostly in the South of France. The warm climate eased the pain, and the landscape of the various localities such as Cagnes, Grasse and Aix-les Bains inspired him to paint. The present work shows a landscape in the South of France, a subject often chosen by the artist at this time. The painting is dominated by luscious green tones. A woman stands in a clearing next to the tree in the centre, probably waiting for the woman entering at the left of the picture. The figures are situated harmoniously in the landscape, almost flowing into the surrounding scene, as Renoir always does, since for him the interplay of man and nature are very important. Although Renoir’s style changed over the years, the Impressionist was ever present in him. We can see for example the use of colour to depict the shadow and light. Despite Renoir’s illness, neither his painting nor his state of mind became heavier or more austere, but both were always accompanied by a cheerful lightness, which he retained until his death. --------------- PIERRE AUGUSTE RENOIR(Limoges 1841 - 1919 Cagnes-sur-Mer)Pré, arbres et femmes. Um 1899.Öl auf Leinwand.Unten links mit Stempelsignatur: Renoir.23 x 41 cm.Die Authentizität dieses Werkes wurde vom Wildenstein Institut bestätigt, Paris, 7. Dezember 2004.Provenienz:- Nachlass des Künstler.- Durand-Ruel, Paris.- Bei Durand-Ruel 1959 erworben, seitdem Privatsammlung.Literatur:- Bernheim-Jeune (Hrsg.): L' Atelier de Renoir, Paris 1931, Bd. I, Nr. 178, Tafel 58.- Dauberville, Guy-Patrice/Dauberville, Michel: Renoir. Catalogue Raisonné des tableaux, pastels, dessins et aquarelles, Bernheim-Jeune, Paris 2010, Bd. III, Nr. 1847, S. 96 (mit Abb.).Wegen starker rheumatischer Beschwerden, die Renoir seit den 80er Jahren plagen, hält er sich 1898/99 vorwiegend in Südfrankreich auf. Das warme Klima lindert seine Schmerzen und die Landschaft in den verschiedenen Orten wie Cagnes, Grasse und Aix-les Bains inspiriert ihn zum Malen. Das vorliegende, sehr farbintensive Werk zeigt eine Landschaft in Südfrankreich, ein zu dieser Zeit oft gewähltes Sujet des Künstlers. Das Gemälde wird dominiert von satten und leuchtenden Grüntönen. Eine Frau befindet sich bereits auf der Lichtung neben dem zentralen Baum, während sie wohl auf die links im Bild eintretende Frau wartet. Die Figuren sind harmonisch in die Landschaft platziert, fliessen beinahe in die Umgebung ein, so wie es Renoir immer macht, da ihm das Zusammenspiel von Mensch und Natur wichtig ist. Auch wenn sich Renoirs Stil durch die Jahre verändert, ist der Impressionist in ihm doch stetig präsent, zu sehen am Beispiel des Gebrauchs der Farben zur Darstellung von Schatten und Licht. Trotz Renoirs Krankheit wird weder seine Malerei noch sein Gemüt ernster odere schwerer, sondern beide sind stetig begleitet von einer heiteren Leichtigkeit, die er bis zu seinem Tod beibehält.

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GEORGES D'ESPAGNAT

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Description: GEORGES D'ESPAGNAT(1870 Paris 1950)Bouquet des fleurs. 1899.Oil on canvas.Monogrammed lower right: Gd'E.65 x 54 cm.The authenticity of the work has been confirmed by Jean Dominique Jacquemond, Paris, 17 October 2016.Provenance: - Galerie Beyeler, Basel.- Private collection, Switzerland (bought 1956 at the above gallery). --------------- GEORGES D'ESPAGNAT(1870 Paris 1950)Bouquet des fleurs. 1899.Öl auf Leinwand.Unten rechts monogrammiert: Gd'E.65 x 54 cm.Die Authentizität dieses Werkes wurde von Jean Dominique Jacquemond bestätigt, Paris, 17. Oktober 2016.Provenienz:- Galerie Beyeler, Basel.- Privatbesitz Schweiz (1956 bei obiger Galerie erworben).

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JEAN DUFY

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Description: JEAN DUFY(Le Havre 1888 - 1964 Boussay)Fleurs et fruits. Circa 1948/49.Oil on canvas.Signed lower left: Jean Dufy.38 x 46 cm.The authenticity of the work has been confirmed by Jacques Bailly, Paris, 6 September 2016.Provenance: Private collection, Switzerland.Exhibition: Cologne 1958, Jean Dufy. Gemälde Galerie Abels, 1 October - 30 November, no. 9 (with ill.).Jean Dufy’s early painting is dominated by colour harmonies in muted brown, blue and red tones. After his move to Paris around 1920, his style underwent a rapid change. His acquaintances in Paris with Derain, Braque and Picasso, as well as his encounter with Fauvism, influenced his painting decisively. His real teacher, however, was his elder brother Raoul. Jean developed a pictorial language which is characterised by bright and carefree colours and an opening up of the pictorial space. He succeeded in combining various characteristics of Impressionism, Cubism and Fauvism, and in developing his own style from that. His works, and in particular his still lifes, are characterised initially by shimmering surfaces composed of juxtaposed colour squares and bold light compositions. Here we see the influence of his brother. In the course of his career, he gradually broke up this systematic treatment of space in terms of colour squares, and developed an independent pictorial language. The present still life is dominated by a gentle harmony of pastel-like tones, which are cut through with bright accents of red. The still life elements are set apart from the background simply by means of loose contouring, and reveal a spatial quality which is part of Jean Dufy’s unmistakable pictorial language. --------------- JEAN DUFY(Le Havre 1888 - 1964 Boussay)Fleurs et fruits. Wohl 1948/49.Öl auf Leinwand.Unten links signiert: Jean Dufy.38 x 46 cm.Die Authentiztität dieses Werkes wurde von Jacques Bailly bestätigt, Paris, 6. September 2016.Provenienz: Privatsammlung Schweiz.Ausstellung: Köln 1958, Jean Dufy. Gemälde Galerie Abels, 1. Oktober - 30. November, Nr. 9 (mit Abb.).Jean Dufys malerisches Frühwerk ist dominiert durch Farbharmonien in dumpfen Braun-, Blau- und Rottönen. Nach seinem Umzug um 1920 nach Paris durchläuft er einen schnellen Stilwechsel. Seine Bekanntschaften in Paris mit Derain, Braque und Picasso, aber auch seine Auseinandersetzung mit dem Fauvismus beeinflussen massgeblich seine Malerei. Sein eigentlicher Lehrmeister ist aber sein älterer Bruder Raoul. Jean findet zu einer Bildsprache, die durch heiter-leuchtende Farbigkeit und dem Aufbrechen des Raumes gekennzeichnet ist. Es gelingt ihm verschiedene Charakteristiken des Impressionismus, des Kubismus und des Fauvismus zu kombinieren und daraus einen eigenen Stil zu entwickeln. Seine Werke und insbesondere seine Stillleben sind zunächst gekennzeichnet durch aus Farbvierecken zusammengesetzten vibrierenden Flächen und mutigen Lichtkompositionen. Hierbei lässt sich der Einfluss seines Bruders erkennen. Im Verlaufe seiner Karriere löst er diese systematische Behandlung des Raumes in Farbvierecken allmählich auf und findet zu einer eigenständigen Bildsprache. Das vorliegende Stillleben ist dominiert von einer sanften, pastelltonartigen Harmonie, welche durch ein leuchtendes, akzentsetzendes Rot durchbrochen wird. Nur locker gesetzte Konturen heben die Stillleben-Elemente vom Hintergrund ab und zeigen eine in Jean Dufys unverkennbarer Bildsprache geschaffene Räumlichkeit.

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PIERRE AUGUSTE RENOIR

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Description: PIERRE AUGUSTE RENOIR(Limoges 1841 - 1919 Cagnes-sur-Mer)Projet mise en place d'un paysage avec personnages.Carbon and pencil on paper.Lower right with stamped signature (faded): Renoir.26.5 x 23 cm.Provenance: Private collection, Switzerland.Literature: Renoir, Paul/Pirra, Stefano: 125 dessins inédites de Pierre Auguste Renoir, Turin 1970, Ficher d'inventaire no. D6259 (with ill.). --------------- PIERRE AUGUSTE RENOIR(Limoges 1841 - 1919 Cagnes-sur-Mer)Projet mise en place d'un paysage avec personnages.Kohle und Bleistift auf Papier.Unten rechts mit Stempelsignatur (stark verblasst): Renoir.26,5 x 23 cm.Provenienz: Privatbesitz Schweiz.Literatur: Renoir, Paul/Pirra, Stefano: 125 dessins inédites de Pierre Auguste Renoir, Turin 1970, Ficher d'inventaire Nr. D6259 (mit Abb.).

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PIERRE AUGUSTE RENOIR

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Description: PIERRE AUGUSTE RENOIR(Limoges 1841 - 1919 Cagnes-sur-Mer)Etudes de nu. 1915.Oil on canvas.With the monogram upper left (later): AR.16.7 x 10.7 cm.The authenticity of the work has been confirmed by the Wildenstein Institute, Paris, October 2016.Provenance:- Galerie Motte, Geneva 1973.- Private collection, Switzerland.Literature:- Vollard, Ambroise: Tableaux, pastels et dessins de Pierre-Auguste Renoir, Paris, 1918, vol. I, no. 529.- Dauberville, Guy Patrice/Dauberville, Michel: Renoir. Catalogue raisonné des tableaux, pastels, dessins et aquarelles, Bernheim-Jeune, Paris 2010, vol. V, no. 4396 (with ill.). --------------- PIERRE AUGUSTE RENOIR(Limoges 1841 - 1919 Cagnes-sur-Mer)Etude de nu. 1915.Öl auf Leinwand.Oben links mit dem Monogramm (später): AR.16,7 x 10,7 cm.Die Authentizität des Werkes wurde vom Institut Wildenstein bestätigt, Paris, Oktober 2016.Provenienz:- Galerie Motte, Genf 1973.- Privatsammlung Schweiz.Literatur:- Vollard, Ambroise: Tableaux, pastels et dessins de Pierre-Auguste Renoir, Paris 1918, Bd. I, Nr. 529.- Dauberville, Guy Patrice/Dauberville, Michel: Renoir. Catalogue raisonné des tableaux, pastels, dessins et aquarelles, Bernheim-Jeune, Paris 2010, Bd. V, Nr. 4396 (mit Abb.).

