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Auction Description for Koller: Postwar & Contemporary
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December Auctions 2016 Hardturmstrasse 102 & 121 8005 Zürich Google Maps Preview: Fri. 25 to Mon. 29 November 10am - 7pm daily Auctions: Wed. 30 November to Sat. 03 December

Postwar & Contemporary (87 Lots)

by Koller Auctions


87 lots with images

December 3, 2016

Live Auction

Zurich, Switzerland

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KIMBER SMITH

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Description: KIMBER SMITH(Boston 1922 - 1981 East Hampton)Untitled. 1960.Watercolour and gouache on paper.Monogrammed lower left: KS.66 x 50 cm.Provenance: Private collection Switzerland. --------------- KIMBER SMITH(Boston 1922 - 1981 East Hampton)Ohne Titel. 1960.Aquarell und Gouache auf Papier.Unten links monogrammiert: KS.66 x 50 cm.Provenienz: Privatsammlung Schweiz.

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KIMBER SMITH

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Description: KIMBER SMITH(Boston 1922 - 1981 East Hampton)Birdikon. 1979.Acrylic on canvas.Monogrammed lower centre: KS, also monogrammed, dated and titled on the reverse: KS 1979 BIRDIKON, furthermore with the measurements and a direction arrow.162 x 162 cm.Provenance: - Gallery Turske & Turske, Zurich.- Purchased from the above by the present owner, since then private collection Switzerland.Exhibition: 1984 Zurich, Kimber Smith. Arbeiten auf Leinwand und Papier von 1952 bis 1981. Galerie Knoedler, no. 24 (with colour ill.). --------------- KIMBER SMITH(Boston 1922 - 1981 East Hampton)Birdikon. 1979.Acryl auf Leinwand.Unten mittig monogrammiert: KS, sowie verso monogrammiert, datiert und betitelt: KS 1979 BIRDIKON, und mit den Massen und Richtungspfeil.162 x 162 cm.Provenienz:- Galerie Turske & Turske, Zürich.- Dort vom heutigen Besitzer erworben, seitdem Privatsammlung Schweiz.Ausstellung: 1984 Zürich, Kimber Smith. Arbeiten auf Leinwand und Papier von 1952 bis 1981. Galerie Knoedler, Nr. 24 (mit Farbabb.).

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FRANCIS BOTT

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Description: FRANCIS BOTT(Frankfurt a.M. 1904 - 1998 Cortivallo)Untitled. 1955.Mixed media on thin textured cardboard.Signed and dated lower left: Francis Bott 55.26 x 70 cm.Provenance: Private collection Germany. --------------- FRANCIS BOTT(Frankfurt a.M. 1904 - 1998 Cortivallo)Ohne Titel. 1955.Mischtechnik auf dünnem strukturiertem Karton.Unten links signiert und datiert: Francis Bott 55.26 x 70 cm.Provenienz: Privatsammlung Deutschland.

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FRANCIS BOTT

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Description: FRANCIS BOTT(Frankfurt a.M. 1904 - 1998 Cortivallo)Untitled.Gouache and oil on Japan.Signed and dated lower left: Francis Bott 63.42.5 x 60 cm.Provenance: Private collection Germany. --------------- FRANCIS BOTT(Frankfurt a.M. 1904 - 1998 Cortivallo)Ohne Titel. 1963.Gouache und Öl auf Japanpapier.Unten links signiert und datiert: Francis Bott 63.42,5 x 60 cm.Provenienz: Privatsammlung Deutschland.

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MARK TOBEY

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Description: MARK TOBEY(Centerville 1890 - 1976 Basel)Untitled. 1961.Gouache on firm paper.Monogrammed and dated lower right: MT 61.21 x 14.5 cm.Provenance: Formely collection of Molly and Walter Bareiss, Germany. --------------- MARK TOBEY(Centerville 1890 - 1976 Basel)Ohne Titel. 1961.Gouache auf festem Papier.Unten rechts monogrammiert und datiert: MT 61.21 x 14,5 cm.Provenienz: Ehemals in der Sammlung Molly und Walter Bareiss, Deutschland.

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GIUSEPPE SANTOMASO

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Description: GIUSEPPE SANTOMASO(1907 Venice 1990)Untitled. 1960.Gouache on paper, firmly laid down on wood.Signed and dated lower right: Santomaso 60.54.4 x 66.5 cm.This work is registered at the Archivio Giuseppe Santomaso, Galleria Blu, Milan, under the number: sct/1263. We thank Galleria Blu for their scientific advice.Provenance:- Galerie Im Erker, St. Gallen.- Collection Robert Koch, Zurich.- By descent to the present owner, since then privatly owned Great Britain.Exhibition: St. Gallen 1960, Santomaso. Galerie Im Erker, p. 11 (with ill.). --------------- GIUSEPPE SANTOMASO(1907 Venedig 1990)Ohne Titel. 1960.Gouache auf Papier, fest auf Holzplatte aufgelegt.Unten rechts signiert und datiert: Santomaso 60.65,4 x 66,5 cm.Das Werk ist im Archivio Giuseppe Santomaso, Galleria Blu, Mailand, unter der Nummer: sct/1263 registriert. Wir danken der Galleria Blu für die wissenschaftliche Unterstützung.Provenienz:- Galerie Im Erker, St. Gallen.- Sammlung Robert Koch, Zürich.- Durch Erbschaft an den heutigen Besitzer, seitdem Privatbesitz Grossbritannien.Ausstellung: St. Gallen 1960, Santomaso. Galerie Im Erker, S. 11 (mit Abb.).

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GIUSEPPE SANTOMASO

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Description: GIUSEPPE SANTOMASO(1907 Venice 1990)Untitled. 1962.Oil and dry pigments on canvas.Signed and dated lower left: Santomaso 62, as well as on the reverse: Santomaso 62.30 x 105 cm.This work is registered in the Archivio Giuseppe Santomaso, Galleria Blu, Milan, under number: sot /1605. We thank Galleria Blu for their support. Provenance: By descent to the present owner, privately owned Switzerland.While at the beginning of the 20th century the avant-garde artistic movements were still associated with specific countries (Expressionism - Germany; Cubism - France; Futurism – Italy; etc), the Abstract Art movement after 1945 was noted for its international character. Although emanating from Paris, with Hans Hartung, Georges Mathieu and others, Abstract Art spread at an incredible pace, independent of national boundaries. As well as the fact that from the 1950s the world had become smaller, thanks to the media and the growth in tourism, it was especially the case