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RAOUL DUFY

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Description: RAOUL DUFY(Le Havre 1877 - 1953 Forcalquier)Le bal populaire. 1906.Oil on canvas.Signed lower right: Raoul Dufy.34 x 42 cm.Provenance: - Collection Gustave Coquiot, Paris.- Galerie Charpentier, Paris December 1959.- Private collection, Switzerland.Exhibition: Milan 1969, Galleria del Milione, no. 4 (with ill.).Literature: Lafaille, Maurice: Raoul Dufy. Catalogue Raisonné de l'oeuvre peint de 1895 à 1915, 1972, vol. I, no. 244 (with ill.).Raoul Dufy's fauvistic work Le bal populaire is a feast of colour and form expressed in a language which was new at the time and this fine painting is therefore very significant. It shows, both in its subject and its technique, the decisive moment in the history of art in which the pioneer Raoul Dufy found himself. The works of the Fauves exhibited in the 1905 Salon d’Automne had greatly impressed the young painter. After his training at the École des Beaux-Arts du Havre he began to explore new, non-academic ways of artistic expression. He was introduced to the fauvist style of painting, particularly by this friend Albert Marquet. Both spent the summer of 1906 in Le Havre, Trouville and Honfleur.In Le Havre they celebrated the French National Day, 14 July. Each started a small series of paintings on this theme, which was very well suited to the fauvist language of form and colour. The famous “Rue pavoisée” paintings depict the day’s festivities in Le Havre. These works thus form the high point of Dufy’s examination of this important, expressionistic art movement. We see couples dancing in a public garden. The trees of the park coil wildly towards the sky and the national flags clatter. Behind the branches are hints of the variously coloured contours of the musicians in a medium-sized orchestra, and in the foreground we see a person drinking wine at a table, observing the dancers. We see many other artistically important influences, which will intensify even further in the coming years and will cause Dufy to finally move away from Fauvism. We recognise the flow and composition of Cézanne. There are also elements, which will shortly emerge from this artistic discourse and lead from 1907 to Cubism. Particular segments of the picture consciously subvert the academic perspective. So for example the table, the seated figure, and the dancers are to be seen from independent perspectives. This lends the whole picture a pulsating effect, while the composition is not without harmony, this also being a characteristic of the much celebrated works of Cezanne from the same years. The entire setting mirrors the dance, the music and the diversity of colour, and so conveys the festivity and joy of that moment. It is symbolic of the joy which the young painter must have felt, to be able to express himself in this new style. --------------- RAOUL DUFY(Le Havre 1877 - 1953 Forcalquier)Le bal populaire. 1906.Öl auf Leinwand.Unten rechts signiert: Raoul Dufy.34 x 42 cm.Provenienz: - Sammlung Gustave Coquiot, Paris.- Galerie Charpentier, Paris Dezember 1959.- Privatsammlung Schweiz.Ausstellung: Mailand 1969, Galleria del Milione, Nr. 4 (mit Abb.).Literatur: Lafaille, Maurice: Raoul Dufy. Catalogue Raisonné de l'oeuvre peint de 1895 à 1915, 1972, Bd. I, Nr. 244 (mit Abb.).Raoul Dufys fauvistisches Werk Le bal populaire ist ein Fest der in dieser Zeit neu aufkommenden Farb- und Formsprache. Dieses schöne Gemälde ist daher sehr bedeutend. Es zeigt sowohl thematisch wie auch technisch in welch entscheidendem kunsthistorischem Moment sich der Pionier Raoul Dufy befunden hat.Die 1905 im Salon d’Automne ausgestellten Werke der Fauves haben den jungen Maler sehr beeindruckt. Nach seiner Ausbildung an der École des Beaux-Art du Havre beginnt er sich mit neuen, nicht akademischen Ausdrucksmitteln auseinanderzusetzen. Er lässt sich besonders von seinem Freund Albert Marquet in die fauvistische Malerei einführen. Die beiden verbringen den Sommer 1906 in Le Havre, Trouville und Honfleur.In Le Havre zelebrieren sie den französischen Nationalfeiertag, den 14. Juli. Beide starten eine kleine Serie von Gemälden zu diesem Thema, welches für die fauvistische Farb- und Formensprache sehr gut geeignet ist. Auch die berühmten "Rue pavoisée" stellen die Feierlichkeiten dieses Tages in Le Havre dar. So bilden diese Werke den Höhepunkt von Dufys Auseinandersetzung mit dieser bedeutenden, expressionistischen Stilrichtung. In einem öffentlichen Garten sehen wir Paare tanzen. Die Bäume des Parks winden sich wild zum Himmel und die Nationalflaggen klirren. Hinter dem Geäst sind in verschiedenfarbigen Konturen die Musikanten eines mittelgrossen Orchesters angedeutet. Im Vordergrund sehen wir eine die Tänzer beobachtende und ein Glas Wein trinkende Person an einem Tisch.Man sieht ausserdem viele weitere kunsthistorisch bedeutende Einflüsse, die sich in den kommenden Jahren noch intensivieren sollten und Dufy schliesslich den Fauvismus aufgeben lassen werden. So kann man den Duktus und den Bildaufbau von Cézanne erkennen. Auch sind Elemente enthalten, die aus dieser Auseinandersetzung kurz danach, ab 1907 in die Bewegung des Kubismus münden werden. Es entziehen sich bewusst einzelne Bildsegmente der akademischen Perspektive. So sind zum Beispiel der Tisch, der Sitzende und die Tanzenden in voneinander unabhängigen Blickwinkeln zu sehen. Dies verleiht dem Ganzen ein vibrierendes Gefüge, jedoch als Komposition eine nicht unstimmige Harmonie, wie es auch den gerade in diesen Jahren immer mehr gefeierten Werken von Cézanne eigen ist. Die ganze Szenerie spiegelt den Tanz, die Musik, die Farbenvielfalt wider und drückt so die Festlichkeit und Freude des Moments aus und ist mit ein Symbol für die Freude, die der junge Maler dabei empfunden haben muss, mit den neuen Stiltechniken seine Ausdruckskraft darstellen zu können.

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PAUL SIGNAC

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Description: PAUL SIGNAC(1863 Paris 1935)Le port de la Rochelle.Watercolour and crayon on paper.With signature stamp on the reverse: P. Signac.14 x 10 cm.The authenticity of the work has been confirmed by Marina Ferretti, Paris, October 2016..Provenance:- Galerie Frost and Reed, London 1998.- Private collection, Geneva. --------------- PAUL SIGNAC(1863 Paris 1935)Le port de la Rochelle.Aquarell und Farbstift auf Papier.Verso mit Stempelsignatur: P. Signac.14 x 10 cm.Die Authentizität dieses Werkes wurde von Marina Ferretti bestätigt, Paris, Oktober 2016.Provenienz: - Galerie Frost and Reed, London 1998.- Privatbesitz Genf.

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RAOUL DUFY

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Description: RAOUL DUFY(Le Havre 1877 - 1953 Forcalquier)La baie (Riviera Nice). 1922.Watercolour on paper.Signed lower right: Raoul Dufy.48 x 62.7 cm.Provenance: Private collection, Bern.Literature: Guillon-Laffaille, Fanny: Raoul Dufy. Catalogue Raisonné des aquarelles, gouaches et pastels, Paris 1981, vol. I, no. 267, p. 96 (with ill.). --------------- RAOUL DUFY(Le Havre 1877 - 1953 Forcalquier)La baie (Riviera Nice). 1922.Aquarell auf Papier.Unten rechts signiert: Raoul Dufy.48 x 62,7 cm.Provenienz: Privatbesitz Bern. Literatur: Guillon-Laffaille, Fanny: Raoul Dufy. Catalogue Raisonné des aquarelles, gouaches et pastels, Paris 1981, Bd. I, Nr. 267, S. 96 (mit Abb.).

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OSKAR KOKOSCHKA

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Description: OSKAR KOKOSCHKA(Pöchlarn 1886 - 1980 Montreux)Portrait. 1947.Coloured chalk on paper.Inscribed, dated and monogrammed lower right: Sierre 7.8.47 OK.42 x 30 cm.The authenticity of the work was confirmed by Prof. Alfred Weidinger on the basis of a photo. It will be included in vol. III of the upcoming catalogue raisonné. Provenance: - Dr. Wilhelm Wartmann (1909-1949 Director Kunsthaus Zurich, who received the work from the artist). - Private collection, Zurich (as a gift from Dr. Wartmann). - Private collection, Zurich (by descent to the present owner). --------------- OSKAR KOKOSCHKA(Pöchlarn 1886 - 1980 Montreux)Porträt. 1947.Farbkreide auf Papier.Unten rechts bezeichnet, datiert und monogrammiert: Sierre 7.8.47 OK.42 x 30 cm.Die Authentizität dieses Werkes wurde von Prof. Alfred Weidinger anhand eines Fotos bestätigt. Es wird in den Bd. 3 des in Vorbereitung befindlichen Werkverzeichnisses aufgenommen. Provenienz: - Dr. Wilhelm Wartmann (1909 - 1949 Direktor des Kunsthauses Zürich, direkt vom Künstler erhalten).- Privatbesitz Zürich (Geschenk von Dr. Wartmann).- Privatbesitz Zürich (durch Erbschaft an den heutigen Besitzer).

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ERICH HECKEL

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Description: ERICH HECKEL(Döbeln 1883 - 1970 Radolfzell)Am Watt. 1953/54.Watercolour on paper.Signed, dated and titled: Heckel 53/54-Am Watt-.49 x 63 cm.The authenticity of the work has been confirmed by Hans Geissler and Renate Ebner, September 2016.Provenance: Private collection, Germany. --------------- ERICH HECKEL(Döbeln 1883 - 1970 Radolfzell)Am Watt. 1953/54.Aquarell auf Papier.Unten rechts signiert, datiert und betitelt: Heckel 53/54-Am Watt -.49 x 63 cm.Die Authentizität dieses Werkes wurde von Hans Geissler und Renate Ebner bestätigt, September 2016.Provenienz: Privatbesitz Deutschland.

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LOVIS CORINTH

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Description: LOVIS CORINTH(Tapiau 1858 - 1925 Zandvoort)Tulpen, Flieder und Kalla. 1915.Oil on canvas.Signed upper left: Lovis Corinth, and dated upper right: 1915.62 x 50 cm.We thank Dr. Bettina Best for her scientific support.Provenance:- Galerie Thannhauser, Berlin.- Graphisches Kabinett, Bremen.- Private collection, Austria.Exhibition: - Wuppertal 1999, Lovis Corinth. Von der Heydt Museum, no. 34 (with ill. p.131). Literature: - Berend-Corinth, Charlotte: Die Gemälde von Lovis Corinth. Werkkatalog. Mit einer Einführung von Konrad Röthel, München 1958, no. 647, p. 137 (with ill. p. 640).- Berend-Corinth, Charlotte/Hernad, Béatrice, Lovis Corinth: Die Gemälde, Werkverzeichnis. Mit einer Einführung von Hans-Jürgen Imiela, München 1992, no. 647, p. 137 (with ill. p. 670).Stand-alone still lifes barely feature in the early work of Corinth. From the end of the first decade of the 20th century, however, he dedicated himself more and more often to this subject, and subsequently still lifes assumed an important and central role in the artist’s oeuvre. This may be a convergence of several reasons: – Corinth‘s activity as teacher at a painting school for women; his wife Charlotte as instigator, who knew how to tempt him out of his depressive moods with flowers; and not least the physical limitations resulting from his stroke in 1911. Thereupon he began to engage intensely with nature, flowers and landscape, which came to dominate towards the end of his work. “To capture and express nature in all its forms, building and destroying, as does nature itself, and so to become a part of her – that is Corinth’s credo, like that of Goethe (...). Corinth’s painting is the equivalent of the creativity of nature. Painting as natura naturans, the formula, probably first employed by Ludwig Justi, which encompasses the confusing double aspect of Corinth’s painting: on the one hand, the painterly materialisation of all things in nature and at the same time a painterly hymn to creation and life, and, on the other hand, the transformation of the whole of nature into painting and thereby the de-materialisation and spiritualisation of all concrete things, their elevation to that autonomy and unreality of pure painting, which Lovis Corinth formulated as the highest goal.” (Peter Klaus Schuster: “Malerei als Passion. Corinth in Berlin”, Exh. Cat. Munich, Berlin, 1996, pp. 54. f.)The present still life of flowers was created by Lovis Corinth at the age of 57, at the height of his career. In this year, 1915, he had been re-elected as president of the Berlin Secession and so organised the Secession exhibition in the new exhibition hall at the Kurfürstendamm. He supplied the exhibition with four works, including two still lifes, which were created in Klopstock Strasse Berlin, directly before and after our still life of flowers. Within the interplay of colours, the two Callas lilies at the top and a white flower below on the jug form the brightest points of light in the painting. Many further areas of white highlighting create a sense not only of a positive bright light, but suggest a certain quality in the flowers. This is a painting on the threshold between bearing witness to the object and automatic painting, flowing between light and dark, flowering and fading, with the greatest intensity of colour and cadence, in the most extreme delicacy in the substance of the flowers – but also the solidity of the bellied vase, as well as the angular book. Even if Corinth’s paintings are known for their dual aspect of fullness of life and closeness to death, it is the former which dominates in the still lifes of flowers with lilacs, calla and tulips. This work has an especially powerful effect, with this new expressive style of short, pulsing brush strokes and glowing colours. The artistic yearning for freedom is strongly emphasised here in Corinth’s style, and the artist’s will to live is apparent. --------------- LOVIS CORINTH(Tapiau 1858 - 1925 Zandvoort)Tulpen, Flieder und Kalla. 1915.Öl auf Leinwand.Oben links signiert: Lovis Corinth, sowie oben rechts datiert: 1915.62 x 50 cm.Wir danken Frau Dr. Bettina Best für die wissenschaftliche Unterstützung.Provenienz: - Galerie Thannhauser, Berlin. - Graphisches Kabinett, Bremen.- Privatsammlung Österreich.Ausstellungen: - Wuppertal 1999, Lovis Corinth. Von der Heydt Museum, Nr. 34 (mit Abb. S. 131). Literatur: - Berend-Corinth, Charlotte: Die Gemälde von Lovis Corinth. Werkkatalog. Mit einer Einführung von Konrad Röthel, München 1958, Nr. 647, S. 137 (mit Abb. S. 640).- Berend-Corinth, Charlotte/Hernad, Béatrice: Lovis Corinth. Die Gemälde. Werkverzeichnis. Mit einer Einführung von Hans-Jürgen Imiela, München 1992, Nr. 647, S. 151 (mit Abb. S. 670).Eigenständige Stillleben spielen im Frühwerk Corinths kaum eine Rolle. Seit Ende des ersten Jahrzehnts nach der Jahrhundertwende dagegen widmet er sich ihnen immer häufiger und sie beginnen eine bedeutende und zentrale Rolle im Œuvre des Künstlers einzunehmen. Verantwortlich dafür mögen mehrere Gründe gewesen sein. Darunter Corinths Tätigkeit als Lehrer einer Malschule für Frauen, seine Frau Charlotte als Impulsgeberin, die ihn mit Blumen aus depressiven Stimmungen heraus zum Malen zu verführen verstand und nicht zuletzt sein ihn körperlich einschränkender Schlaganfall im Jahre 1911. Darauf beginnt er sich intensiv mit der Natur, den Blumen und den Landschaften auseinanderzusetzen, die schliesslich gegen Ende sein Werk dominieren. "Natur in all ihren Bildungen festzuhalten und hervorzubringen, bauend und zerstörend zugleich wie die Natur selbst und so in allem ein Teil von ihr zu werden, das ist mit und nach Goethe das Credo von Corinth [...]. Corinths Malerei ist das Äquivalent dieser Schöpferkraft der Natur. Malerei als natura naturans, das ist jene, wohl von Ludwig Justi erstmals gebrauchte Formel, die jenen so verwirrenden Doppelaspekt der Malerei Corinths erfasst: einerseits die malerische Materialisation aller Dinge der Natur und damit zugleich ein malerischer Hymnus auf die Schöpfung und das Leben, andererseits die Verwandlung der gesamten Natur in Malerei und damit die Dematerialisierung und Spiritualisierung aller Gegenstände, ihre Aufhebung in jene Autonomie und Unwirklichkeit reiner Malerei, die Lovis Corinth als höchstes Ziel formuliert hat." (Peter Klaus Schuster: "Malerei als Passion. Corinth in Berlin", Ausst. Kat. München, Berlin, 1996, S. 54 f.)Das vorliegende Blumenstillleben schafft Lovis Corinth als 57-Jähriger an einem Höhepunkt in seiner Karriere. Er wird im Jahr 1915 zum Präsidenten der Berliner Sezession wiedergewählt und organisiert nun die Sezessionsausstellung im neuen Ausstellungsgebäude am Kurfürstendamm. Er beschickt sie mit vier Werken, darunter zwei Stillleben, die unmittelbar vor und nach unserem Blumenstillleben in der Berliner Klopstock-Strasse geschaffen worden sind.Unter dem Zusammenspiel der Blütenfarben bilden die beiden Callas in der Höhe und eine weisse Blüte unten am Krug die hellsten Lichtpunkte im Gemälde. Viele weitere weisse Höhungen lassen nicht nur ein positives, helles Licht verspüren, sondern suggerieren auch eine gewisse Qualität der Blüten. Es ist eine Malerei an der Schwelle zwischen Gegenstandsbezeugung und autonomer Malerei, fliessend zwischen Licht und Dunkel, Blühen und Vergehen, mit höchster Intensität in Farbe und Duktus, bei äusserster Zartheit der Substanz der Blüten – aber auch der Härte des bauchigen Glases sowie des eckigen Buches. Auch wenn Corinths Gemälde für den Doppelaspekt aus Lebensfülle und Todesnähe bekannt sind, dominiert in "Tulpen, Flieder und Kalla" ersteres. Unser Werk wirkt durch den neuen expressiven Stil mit den kurzen, pulsierenden Pinselstrichen und den leuchtenden Farben besonders kräftig. Der künstlerische Drang nach Freiheit kommt hier im Duktus Corinths stark zur Geltung und bringt den Lebenswillen des Künstlers zum Vorschein.

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VITTORIO ZECCHIN

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Description: VITTORIO ZECCHIN(1878 Murano 1949)Le Mille e una notte. 1914.Oil on canvas.With the monogramm lower right: VZ.140 x 110 cm.The authenticity of the work has been confirmed by Prof. Giovanni Mariacher, Venice, 12 April 1972.Provenance: - Giacomo Cappelin (Palazzo da Mula, Murano), Cappelin & Co. - Semenzato, 1978.- Private collection, Italy.Vittorio Zecchin was born in 1878 in Murano; his father worked in a glass factory. Although he spent his childhood and youth in Murano surrounded by the glassworks, he had no interest in the art of glass and instead studied painting at the Accademia di Belle Arti in Venice. However, already at the age of 23 he gave up his ambitions, as, in his opinion, he could not get on with the uninspired style of teaching there, and also did not believe that anyone would listen to his ideas. So, in 1901 he left the Academy and worked for some years as a civil servant, until in 1908, he was so greatly moved by a new artistic movement, that he then joined it. This was a group of artists who were strongly influenced by Klimt and the whole movement of the Viennese Secession. Their work was on display between 1908 and 1920 at the Museum of Modern Art in Ca‘ Pesaro in Venice. Fascinated by the mystical and symbolist painting of the time, as well as the Art Nouveau movement, he travelled to Vienna around 1910, in order to get to know the artists and their work in situ. There he met Gustav Klimt, who was to have a lasting influence on his creative work. His high point as a painter came in 1914, when he completed "Le Mille e una Notte", a 30 meter-long wall painting, comprising 12 individual works depicting the procession of Aladdin and his entourage, as he goes to ask the Sultan for his daughter’s hand. The work was commissioned by the Hotel Terminus in Venice, which intended the painting for the dining room. The present work has been bought by the antiquarian Giacomo Capellin, and it has been hanged in his showroom in the renaissance palazzo Da Mula in Murano (see the photograph).The Museum in C’a Pesaro Palace in Venice today owns 6 of the 12 paintings, so that the 6 remaining works, of which one is offered here at auction, remain in private hands. --------------- VITTORIO ZECCHIN(1878 Murano 1949)Le Mille e una notte. 1914.Öl auf Leinwand.Unten rechts monogrammiert: VZ.140 x 110 cm.Die Authentizität dieses Werkes wurde von Prof. Giovanni Mariacher bestätigt, Venedig, 12. April 1972.Provenienz: - Giacomo Cappelin (Palazzo da Mula, Murano), Cappelin & Co. - Semenzato, 1978.- Privatbesitz Italien.Vittorio Zecchin wird 1878 in Murano geboren, sein Vater arbeitet in einer Glasmanufaktur. Obwohl er seine Kindheit und Jugend in Murano umgeben von Glashütten verbringt, hat er kein Interesse an Glaskunst und studiert stattdessen an der Accademia di Belle Arti in Venedig Malerei. Jedoch gibt er seine Ambitionen mit bereits 23 Jahren auf, da er mit dem dort seines Erachtens uninspirierten Stil der Lehre nichts anfangen kann. So verlässt Zecchin 1901 die Akademie und arbeitet einige Jahre als Beamter, bis ihn 1908 eine neue künstlerische Bewegung so sehr anspricht, dass er ihr beitritt. Dies ist eine Gruppe von Künstlern, die stark von Klimt und der gesamten Strömung der Wiener Sezession beeinflusst ist. Sie stellt 1908-1920 im Ca‘ Pesaro in Vendig, dem Museum für Moderne Kunst ihre Werke aus. Fasziniert von der aktuellen mystischen und symbolischen Malerei sowie der Jugendstilbewegung reist er um 1910 nach Wien, um die Künstler und ihre Werke vor Ort kennenzulernen. Er trifft dort Gustav Klimt, der einen nachhaltigen Einfluss auf sein Schaffen haben wird. Seinen Höhepunkt als Maler erreicht er im Jahr 1914, als er "Le Mille e una Notte" fertigt, ein 30 Meter langes Wandgemälde, das aus 12 einzelnen Werken besteht und die Prozession von Aladdin und seiner Entourage darstellt, wie er den Sultan um die Hand seiner Tochter bittet. Der Auftraggeber ist das venezianische Hotel Terminus, das die Gemälde für den Speisesaal vorsieht. Das vorliegende Gemälde wurde von dem venezianischen Antiquar Ciacomo Capellin erworben. Es wurde in seinem Repräsentationssaal in dem Renaissance Palazzo Da Mula in Murano gehängt (siehe Foto).Das Museum im C’a Pesaro Palast in Venedig besitzt heute 6 von den 12 Gemälden, so dass nur noch die übrigen 6, von denen wir hier eines anbieten dürfen, in Privatsammlungen verbleiben.

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LOTTE LASERSTEIN

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Description: LOTTE LASERSTEIN(East Prussia 1898 - 1993 Kalmar)Portrait of a woman. 1956.Pastel on paper.Dedicated, signed and dated lower left: Für meine D... mit Dank für treue Hilfe: Lotte Laserstein November 56.57.8 x 45 cm.Provenance: Private collection, Switzerland (a gift from the artist). --------------- LOTTE LASERSTEIN(Ostpreussen 1898 - 1993 Kalmar)Porträt einer Frau. 1956.Pastell auf Papier.Unten links gewidmet, signiert und datiert: Für meine D... mit Dank für treue Hilfe: Lotte Laserstein November 56.57,8 x 45 cm.Provenienz: Privatsammlung Schweiz (Geschenk der Künstlerin).

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LOTTE LASERSTEIN

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Description: LOTTE LASERSTEIN(East Prussia 1898 - 1992 Kalmar)Portrait of a child. 1975.Pastel on paper.Signed and dated lower right: Lotte Laserstein 1975.39.7 x 29.7 cm.Provenance: Private collection, Switzerland (a gift from the artist). --------------- LOTTE LASERSTEIN(Ostpreussen 1898 - 1993 Kalmar)Porträt eines Kindes. 1975.Pastell auf Papier.Unten rechts signiert und datiert: Lotte Laserstein 1975.39,7 x 29,7 cm.Provenienz: Privatsammlung Schweiz (Geschenk der Künstlerin).

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LOTTE LASERSTEIN

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Description: LOTTE LASERSTEIN(East Prussia 1898 - 1993 Kalmar)Portrait of a woman.Pastel on paper.Signed lower left: Lotte Laserstein.42.3 x 34.4 cm.Provenance: Private collection, Switzerland (a gift from the artist).Lotte Laserstein was born in 1898 in Preussisch-Holland (now Paslek Poland). In 1927 she was one of the first women to study painting at the Akademische Hochschule der Bildenden Künste in Berlin. Within a very short period of time she succeeded in establishing herself as an important portrait painter in the Weimar Republic. Her central motif is the representation of modern and self-assured women. Laserstein’s early work is of the Neue Sachlichkeit style. She breaks, however, with mask-like, lifeless and anonymous depictions of her contemporaries, in that she lends individuality to each of her figures. When the National Socialists came to power, Laserstein, being of Jewish origin, was obliged to emigrate to Sweden. After initial difficulties in gaining a foothold as an artist in her new home, she finally succeeded in establishing herself as a portrait and landscape painter. Her style changed gradually, however, as she adapted to the art market of the time. Her central motif, though, remained the depiction of female figures. The present work, which was produced during her time in Sweden, shows the portrait of a woman in a mood of quiet melancholy, looking absently into the distance, lost in thought. The soft and delicate pastel tones underscore the delicacy of the female face, with the effect of the sitter being characteristically withdrawn. This barely tangible delicacy is countered with the clear contours around the face and hair, which bring the sitter back into reality and lend her presence. The works by Lotte Laserstein offered here at auction (including at Koller West) all come from the same private collection. The grandmother of the owner was a close friend of the artist and was in close contact with the whole family, with Laserstein being the Godmother of the mother of the current owner. The personal connection is further emphasised by the dedications on the drawings. --------------- LOTTE LASERSTEIN(Ostpreussen 1898 - 1993 Kalmar)Porträt einer Frau.Pastell auf Papier.Unten links signiert: Lotte Laserstein.42,3 x 34,4 cm.Provenienz: Privatsammlung Schweiz (Geschenk der Künstlerin).Lotte Laserstein wird 1898 in Preussisch-Holland geboren. Sie studiert 1927 als eine der ersten Frauen Malerei an der Akademischen Hochschule der Bildenden Künste in Berlin. Innerhalb kürzester Zeit gelingt es ihr, sich als eine bedeutende Bildnismalerin der Weimarer Republik zu etablieren. Ihr zentrales Motiv ist die Inszenierung moderner und selbstbewusster Frauen. Lasersteins Frühwerk wird der Neuen Sachlichkeit zugeordnet. Sie bricht aber mit den maskenhaften, leblosen und anonymen Darstellungen ihrer Zeitgenossen, indem sie jeder ihrer Figuren Individualität verleiht. Die Machtübernahme durch die Nationalsozialisten zwingt Laserstein, die jüdischer Herkunft war, nach Schweden zu emigrieren. Nach anfänglichen Schwierigkeiten in ihrer neuen Heimat als Künstlerin Fuss zu fassen, gelingt es ihr schliesslich, sich als Porträt- und Landschaftsmalerin einen Namen zu machen. Ihr Stil verändert sich jedoch allmählich durch das Anpassen an die aktuellen Kunstströmungen. Ihr zentrales Motiv bleibt aber die Darstellung von weiblichen Figuren. Das vorliegende Werk, das während ihrer Zeit in Schweden entstanden ist, zeigt das Porträt einer Frau, die in ruhiger Melancholie und mit leerem Blick gedankenverloren in die Ferne sieht. Die weichen und zarten Pastelltöne unterstreichen die Zartheit des weiblichen Gesichts und lassen die Porträtierte in eigentümlicher Weise zurücktreten. Die zur Auktion angebotenen Werke von Lotte Laserstein (auch in Koller West) stammen alle aus derselben privaten Sammlung. Die Grossmutter des Eigentümers war eine enge Freundin der Künstlerin, welche einen engen Kontakt zur gesamten Familie pflegte. Unter anderem war Laserstein die Patentante der Mutter des jetzigen Besitzers. Der private Bezug wird durch die Widmungen auf den Zeichnungen nochmals unterstrichen.

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GABRIELE MÜNTER

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Description: GABRIELE MÜNTER(Berlin 1877 - 1962 Murnau)Vereiste Strasse. 1911.Oil on board.On the reverse with the estate stamp.34.9 x 40.5 cm.This work will be included in the Catalogue raisonné of paintings by Gabriele Münter, published by the Gabriele Münter and Johannes Eichner Foundation.Provenance: - Galerie Gunzenhauser, Munich.- Private collection, Germany (bought in the 70s at the gallery above).After the early death of her parents, her first private drawing classes in Dusseldorf, and a two-year stay in America, Gabriele Münter moved to Munich in 1901. As it was forbidden at that time for women to study at a public art academy, the young emancipated woman first entered the school of the association of female artists (Künstlerinnen-Verein) and later a private art school called the “Phalanx”, where Kandinsky was first her teacher and, a short time later, her lover. Münter and Kandinsky travelled to many different places and their painterly style was strongly influenced by their nascent relationship with the Fauves. In her journal Münter wrote: “Ich habe da nach kurzer Zeit der Qual einen großen Sprung gemacht – vom Naturabmalen – mehr oder weniger impressionistisch – zum Fühlen des Inhaltes, zum Abstrahieren – zum Geben des Extraktes.” (A. Hoberg (Ed.), Wassily Kandinsky und Gabriele Münter in Murnau und Kochel, 1902-1914. Briefe und Erinnerungen, Munich 1994, pp. 45f.) Landscape played a central role in Münter’s work, is one of the artist’s most popular subjects, and was also her personal favourite. She covered the most varied range of landscapes, experimented with colours, light and types of weather, and so created a palette of the most diverse works. In her painting Münter concentrated on sharp forms and contours, ignoring the detail and reducing the landscape to its essential simplicity. The paintings consist of colour planes, which interact harmoniously. They depict concrete, yet abstracted landscapes. The flat compositions, the absence of shadow, and the framing of individual planes are Münter‘s stylistic devices, in which the present painting is unequalled. The central barren tree is a motif which Münter made use of in several works. In “Vereiste Strasse” she places the trunk in the centre of the picture. The leafless branches rise up in the red sky. The snow lies on the meadow and is punctuated with isolated patches of green grass, not yet or no longer covered in snow. The title of the painting is evident from the icy blue of the street. Our painting “Vereiste Straße” from 1911 was produced within the context of a series of winter pictures (paintings and drawings) from the winter of 1910/1911, which with the sparing quality of the pictorial material and dominance of the line, mark a change in style, which is clearly distinct from the pictures of 1910 with their contoured areas of colour. The contour line seems to have become independent, and to have taken control of the picture. In this painting the dark outer line still marks the contours of the colour areas, but the line frees itself from this role and gains autonomy as a graphic element. “Whoever looks carefully at my paintings, there they will find the draughtsman” wrote Gabriele Münter looking back in 1952. What is notable in this composition is how Münter succeeded in causing the corporeality of the areas of colour to recede and the lines, with their graphic function, to come to the fore. In this way, individual pictorial motifs are established as stable components of her pictures. Together with other important Expressionist painters such as Franz Marc and of course Kandinsky, she is one of the founding members of the Munich Blaue Reiter group. Although Münter was at the centre of the Blaue Reiter, she never took up the development towards abstraction, but remained within a painting style which is abstracted, but still figurative. In December 1911 the first Blaue Reiter exhibition (“Die erste Ausstellung der Redaktion der Blauen Reiter”) opened, showing around 43 works by 14 artists, of which 5 were by Münter. The painting presented at auction here was produced in the same year. A second, somewhat larger example, was part of this unique exhibition and thereby underlines the importance of our “Vereiste Strasse”. --------------- GABRIELE MÜNTER(Berlin 1877 - 1962 Murnau)Vereiste Strasse. 1911.Öl auf Malkarton.Verso mit Nachlassstempel.34,9 x 40,5 cm.Dieses Werk wird in das von der Gabriele Münter- und Johannes Eichner-Stiftung herausgegebene Werkverzeichnis der Gemälde von Gabriele Münter aufgenommen.Provenienz: - Galerie Gunzenhauser, München. - Privatbesitz Deutschland (in den 70er Jahren bei obiger Galerie erworben).Nach dem frühen Tod der Eltern, erstem privatem Zeichenunterricht in Düsseldorf und einem zweijährigen Aufenthalt in Amerika zieht Gabriele Münter 1901 nach München. Da es Frauen zu dieser Zeit verboten ist, an einer öffentlichen Kunstakademie zu studieren, tritt die emanzipierte junge Frau zuerst in die Schule des Künstlerinnen-Vereins ein und später in die Privatkunsthochschule Phalanx, wo Kandinsky zuerst ihr Lehrer und kurze Zeit später schliesslich ihr Geliebter wird. Münter und Kandinsky reisen an viele verschiedene Orte und ihr malerischer Stil wird durch die dabei entstehenden Kontakte zu den Fauves stark geprägt. In ihrem Tagebuch schreibt Münter: „Ich habe da nach kurzer Zeit der Qual einen großen Sprung gemacht – vom Naturabmalen – mehr oder weniger impressionistisch – zum Fühlen des Inhaltes, zum Abstrahieren – zum Geben des Extraktes.“ (A. Hoberg (Hrsg.), Wassily Kandinsky und Gabriele Münter in Murnau und Kochel, 1902-1914. Briefe und Erinnerungen, München 1994, S. 45f.) Die Landschaft spielt in Münters Werk eine zentrale Rolle, gehört zu den beliebtesten Themen der Künstlerin und ist auch ihr persönliches Lieblingssujet. Sie variiert verschiedenste Landschaften, experimentiert mit Farben, Licht und Wetterlagen und schafft so eine Palette unterschiedlicher Werke. Münter konzentriert sich bei ihrer Malerei auf scharfe Formen und Konturen, wobei sie das Detail ignoriert und die Landschaft auf ihre Einfachheit hin reduziert. Die Gemälde bestehen aus farbigen Flächen, die harmonisch zusammenspielen. Sie geben zwar gegenständliche, jedoch abstrahierte Landschaften wieder. Die flachen Kompositionen, die Abwesenheit von Schatten sowie die Umrandung der einzelnen Flächen sind Stilmittel Münters, für welche das vorliegende Gemälde beispiellos ist. Der zentrale, karge Baum ist ein Motiv, von welchem Münter in mehreren Werken Gebrauch macht. In „Vereiste Strasse“ setzt sie den Stamm in das Zentrum des Bildes. Die blätterlosen Äste ragen breit in den roten Himmel. Der Schnee liegt auf der Wiese und wird unterbrochen von einzelnen grünen Grasflecken, die noch nicht oder nicht mehr von Schnee bedeckt sind. Der Titel des Gemäldes wird durch das eisige Blau der Strasse deutlich. Unser Gemälde „Vereiste Straße“ von 1911 entsteht im Rahmen einer Reihe von Winterbildern (Gemälde und Zeichnungen) im Winter 1910/1911, die durch ihre Kargheit der Bildmittel und Dominanz der Linie einen Stilwechsel markieren, der sich von den durch konturierte Farbflächen zusammengesetzten Bildern von 1910 deutlich unterscheidet. Die konturierende Linie scheint sich zu verselbständigen und die Führung im Bild zu übernehmen. Auch hier im Gemälde bildet die dunkle Umrisslinie die Kontur der Farbfelder, jedoch löst sich die Linie von dieser Aufgabe und gewinnt eine zeichnerische Autonomie. „Wer aufmerksam meine Gemälde betrachtet, der findet in ihnen den Zeichner“ schreibt Gabriele Münter 1952 rückblickend. Bemerkenswert in dieser Komposition ist wie es Münter gelingt, die Körperhaftigkeit der Farbflächen zurück treten zu lassen und die Linie in ihrer zeichnerischen Funktion in den Vordergrund zu rücken. Dabei etablieren sich einzelne Bildmotive als feste Bestandteile ihrer Bilder.Zusammen mit anderen wichtigen Malern des Expressionismus wie Franz Marc und natürlich Kandinsky gehört sie zu den Gründungsmitgliedern des in München entstandenen Blauen Reiters. Auch wenn Münter zum Kern der Blauen Reiter gehört, greift sie nie die völlige Entwicklung zur Abstraktion auf, sondern bleibt bei der zwar abstrahierten, jedoch figurativen Malerei. Im Dezember 1911 eröffnet deren erste Ausstellung „Die erste Ausstellung der Redaktion der Blauen Reiter“, welche rund 43 Werke von 14 Künstlern zeigt, davon fünf von Münter. Das zur Auktion angebotene Gemälde entsteht im selben Jahr. Ein zweites, etwas grösseres Exemplar unseres Werks war Teil dieser einzigartigen Ausstellung und unterstreicht somit die Wichtigkeit unserer „Vereisten Strasse“.

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MAURICE DENIS

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Description: MAURICE DENIS(Granville1870 - 1943 Saint-Germain-en-Laye)Vue de la Villa Balestra. 1928.Oil on canvas.Signed and dated lower right: MAV. DENIS 28.40 x 56 cm.This work will be included in the Catalogue raisonné edited by Claire Denis and Fabienne Stahl, under the number 928.0025.Provenance:- Estate of the artist.- Bernadette Denis, Saint-Germain-en-Laye.- Dr. Robert Duroquet, Septeuil.- Christie's London, Duroquet Collection, 28 Novemer 1972, lot 154.- Galerie Kurt Meissner, Zurich.- Private collection, Switzerland (bought at the above gallery).Exhibitions:- Paris 1929, Maurice Denis. Galerie Druet, no. 19.- Paris 1930, Peintres actuels. Galerie Charpentier, no. 25.- Paris 1933, Maurice Denis. Galerie Charpentier, no. 19.- Paris 1941, Maurice Denis. Galerie Carré, no. 21.- Zurich 1973, Galerie Kurt Meissner.Villa Balestra is on the Via Flamina in Rome, slightly above Villa Strohl Fern, which belonged to the French state and where studios were made available to artists. In 1928 Maurice Denis was on one of his many journeys to the capital city of Catholicism which he held in such high esteem. There is a preparatory drawing of this view in Maurice Denis’ sketch book. It beautifully exemplifies his style of working. He did not always convert these sketches into paintings on the spot, but often worked on them in his studio in Saint-Germain-en-Laye. For Denis, who is also considered the most consistent of all the Nabis, the direct rendering of what was seen, was not essential in any case. Throughout his life he adhered to the principles of this artist group, which we can see in the typical two-dimensionality of this fine landscape. --------------- MAURICE DENIS(Granville 1870 - 1943 Saint-Germain-en-Laye)Vue de la Villa Balestra. 1928.Öl auf Leinwand.Unten rechts signiert und datiert: MAV. DENIS 28.40 x 56 cm.Dieses Werk wird in den von Claire Denis und Fabienne Stahl vorbereiteten Catalogue raisonné aufgenommen, unter der Nummer 928.0025.Provenienz: - Nachlass des Künstlers. - Bernadette Denis, Saint-Germain-en-Laye.- Dr. Robert Ducroquet, Septeuil. - Christie's London, Duroquet Collection, 28. November 1972, Los 154.- Galerie Kurt Meissner, Zürich.- Privatbesitz Schweiz (1973 bei obiger Galerie erworben).Ausstellungen: - Paris 1929, Maurice Denis. Galerie Druet, Nr. 19.- Paris 1930, Peintres actuels. Galerie Charpentier, Nr. 25.- Paris 1933, Maurice Denis. Galerie Charpentier, Nr. 19.- Paris 1941, Maurice Denis. Galerie Carré, Nr. 21.- Zürich 1973, Galerie Kurt Meissner.Die Villa Balestra befindet sich in Rom, an der Via Flamina, etwas oberhalb der Villa Strohl Fern, welche dem französischen Staat gehört und Künstlern Ateliers zur Verfügung stellt. 1928 befindet sich Maurice Denis auf einer seiner zahlreichen Reisen zur Hauptstadt des von ihm so hochgehaltenen Katholizismus.Von dieser Ansicht gibt es eine Vorzeichnung in einem Skizzenbuch von Maurice Denis. Diese veranschaulicht seine Arbeitsweise sehr schön. Er hat nicht immer unmittelbar vor Ort diese Skizzen in Gemälde umgesetzt, sondern arbeitet oft in seinem Atelier in Saint-Germain-en-Laye. Die direkte Wiedergabe des Gesehenen ist für ihn, den man auch als den konsequentesten aller Nabis bezeichnet, ohnehin nicht entscheidend. Er hält zeit seines Lebens an den Prinzipien der Künstlergruppe fest, was man an der typischen, flächigen Darstellungsweise dieser schönen Landschaft gut erkennen kann.

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FRANÇOIS GALL

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Description: FRANÇOIS GALL(Kolozsvar 1912 - 1987 Paris)Promenade des familles sur le Pont des Arts vers l'Institut de France. 1947-49.Oil on canvas.Signed and indicated lower left: F. Gall Paris.16 x 21.9 cm.The authenticity of the work has been confirmed by Marie-Lize Gall, September 2016.Provenance: - Koller Auctions Zurich, June 1995, lot 3085.- Private collection, Switzerland. --------------- FRANÇOIS GALL(Kolozsvar 1912 - 1987 Paris)Promenade des familles sur le Pont des Arts vers l'Institut de France. 1947-49.Öl auf Leinwand.Unten links signiert und bezeichnet: F. Gall Paris.16 x 21,9 cm.Die Authentizität dieses Werkes wurde von Marie-Lize Gall bestätigt, September 2016. Provenienz:- Koller Auktionen Zürich, Juni 1995, Los 3085.- Privatsammlung Schweiz

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JEAN-LOUIS FORAIN

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Description: JEAN-LOUIS FORAIN(Reims 1852 - 1931 Paris)Scène de tribunal. Circa 1910-20.Oil on canvas.Monogrammed lower left: f.54 x 65 cm.The authenticity of the work has been confirmed by Florence Valdes-Forain, Paris, October 2016.Provenance:- Private collection, Switzerland.- Koller Auctions, 19 September 2005, lot 6483.- Private collection, Switzerland (bought at the above auction).The French artist Jean-Louis Forain studied for a short time at the École des Beaux-Arts and in 1870 went as a pupil to the atelier of André Gill. In his painting he concentrated on everyday scenes of middle class life. An important contact which was to influence his painting style, was his friendship with Degas. They shared an interest in the ballet and the opera and these subjects accompanied both artists throughout their careers. Forain was also known for his political satires, which were published in newspapers and magazines, so that he became known in society. A further important personality who impressed Forain, was Honoré Daumier, through whom Forain eventually found his way to depicting scenes from the law courts. In 1902 he began to paint such court scenes, one of which is offered here at auction. Typical of these scenes is the strong contrast between light and dark, which can be clearly seen in the present painting. --------------- JEAN-LOUIS FORAIN(Reims 1852 - 1931 Paris)Scène du tribunal. Um 1910-20.Öl auf Leinwand.Unten links monogrammiert: f.54 x 65 cm.Die Authentizität dieses Werkes wurde von Florence Valdes-Forain bestätigt, Paris, Oktober 2016.Provenienz: - Privatsammlung Schweiz.- Koller Auktionen, 19. September 2005, Los 6483.- Privatsammlung Schweiz (an obiger Auktion erworben).Der französische Künstler Jean-Louis Forain studiert für kurze Zeit an der École des Beaux-Arts und begibt sich 1870 als Schüler in das Atelier von André Gill. Er konzentriert sich in seiner Malerei auf alltägliche Szenen des bürgerlichen Lebens. Eine wichtige Bekanntschaft, von dem Forains malerischer Stil beeinflusst wird, ist die Freundschaft zu Degas. Zusammen teilen sie das Interesse am Ballett und an der Oper, dieses Sujet begleitet beide Künstler durch ihre gesamte Karriere. Forain ist auch bekannt für seine politischen Satiren, die in Zeitungen und Zeitschriften veröffentlicht worden sind und durch die er sich einen Namen in der Gesellschaft gemacht hatte. Eine weitere wichtige Persönlichkeit, die Forain imponiert, ist Honoré Daumier, durch den Forain schliesslich zu den Gerichtsdarstellungen findet. 1902 beginnt er solche Gerichtsszenen zu malen, von denen wir hier eine anbieten dürfen. Typisch für diese Szenen ist der starke Kontrast von Hell und Dunkel sowie die zeichnerische Manier, die man beide sehr gut im vorliegenden Gemälde erkennen kann.

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MAURICE DE VLAMINCK

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Description: MAURICE DE VLAMINCK(Paris 1876 - 1958 Rueil-la-Gadelière)Marine. Circa 1937/38.Oil on canvas.Signed lower left: Vlaminck.65 x 81 cm.The authenticity of the work has been confirmed by the Wildenstein Institute, Paris, October 2016. Provenance: - Collection Scherz-Meister, Bern.- Private Collection, Bern (by descent to the present owner).Exhibitions:- Geneva 1958, Exposition Vlaminck. Musée de l'Athénée, 17 July - 11 September (with label on the reverse). - Bern 1961, Maurice de Vlaminck. Berner Kunstmuseum, 4 February - 3 April, no. 185 (with label on the reverse)."Je préfère la paine à la mer, je suis plus terrien que marin. La vue de la mer me plonge dans une angoisse profonde. La mer me fait peur et devant elle je me sens faible, chétif et impuissant. Son calme perfide et hypocrite ne me trompe pas, il semble cacher la jalousie et la hostilité qu’elle me témoigne" (Vlaminck, Paysage et personnage, 1953). Although Vlaminck was very afraid of the sea and its unpredictability, he liked dealing with it as a subject of his paintings. In fact, showing the sea in its wild and frightening state even seems to have provided a special allure to the artist.Maurice de Vlaminck is not unjustly called the "Fauve of Fauves", being the longest to follow the credo of the art group which emerged in 1905 and was only very short-lived. One can also recognise the impetuous line and vitality in his later works. He enjoyed using stormy scenes, and he was especially excited by the erupting sea caused by storm, as in this beautiful example. With great skill he manages to capture the fascinating play of light caused by the gloomy weather.However, the present "Marine", which was shown at two important exhibitions in Geneva and Bern shortly after the death of Vlaminck, shows an ambivalent mood. In comparison with other works, the sea seems relatively calm. The ships appear to have a fairly safe course. The medium-strong waves and the gulls flying above the scenery are in a movement which indicates a storm that has either passed or is still imminent. An additionally attractive feature in this work is the light of the sun or the moon glimmering on the horizon, which appears to be intensifying and lends a positive focus to the threatening scenery. --------------- MAURICE DE VLAMINCK(Paris 1876 - 1958 Rueil-la-Gadelière)Marine. Um 1937/38.Öl auf Leinwand.Unten links signiert: Vlaminck.65 x 81 cm.Die Authentizität dieses Werkes wurde vom Wildenstein Institut bestätigt, Paris, Oktober 2016.Provenienz: - Sammlung Scherz-Meister, Bern.- Privatsammlung Bern (durch Erbschaft an den heutigen Besitzer).Ausstellungen: - Genf 1958, Exposition Vlaminck. Musée de l'Athénée, 17. Juli - 11. September (verso mit Etikett). - Bern 1961, Maurice de Vlaminck. Berner Kunstmuseum, 4. Februar - 3. April, Nr. 185 (verso mit Etikett)."Je préfère la paine à la mer, je suis plus terrien que marin. La vue de la mer me plonge dans une angoisse profonde. La mer me fait peur et devant elle je me sens faible, chétif et impuissant. Son calme perfide et hypocrite ne me trompe pas, il semble cacher la jalousie et la hostilité qu’elle me témoigne" (Vlaminck, Paysage et personnage, 1953). Obwohl Vlaminck das Meer und seine Unberechenbarkeit so sehr fürchtet, wählt er es gerne als Sujet seiner Gemälde, ja es scheint gar ein besonderer Reiz, das Meer in seinem wilden und furchteinflössenden Zustand zu zeigen.Nicht zu Unrecht nennt man Maurice de Vlaminck den "Fauve des Fauves", da er dem Credo dieser 1905 entstandenen und nur sehr kurz existierenden Kunstgruppe am längsten folgt. Man erkennt auch in seinen späteren Werken diesen ungestümen Strich und die Vitalität. Gerne wählt er hierfür stürmische Ansichten, und wie in diesem schönen Beispiel reizt ihn das vom Sturm aufbrausende Meer besonders. Mit grosser Könnerschaft gelingt es ihm, das faszinierende Lichtspiel des düsteren Wetters einzufangen. Unsere hier angebotene "Marine", welche kurz nach dem Tod Vlamincks an zwei wichtigen Ausstellungen in Genf und Bern gezeigt worden ist, zeigt jedoch eine ambivalente Stimmung. Es stellt im Vergleich zu anderen Gemälden eine verhältnismässig ruhige See dar. Die Schiffe scheinen einen noch ziemlich sicheren Gang zu haben. Die mittelstarken Wogen und die über der Szenerie fliegenden Möven sind aber in einer Bewegung, die einen entweder zurückliegenden oder noch bevorstehenden Sturm andeutet. Sehr schön bei diesem Werk ist dabei ausserdem, dass sich das Licht am Horizont zu verdichten scheint, wo die Sonne oder der Mond am Horizont schimmert und der bedrohlichen Szenerie einen positiven Fokus gibt.

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MAURICE UTRILLO

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Description: MAURICE UTRILLO(Paris 1883 - 1955 Dax)Rue au Pré-Saint-Gervais. Circa 1921.Oil on board.Signed lower right: Maurice Utrillo V.45 x 59 cm.The authenticity of the work has been confirmed by the Comité Utrillo, Paris.Provenance: - Private collection, Paris.- Sotheby's New York, 12 November 1988, lot 369.- Kohn Bourg-en-Bresse, 13 June 1990, lot 159.- Private collection, Geneva.Literature: Pétridès, Paul: L'oeuvre complet de Maurice Utrillo, Paris 1962, vol. II, no. 927 (with ill.).The street scenes of Paris, urban canyons, streets of houses, alleyways and squares are the central themes of the self-taught Maurice Utrillo, born in 1883 in Paris as the son of the painter Suzanne Valladon. With an unknown father, Maurice received the name of the Spanish art critic Miguel Utrillo, who was officially appointed stepfather. As a young man, Utrillo first used painting as therapy against alcoholism until he discovered his great talent and passion therein. With broad brush strokes and thick application of paint, he captured the angular seclusion of the Parisian suburbs on the canvas. In order to achieve a higher degree of realism in his paintings, Maurice Utrillo frequently mixed sand and plaster into his paint. The red brick walls, coloured houses, and dominant linear features lend his works a strong formal rigour.Utrillo succeeded in capturing his city with virtuosity, perhaps not only due to his artistic talent, but also because he was a child of Montmartre. Many other important artists first moved to Paris as adults. Utrillo, on the other hand, had already spent his youth amongst the urban canyons, expressing them as geometrically structured images. The infamous establishments, the "variety show" amongst the bourgeois residential houses and small wooden shacks, are his world.As seen in the present work, he liked to enliven his street scenes by painting pedestrians. Important cornerstones in his life were the women: his grandmother, with whom he grew up, his wife Lucie, after whom he named his last residence, and probably the most important woman, his mother. The painter's deep attachment to his mother is expressed in his signature, "Maurice Utrillo V.", adding a "V." to his own name to clarify his affiliation with his mother. --------------- MAURICE UTRILLO(Paris 1883 - 1955 Dax)Rue au Pré-Saint-Gervais. Um 1921.Öl auf Karton.Unten rechts signiert: Maurice Utrillo V.45 x 59 cm.Die Authentizität dieses Werkes wurde vom Comité Utrillo, Paris, bestätigt.Provenienz: - Privatbesitz Paris.- Sotheby's New York, 12. November 1988, Los 369.- Kohn Bourg-en-Bresse, 13. Juni 1990, Los 159.- Privatbesitz Genf.Literatur: Pétridès, Paul: L'oeuvre complet de Maurice Utrillo, Paris 1962, Band II, Nr. 927 (mit Abb.).Die Strassenszenen von Paris, die Häuserschluchten, Strassenzüge, Gassen und Plätze sind das Lebensthema des autodidakten Maurice Utrillo, der 1883 in Paris als Sohn der Malerin Suzanne Valladon geboren wird. Da der Vater unbekannt ist, erhält Maurice den Namen des spanischen Kunstkritikers Miguel Utrillo, der offiziell zum Stiefvater ernannt wird. Zunächst dient dem jungen Mann die Malerei als Therapie gegen die Alkoholsucht, bis Utrillo darin tatsächlich seine grosse Begabung und Passion entdeckt. Mit breitem Pinselstrich und pastosem Farbauftrag bannt er die winkelige Abgeschiedenheit der Pariser Vororte auf die Leinwand. Um in seinen Gemälden einen höheren Realitätsbezug zu erreichen, mischt Maurice Utrillo der Farbe immer wieder Sand und Gips bei. Die roten Ziegelmauern, getönten Häuserwände und das dominierende Lineament verleihen seinen Werken eine starke formale Strenge. Utrillo gelingt es, seine Stadt auf virtuose Weise einzufangen, was wohl nicht nur an seinem künstlerischen Talent liegt, sondern auch daran, dass er ein Kind des Montmartre ist. Viele andere bedeutende Künstler zogen erst als Erwachsene nach Paris, Utrillo hingegen hat schon seine Jugend zwischen den Strassenschluchten verbracht, die er in geometrisch strukturierten Bildern einfängt. Die anrüchigen Etablissements, die "Tingeltangel" zwischen grossbürgerlichen Wohnhäusern und kleinen Holzbaracken sind seine Welt.Gerne malt er wie hier Passantinnen, um seine Strassenszenen zu beleben. Wichtige Eckpunkte in seinem Leben sind die Frauen: seine Grossmutter, bei der er aufgewachsen ist, seine Frau Lucie, nach der er sein letztes Wohnhaus benannt hat, und die wohl wichtigste Frau, seine Mutter. Die tiefe Verbundenheit zur Mutter drückt der Maler in seiner Signatur aus, "Maurice Utrillo V.", den eigenen Namen und ein V. ergänzend, um die Zugehörigkeit zu seiner Mutter zu verdeutlichen.

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GABRIELE MÜNTER

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Description: GABRIELE MÜNTER(Berlin 1877 - 1962 Murnau)Zigeunerwagen II. 1930.Oil on board.On the reverse with the estate stamp.37.7 x 45.7 cm.This work will be included in the Catalogue raisonné of paintings by Gabriele Münter, published by the Gabriele Münter and Johannes Eichner Foundation.Provenance: - Galerie Gunzenhauser, Munich.- Private collection, Germany (bought in the 70s at the gallery above).Placed directly in the centre of the picture, the door laid wide open, and with a second caravan part leaning against it, the emptiness and abandonment of the gypsy caravan arrests our attention. This very intense, suspenseful picture – intense in its composition, in the choice of colours and concept of space - marks a moment of change, from Münter’s period of wandering to a more peaceful, stable time in her life. The post war years in Scandinavia after her separation from Wassily Kandinsky, and the 1920s, which saw frequent relocation and a prolonged solitude, had left Gabriele Münter deeply unsettled. In this period, it was above all her drawings – fluid portrait drawings of “pure line” – as well as the familiar motif of the Murnau Alpine foothills, to which she returned again and again – which kept her grounded. A longer stay in Paris in 1929 /1930 with Johannes Eichler, her second companion, lent a new impulse to her creative work. In the same year she travelled again to the South of France. Here too she worked constantly with pencil and oil, and was inspired by the landscape and life of the South of France. In terms of quality and quantity, her painting during this period in France at the beginning of the 1930s, saw a great upturn. She fought again for her pictorial style, swung between the tendencies of “Neue Sachlichtkeit” and expressionism, freed herself again and again from perspective, sought the simplification of form and volume with contoured areas of colour. In the work “Zigeunerwagen II” this struggle is tangible. The restless, short brush strokes lend the picture a strong dynamic, which is heightened by the ground colour glistening through, and the permeability of the paint. The eschewal of perspective in the composition strengthens the presence of the individual pictorial elements, dovetails them, releases the individual areas of colour from their intrinsic function and allows them to stand autonomously side by side. Of especial interest with “Zigeunerwagen II” is the choice of subject, the openness to experiment in subject matter, which had already been presaged in Münter’s time in Scandinavia. Thanks to the inspiration from her stay in France, her range of subjects had broadened again. Instead of the peaceful landscapes and still lifes, people and their direct environment became the pictorial subject matter. As with all experimentation in subject matter, in many of the pictorial elements there is nevertheless a return to Münter‘s own expressionistic tradition of the “Blauer Reiter” period. Not only the contours of the forms, but also the reduction in detail and the expression of objects in geometric terms, are tied into this pictorial language. --------------- GABRIELE MÜNTER(Berlin 1877 - 1962 Murnau)Zigeunerwagen II. 1930.Öl auf Malkarton.Verso mit Nachlassstempel.37,7 x 45,7 cm.Dieses Werk wird in das von der Gabriele Münter- und Johannes Eichner-Stiftung herausgegebene Werkverzeichnis der Gemälde von Gabriele Münter aufgenommen.Provenienz: - Galerie Gunzenhauser, München. - Privatbesitz Deutschland (in den 70er Jahren bei obiger Galerie erworben).Direkt in der Bildmitte geparkt, den Wagenverschlag weit offen und ein zweites Wagenelement dagegen gekippt, springt die Leere und Verlassenheit des Zigeunerwagens ins Auge. Dieses spannungsgeladene Bild – intensiv in der Komposition, in der Farbwahl und in der Raumauffassung – steht am Umbruch Münters eigenen Vagabundenzeit zu einem ruhigeren, beständigem Lebensabschnitt.Die Nachkriegsjahre in Skandinavien nach der Trennung von Wassily Kandinsky und die 20er Jahre mit häufigen Ortswechseln und einer anhaltenden Einsamkeit haben Gabriele Münter tief verunsichert. Halt geben ihr in dieser Zeit vor allem ihre Bleistiftzeichnungen sowie die vertrauten Motive der Murnauer Voralpenlandschaft, wohin es sie immer wieder zurückzieht. Ein längerer Aufenthalt in Paris 1929 /1930 mit Johannes Eichler, ihrem zweiten Lebensgefährten, verleiht ihrem Schaffen neue Impulse. Im gleichen Jahr reist sie nach Südfrankreich weiter. Auch hier arbeitet sie beständig mit Bleistift und Öl und lässt sich von der südfranzösischen Landschaft und dem Leben dort inspirieren. Qualitativ und quantitativ erfährt ihre Malerei durch die Zeit in Frankreich Anfang der 1930er Jahre einen großen Aufschwung. Sie kämpft erneut um ihre Bildsprache, schwankt zwischen neusachlichen Tendenzen und expressionistischem Ausdruck, befreit sich immer wieder vom perspektivischen Raum, sucht die Vereinfachung der Form und Dichte der konturenbetonten Farbflächen. In dem Werk „Zigeunerwagen II“ ist dieser Kampf spürbar. Der unruhige, kurze Pinselstrich verleiht dem Bild eine starke Dynamik, welche durch den durchschimmernden Malgrund des Kartons, die Durchlässigkeit der Farbe, erhöht wird. Der Verzicht auf eine perspektivische Bildkonstruktion verstärkt die Präsenz der einzelnen Bildelemente, verzahnt sie, löst die einzelnen Farbflächen von ihrer immanenten Funktion und lässt sie autonom nebeneinander erscheinen. Besonders interessant an „Zigeunerwagen II“ ist die Wahl des Sujets, die Experimentierfreude in der Wahl des Bildthemas, die sich schon in Münters Skandinavien Zeit angekündigt hatte. Durch die Inspirationen ihres Frankreichaufenthaltes hat sie die Palette der Bildthemen nochmals erweitert. Anstelle der ruhigen Landschaftsbilder und Stillleben werden die Menschen und ihr direktes Umfeld zum Bildgegenstand. Bei aller Experimentierfreude im Sujet, zeigt sich dennoch in vielen stilistischen Bildelementen Münters Rückbesinnung auf ihre eigene expressionistische Tradition aus der Zeit des „Blauen Reiters“. Nicht nur die Kontur der Formen, auch die Reduzierung aller Details und Geometrisierung der Objekte knüpft an diese Bildsprache an.

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PIERRE BONNARD

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Description: PIERRE BONNARD(Fontenay-aux-Roses 1867 - 1947 Le Cannet)Paysage, Arbres fruitiers. Circa 1909.Oil on paper mounted on canvas.With signature stamp lower left: Bonnard.48 x 62 cm.We thank Dr. Bettina Best for her scientific support.Provenance:- Estate of the artist.- Private collection, Paris.Literature:- Dauberville, Jean/Dauberville, Henry: Bonnard. Catalogue raisonné de l'oeuvre peint, vol. IV, 1940-47 et supplement, Paris 1974, vol. IV, no. 01949, p. 285 (with ill.).- Cahn, Isabelle: Bonnard. Peintre l'Arcadie. Exhib. cat., Musée d'Orsay, Paris 2015.From 1909, Bonnard travelled almost every year to the Midi. In June of 1909 he travelled to the Côte d’Azur for the first time. Fellow painter and friend Henri Manguin had invited him to Maleribes, today a suburb of St. Tropez. Bonnard and Manguin shared a passion for nature, landscape and colour. Bonnard returned again and again to St. Tropez, Grasse, Cannes and Le Cannet, until, in 1926, he bought himself a small house in the hills above Cannet with a view of the Mediterranean, which he christened “Le bosquet” (the wood grove). There he spent the best part of his twilight years until 1947.During Bonnard’s first visit to the Midi, he created the present painting of landscape, trees and fruit trees. This peaceful and light-filled place inspired Bonnard towards the glowing sensuousness and vitality of colour. The painter transformed himself into a magician of colour. His palette became lighter, the landscape became a lived environment of the open air, and his pictures captured that power of colours, which remain sharp and true: blue shadows, yellow meadows, orange leaves, intensely hued sky, ultimately replaced the hitherto muted palette of the Paris-based painter. In contrast to the pictures by his friend Henri Manguin, we can call Bonnard’s creations “constructed pictures”. These are spaces in which the imagination can unfold. In our painting, the framework of branches sinks into the darkness of the foliage to become a cooling blue dense mass – the external space of the garden contrasting with the internal space of the tree crown. Beneath the shady canopy, the path in the meadow becomes lost, its edge marked by the peasant woman bent over her work at the front edge of the picture. Thoughts may stroll along this path, becoming lost in the distance with sleepy daydreams in a sensuous garden paradise, where the golden orange radiates summer heat. In his typical way, the painter has divided the largescale landscape into various sections: the crowns of the trees, the background, a strangely abstract triangular form on the left edge of the picture, and a section rendered in loose brush strokes in the upper left corner. A street marks the limit of the sunny area of fields leading into the distance. On the other side, the red roofs of the houses of Maleribes gleam overhead, leading one’s gaze from the height of the hill of Villa Demière down and up again into the breadth of the sky: along the elevated horizon, our idyllic rustic garden marks the edge of this self-contained cosmos. The painter has depicted each section from a different vantage point. They stand together as in a collage, and, in an extraordinary way, they convey a total impression of a space, which certainly the human eye could encompass, but not the photographic lens. Bonnard himself called this compositional method an “adventure of the optic nerve”. In our picture, the spatial interlacing and ambiguous positioning of the various sections, run contrary to the ostensible impression of harmony. The subtle interplay of various spatial effects and nuanced colouring brings time to a halt in a moment of Arcadian fulfilment. The scene in our painting - landscape, trees and fruit trees - was depicted again by Bonnard in his work of almost the same dimensions – “Le Linge”. Jean und Henry Dauberville date this and our painting to the period around 1909. Both paintings come from the artist’s estate and are included in the supplement to the catalogue raisonné under numbers 01948 and 01949. --------------- PIERRE BONNARD(Fontenay-aux-Roses 1867 - 1947 Le Cannet)Paysage, Arbres fruitiers. Um 1909.Öl auf Papier, auf Leinwand aufgelegt.Unten links mit Stempelsignatur: Bonnard.48 x 62 cm.Wir danken Frau Dr. Bettina Best für die wissenschaftliche Unterstützung.Provenienz: - Nachlass des Künstlers. - Privatsammlung Paris. Literatur: - Dauberville, Jean/Dauberville, Henry: Bonnard. Catalogue raisonné de l'oeuvre peint, 1940-47 et supplement, Paris 1974, Bd. IV, Nr. 01949, S. 285 (mit Abb.).- Cahn, Isabelle: Bonnard. Peintre l'Arcadie. Ausst. Kat., Musée d'Orsay, Paris 2015.Bonnard fährt seit 1909 nahezu jährlich ins Midi. Im Juni desselben Jahres reist er zum ersten Mal an die Côte d’Azur. Sein Malerfreund Henri Manguin hat ihn nach Maleribes eingeladen, das heute ein Vorort von St. Tropez ist. Bonnard und Manguin teilen ihre Leidenschaft für die Natur, die Landschaft und die Farben. Bonnard kehrt immer wieder zurück nach St. Tropez, Grasse, Cannes und Le Cannet bis er sich 1926 ein kleines Haus in den Hügeln über Cannet mit Blick auf das Mittelmeer kauft, das er "Le bosquet", das Gehölz, tauft. Dort verbringt er bis 1947 weitgehend seinen Lebensabend.Während Bonnards erstem Besuch im Midi schafft er unser Gemälde "Paysage, Arbres fruitiers". Dieser ruhige und lichtvolle Ort inspiriert Bonnard zur glutvollen Sinnlichkeit vitaler Farben. Seine Palette hellt sich auf, die Landschaft avanciert zu einem Lebensraum im Freien und seine Bilder erhalten diese expressive Farbkraft, die herb und gehalten bleibt: blaue Schatten, gelbe Wiesen, orange Blätter und intensive Himmel lösen die bisher gedämpfte Palette des in Paris ansässigen Malers endgültig ab.Im Unterschied zu den Bildern des Freundes Henri Manguin kann man Bonnards Schöpfungen "gebaute Bilder" nennen. Sie sind Räume, in denen sich die Fantasie entfalten kann. Das Liniengerüst der Äste vertieft sich in unserem Gemälde im Dunkel des Laubs zu blau-kühlender Dichte – dem Außenraum des Gartens den Innenraum der Baumkrone entgegensetzend. Unter diesem schattigen Sonnendach verliert sich der Wiesenpfad, gesäumt von der über ihre Arbeit gebeugten Bäuerin am vorderen Bildrand. Auf ihm dürfen die Gedanken entlang spazieren, um sich in der Ferne in ihren trägen Tagträumen in einem paradiesischen Garten voller Sinnlichkeit zu verlieren, in dem das goldfarbene Orange sommerliche Hitze versprüht.In einer für ihn typischen Manier gliedert Bonnard die groß angelegte Landschaft in verschiedene Flächenkompartimente: die Baumkronen, den Hintergrund, eine seltsam abstrakte Dreicksform am linken Bildrand und ein mit lockerem Pinsel angelegtes Flächensegment in der linken oberen Bildecke. Eine Straße begrenzt den sonnigen Ort der in die Weite führenden Felder. Auf der anderen Seite leuchten die roten Dächer der Häuser Maleribes hinüber, die den Blick von der Höhe des Hügels der Villa Demière hinab und wieder hinauf in die Weite des Himmels führen: Am hochgelegenen Horizont rundet sich unser idyllischer Bauerngarten zu einem abgeschlossenen Kosmos.Jedes dieser Flächen-Kompartimente im Bild stellt der Maler aus einem anderen Blickwinkel dar. Sie stehen wie eine Kollage zusammen, und geben auf außergewöhnliche Weise den Gesamteindruck eines Raumes, wie er zwar vom menschlichen Auge, nicht aber von einer Fotolinse erfasst werden kann. Bonnard selbst nannte diese Kompositionsweise ein "Abenteuer des optischen Nervs". Die räumlichen Verschränkungen und unklaren Verortungen der diversen Flächenkompartimente konterkarieren in unserem Bild den Eindruck einer vordergründigen Harmonie. So bringt das subtile Zusammenspiel verschiedener Raumwirkungen und nuancierter Farbgebungen die Zeit im erfüllten arkadischen Augenblick zum Stillstand. Bonnard hat den Landschaftsprospekt unseres Gemäldes "Paysage, Arbres frutiers" noch einmal in seinem nahezu gleichgroßen Gemälde "Le Linge" dargestellt. Jean und Henry Dauberville datieren es zusammen mit unserem Gemälde in die Zeit um 1909. Beide Gemälde stammen aus dem Nachlass des Künstlers und sind im Supplementband des Werkverzeichnisses unter Nr. 01948 und Nr. 01949 aufgeführt.

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WALTER JACOB

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Description: WALTER JACOB(Altenburg 1893 - 1964 Hindelang)Landscape. 1923.Oil on board.Monogrammed and dated lower left: W.J.23.71 x 99 cm.The authenticity of the work has been confirmed by Stefan Pigur, September 2016.Provenance:- Private collection, Switzerland.- Private collection, Geneva.The German Expressionist Walter Jacob found joy in art early on in life and began to draw at a young age. For Jacob the desire to become an artist was so strong that he broke off three different apprenticeships. This resulted in financial difficulties, which he was only able to survive by means of odd jobs and commissions. Since he could not afford oil paints at that time, he mainly produced drawings. During the First World War, Jacob volunteered for service, but was then injured, which led to a lengthy convalescence in the military hospital. Once the war ended, he began his studies at the Dresden Academy and took part in several exhibitions, where he made contact with Kokoschka and Dix. The two paintings presented here were produced in 1923. Jacob spent the winter of that year in Oberaudorf, in the Bavarian pre-Alps, where he turned away from city life. Whereas his previous subjects had primarily dealt with the war, the city and the Passion of Christ, his expressive painting from that time focuses on the landscape there and is characterised by a blue-green palette. --------------- WALTER JACOB(Altenburg 1893 - 1964 Hindelang)Landschaft. 1923.Öl auf Karton.Unten links monogrammiert und datiert: W.J.23.71 x 99 cm.Die Authentizität dieses Werkes wurde von Stefan Pigur bestätigt, September 2016.Provenienz: - Privatsammlung Schweiz.- Privatsammlung Genf.Der deutsche Expressionist Walter Jacob findet schon früh Freude an der Kunst und beginnt bereits in jungen Jahren zu zeichnen. Der Drang Künstler zu werden ist bei Jacob so stark, dass er drei verschiedene Lehren abbricht. Die Folgen davon sind finanzielle Schwierigkeiten, mit denen er sich durch vereinzelte Auftragsarbeiten nur knapp über Wasser halten kann. Da er sich keine Ölfarben leisten kann, entstehen vorerst überwiegend Zeichnungen. Während des ersten Weltkriegs meldet sich Jacob freiwillig zum Dienst, wird dann aber verletzt, was zu einer längeren Genesungszeit im Lazarett führt. Sobald der Krieg zu Ende ist, beginnt er an der Dresdner Akademie zu studieren und nimmt an einigen Ausstellungen teil, wo er Kontakte zu Kokoschka und Dix knüpft. Die vorliegenden zwei Gemälde entstehen 1923. Jacob verbringt den Winter dieses Jahres in Oberaudorf in den bayerischen Voralpen, wo er sich vom Grossstadtleben abwendet. Während er zuvor hauptsächlich den Krieg, die Stadt und die Passion Christi darstellt, konzentriert sich seine expressive Malerei diesmal auf die Landschaft Oberaudorfs und ist geprägt von einer blau-grünen Farbpalette.

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WALTER JACOB

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Description: WALTER JACOB(Altenburg 1893 - 1964 Hindelang)Landscape. 1923.Oil on board.Monogrammed and dated lower left: W.J.23.71 x 99 cm.The authenticity of the work has been confirmed by Stefan Pigur, September 2016.Provenance:- Private collection, Switzerland.- Private collection, Geneva. --------------- WALTER JACOB(Altenburg 1893 - 1964 Hindelang)Landschaft. 1923.Öl auf Karton.Unten links monogrammiert und datiert: W.J.23.71 x 99 cm.Die Authentizität dieses Werkes wurde von Stefan Pigur bestätigt, September 2016.Provenienz: - Privatsammlung Schweiz.- Privatsammlung Genf.

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GABRIELE MÜNTER

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Description: GABRIELE MÜNTER(Berlin 1877 - 1962 Murnau)Rotes Moos. 1959.Oil on board.Signed and dated lower left: Münter 59.33 x 41 cm.This work will be included in the Catalogue raisonné of paintings by Gabriele Münter, published by the Gabriele Münter and Johannes Eichner Foundation.Provenance:- Galerie Gunzenhauser, Munich.- Private collection, Germany (bought in the 70s at the gallery above).The work “Rotes Moos”, which Münter painted in her mature later period, consists of areas of colour harmoniously brought together. They depict a concrete, yet strongly abstracted landscape. Münter felt much more committed to the “concept of nature” than to abstraction, and found in the flat composition of the mountainous landscape, the absence of shadow and the contouring of individual areas, a fitting stylistic device, which is brought to bear splendidly in the present painting. In her late work, Gabriele Münter consistently used motifs from the Blauer Reiter period. Thus, we are struck by how close “Rotes Moos” is in composition and colour to the painting “Seelandschaft mit drei Kugelbäumen” circa 1909. The blue mountain chain looms in the upper half of the picture and only appears to be separated from the green of the fields in the foreground by the red horizontal band of moss. The lack of spatial depth is replaced by the dominant colouring, so that the (dark) contours of the landscape elements are used only in a very targeted way. In many cases the areas of colour are placed directly alongside one another, or they are separated by the shimmering ground colour. “Rotes Moos” reverberates splendidly with Münter’s art and skill, whereby the radical position of her early years has yielded to an inner harmony, which in the luminosity and interplay of colours gives witness to an intensity, which characterises Münter’s work in her best years. --------------- GABRIELE MÜNTER(Berlin 1877 - 1962 Murnau)Rotes Moos. 1959.Öl auf Malkarton.Unten links signiert und datiert: Münter 59.33 x 41 cm.Dieses Werk wird in das von der Gabriele Münter- und Johannes Eichner-Stiftung herausgegebene Werkverzeichnis der Gemälde von Gabriele Münter aufgenommen.Provenienz: - Galerie Gunzenhauser, München. - Privatbesitz Deutschland (in den 70er Jahren bei obiger Galerie erworben).Das Gemälde „Rotes Moos“, welches Münter in der reifen Spätphase ihres Lebens malt, besteht aus farbigen Flächen, die harmonisch zusammenspielen. Sie geben eine gegenständliche, jedoch stark abstrahierte Landschaft wieder. Anstatt der Abstraktion, fühlt sich die Künstlerin vielmehr dem „Naturvorbild“ verpflichtet und findet in der flachen Komposition der Berglandschaft, der Abwesenheit von Schatten sowie der Konturierung einzelner Flächen adäquaten Stilmittel, die im hier vorliegenden Gemälde meisterhaft zum Tragen kommen.Immer wieder greift Gabriele Münter in ihrem Spätwerk Motive aus der Zeit des Blauen Reiters auf. So springt die kompositorische und koloristische Nähe von „Rotes Moos“ zu dem Gemälde „Seelandschaft mit drei Kugelbäumen“ um 1909, ins Auge. Die blaue Bergkette erhebt sich distanzlos in der oberen Bildhälfte und scheint nur durch das horizontale rote Band des Moos vom Grün der Felder im Vordergrund getrennt zu sein. Die fehlende Raumtiefe wird durch das dominante Kolorit ersetzt, wobei die (dunkle) Konturlinie der Landschaftselemente nur noch gezielt eingesetzt wird. In vielen Fällen grenzen die Farbflächen direkt aneinander oder werden durch den durchschimmernden Untergrund voneinander abgesetzt. Eine grandioser Nachhall auf Münters Kunst und Könnerschaft leuchtet in „Rotes Moos“ wieder auf, wobei die Radikalität der frühen Jahre einer inneren Harmonie gewichen ist, die in der Leuchtkraft und dem Spiel der Farben Zeugnis gibt von einer Intensität, die Münters Schaffen in den besten Jahren auszeichnet.

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MAURICE DE VLAMINCK

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Description: MAURICE DE VLAMINCK(Paris 1876 - 1958 Rueil-la-Gadelière)Rue de village.Oil on canvas.signed lower left: Vlaminck.46.5 x 55 cm.The authenticity of the work has been confirmed by the Wildenstein Institute, Paris, 15 september 2016. Provenance: Private collection, Switzerland.Exhibition: Geneva 1958, Vlaminck. Musée de l'Athénée, 17 July - 11 September (with label on the reverse).This painting was exhibited at the Retrospective of the work of Vlaminck at the Palais de l’Athenée in 1958. It shows a village scene – a very popular subject for the painter. Although this subject should evoke a sense of familiarity, the stormy scene conveys an upheaval typical of Vlaminck. The colour palette of the former Fauve painter has become increasingly dark, the themes more melancholy, and yet his vitality and expressive power are retained and are powerfully visible in all his works. --------------- MAURICE DE VLAMINCK(Paris 1876 - 1958 Rueil-la-Gadelière)Rue de village.Öl auf Leinwand.Unten links signiert: Vlaminck.46,5 x 55 cm.Die Authentizität dieses Werkes wurde vom Wildenstein Institut bestätigt, Paris, 15. September 2016.Provenienz: Privatbesitz Schweiz. Ausstellung: Genf 1958, Vlaminck. Musée de l'Athénée, 17. Juli - 11. September (verso mit Etikett).Dieses Gemälde wurde 1958 an der Retrospektive zu Vlaminck im Palais de l’Athenée gezeigt. Es gibt eine Dorfszene wieder, ein sehr beliebtes Sujet des Malers. Obwohl dieses Thema Vertrautheit auslösen sollte, vermittelt die stürmische Szenerie das für Vlaminck immer schon typische Aufgewühltsein. Die Farbpalette des ehemaligen Fauves verdunkelt sich zunehmend, die Themen werden schwermütiger, und dennoch bleiben die Vitalität und die grosse Ausdruckkraft stets erhalten und sind auf beeindruckende Weise in all seinen Werken erkennbar.

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JACQUELINE MARVAL

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Description: JACQUELINE MARVAL(Quaix-en-Chartreuse 1866 - 1932 Paris)La couture. Circa 1912.Oil on canvas.Signed lower left: Marval81 x 54 cm.The authenticity of the work has been confirmed by Raphael Roux, Paris, October 2016.Provenance:- Galerie Druet, Paris (with label on the reverse).- Private collection, Switzerland. --------------- JACQUELINE MARVAL(Quaix-en-Chartreuse 1866 - 1932 Paris)La couture. Um 1912.Öl auf Leinwand.Unten links signiert: Marval.81 x 54 cm.Die Authentizität dieses Werkes wurde von Raphael Roux bestätigt, Paris, Oktober 2016.Provenienz: - Galerie Druet, Paris (verso mit Etikett). - Privatbesitz Schweiz.

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BRUNO SAETTI

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Description: BRUNO SAETTI(1902 Bologna 1984)Madre. 1956.Different techniques on canvas.Signed and dated lower right: Saetti 56.145 x 90 cm.Provenance: Private collection, Switzerland.Exhibition: Venice 1956, Dieci anni di pitura Italiana (Dal 1945 ad oggi). Biennale Internationale d'Arte di Venezia, June - October (with label on the reverse). --------------- BRUNO SAETTI(1902 Bologna 1984)Madre. 1956.Mischtechnik auf Leinwand.Unten rechts signiert und datiert: Saetti 56.145 x 90 cm.Provenienz: Privatsammlung Schweiz.Ausstellung: Venedig 1956, Dieci anni di pitura Italiana (Dal 1945 ad oggi). Biennale Internationale d'Arte di Venezia, Juni - Oktober (mit Etikett).

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IVAN GENERALIC

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Description: IVAN GENERALIC(Hlebine 1914 - 1992 Koprivnica)Four fishermen at the river. 1961.Oil behind glass.Signed and dated lower right: J. Gen 1961.44 x 63 cm.Provenance:- Galerie Bischofberger, Zurich. - Private collection, Zurich. --------------- IVAN GENERALIC(Hlebine 1914 - 1992 Koprivnica)Bauern mit Vieh und Fischer. 1961.Hinterglasmalerei.Unten rechts signiert und datiert: J. Gen 1961.46 x 63 cm.Provenienz: - Galerie Bischofberger, Zürich.- Privatbesitz Zürich.

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BERNARD BUFFET

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Description: BERNARD BUFFET(Paris 1928 – 1999 Tourtour)Nature morte à la fenêtre et au verre de fleurs. 1951.Mixed media on paper, laid on canvas.Signed and dated upper right: Bernard Buffet / 51.65 x 50 cmThe authenticity of the work has been confirmed by the Garnier gallery, Paris, May 2016. --------------- BERNARD BUFFET(Paris 1928 – 1999 Tourtour)Nature morte à la fenêtre et au verre de fleurs. 1951.Mischtechnik auf Papier, auf Leinwand aufgezogen.Oben rechts signiert und datiert: Bernard Buffet / 51.65 x 50 cm.Die Authentizität dieses Werkes wurde von der Galerie Garnier bestätigt, Paris, Mai 2016.

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JULIUS BISSIER

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Description: JULIUS BISSIER(Freiburg im Breisgau 1893 - 1965 Ascona)Ascona 3.2.62. 1962.Egg-oil-tempera on canvas.Signed, titled and dated lower left: Julius Bissier Ascona 3.2.62.19 x 22.5 cm.This work is registered in the Archivio Bissier Ascona under the number "Bldt.S.89/Diap.62/71".Provenance: Private collection, Switzerland.Exhibitions:- Documenta Kassel 1964.- Lausanne 1992, Galerie Alice Pauli. --------------- JULIUS BISSIER(Freiburg im Breisgau 1893 - 1965 Ascona)Ascona 3.2.62. 1962.Eiöltempera auf Leinen.Unten links signiert, betitelt und datiert: Julius Bissier Ascona 3.2.62.19 x 22,5 cm.Das Werk ist im Archivio Bissier unter der Nummer "Bldt.S.89/Diap.62/71" registriert. Provenienz: Privatbesitz Schweiz.Ausstellungen:- Documenta Kassel 1964.- Lausanne 1992, Galerie Alice Pauli.

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HANS ARP

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Description: HANS ARP(Strassbourg 1886 - 1966 Basel)Denkmal für eine Wolke und einen Fisch.Collage and gouache on paper mounted on board.71.5 x 41.5 cm.Provenance:- Collection Edouard Loeb, Paris- Collection Robert Koch, Zurich.- Private collection, Great Britain (by descent to the present owner).Exhibition: Saint-Etienne 1964, Cinquante ans de Collages. Papiers collés, assemblages, collages du Cubisme à nos jours. Musée d'art et d'idustrie Saint-Etienne, no. 49. --------------- HANS ARP(Strassbourg 1886 - 1966 Basel)Denkmal für eine Wolke und einen Fisch.Collage und Gouache auf Papier, auf Karton aufgelegt.71,5 x 41,5 cm.Provenienz:- Sammlung Edouard Loeb, Paris.- Sammlung Robert Koch, Zürich.- Privatsammlung Grossbritannien (durch Erbschaft an den heutigen Besitzer).Ausstellungen: Saint-Etienne 1964, Cinquante ans de Collages. Papiers collés, assemblages, collages du Cubisme à nos jours. Musée d'art et d'industrie Saint-Etienne, Nr. 49.

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JOAN MIRÓ

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Description: JOAN MIRÓ(Montroig, Barcelona 1893 - 1983 Palma de Mallorca)Untitled. 1930.Pencil on paper.Dated and signed on the reverse: 11.11.1930 Joan Miró.46 x 62 cm.Provenance: - Galerie Berggruen, Paris.- Waddington Galleries, London. - Forum Fine Art-Jacqueline Krotoschin, Zurich. - Private collection, Zurich.Literature: - Colombia, Victoria: Picasso-Miró. Miradas cruzadas, Electa, Madrid 1998 Pl. 82, p. 96.- Dupin, Jacques/Lelong-Mainaud Ariane: Joan Miró. Catalogue raisonné: Drawings 1901-1937, Paris 2008, vol. I, no. 348, p. 170-171 (with ill.).Miró saw through a fundamental change in style and temporary shift to the Surrealists in the 1920s. In this he was strongly influenced by Paul Klee’s works and the bold and organic forms of Hans Arp. Miró developed his own, somewhat naive and distinctive pictorial language, which is greatly imbued with symbols and figurative pictographs, and which make his painting so unique. Miró spent the summer and part of the autumn of 1930 in Spain in the town of Montroig. Here he created two contrasting series of works: one, a series of wooden sculptures and the other, a series of several pencil drawings, to which the present work on paper belongs. In a letter to his friend Sebastiá Gasch, Miró wrote: "I am working very hard, and it is a shame it won't be possible for me to show you all these sculptures... but on the other hand, you will see the very large series of drawings which will also be something very important". ( Joan Miró, Exh. Cat., New York, 1993, p. 328). The striking simplicity and purity of form are indicative not only of Miró’s talent in drawing, but also provide insight into the artistic genius. The surreal form is executed with a perfect stroke of the pencil and yet the effect of the drawing is light and carefree. The friendly face appears to smile at the viewer and reflects Miró’s wellbeing, having recently married his great love Pilar Juncosa. Often Miró chooses a restrained artistic approach in his works by reducing them to black forms and in this case concentrating on pencil. Many of the works in this series show female figures or couples. In the present work Miró’s popular and much-used symbols also reappear. The eye is a symbol of sexuality and desire, probably with reference to his wife. Equally the bird, which Miró sees as the mainspring of his creative potential. The lightness, which is lost in Miró’s later work with the outbreak of the Spanish civil war, lends our sheet a positive and carefree quality, which is characteristic of early Miró. --------------- JOAN MIRÓ(Montroig, Barcelona 1893 - 1983 Palma de Mallorca)Ohne Titel. 1930.Bleistift auf Papier.Verso datiert und signiert: 11.11.1930 Joan Miró.46 x 62 cm.Provenienz: - Galerie Berggruen, Paris.- Waddington Galleries, London. - Forum Fine Art-Jacqueline Krotoschin, Zürich. - Privatbesitz Zürich.Literatur: - Colombia, Victoria: Picasso-Miró. Miradas cruzadas, Electa, Madrid 1998, Pl. 82, S. 96.- Dupin, Jacques/Lelong-Mainaud, Ariane: Joan Miró. Catalogue raisonné: Drawings 1901-1937, Paris 2008, Bd. I, Nr. 348, S. 170-171 (mit Abb.).Den grundliegenden Stilwechsel und die vorübergehende Einordung zu den Surrealisten vollzieht Miró in den 20er Jahren. Stark beeinflusst wird er dabei von Paul Klees Arbeiten und von den schwungvollen und organischen Formen Hans Arps. Miró entwickelt seine eigene, etwas naive und unverkennbare Bildsprache, die weitgehend von Symbolen und figurativen Bildzeichen geprägt ist und die seine Malerei so einzigartig macht. Den Sommer und Teile des Herbsts 1930 verbringt Miró in Spanien in der Stadt Montroig. Hier schafft er zwei gegensätzliche Werkserien, zum einen eine Reihe von Holzplastiken und zum anderen eine Serie von mehreren Bleistiftzeichnungen, zu der auch die vorliegende Papierarbeit gehört. In einem Brief an seinen Freund Sebastiá Gasch schreibt Miró: „Ich arbeite sehr hart und es ist eine Schande, dass es mir nicht möglich sein wird, dir alle diese Skulpturen zu zeigen…aber auf der anderen Seite wirst du die sehr grosse Serie an Zeichnungen sehen, die ebenfalls von grosser Wichtigkeit sein wird“ (übers. Aus Joan Miró, Ausst. Kat., New York, 1993, S. 328). Die auffallende Einfachheit und die Reinheit der Formen zeigen nicht nur Mirós zeichnerisches Talent, sondern dienen auch als Einblick in das künstlerische Genie. Die surreale Form wird ausgeführt durch einen perfekten Bleistiftstrich und trotzdem wirkt die Zeichnung leicht und unbeschwert. Das freundliche Gesicht scheint den Betrachter anzulachen und reflektiert somit das Wohlbefinden Mirós, der kurz zuvor seine grosse Liebe Pilar Juncosa heiratet. Oft wählt Miró die gestalterischen Mittel seiner Arbeiten zurückhaltend. Hier reduziert er sie ausschliesslich auf die schwarzen Formen, in diesem Fall durch die Konzentration auf den Bleistift. Viele der Arbeiten dieser Zeichenserie zeigen weibliche Figuren oder Paare. In dem vorliegenden Werk finden sich auch beliebte und oft verwendete Symbole Mirós wieder. Das Auge ist ein Symbol für die Sexualität und das Begehren, wohl auf seine Frau bezogen. Ebenso der Vogel, welcher Miró als die Triebfeder seines schöpferischen Potentials sieht. Die Leichtigkeit, welche durch den Ausbruch des spanischen Bürgerkriegs in Mirós späterem Werk verloren geht, verleiht unserem Blatt einen positiven und unbeschwerten Charakter, von dem der frühe Miró geprägt ist.

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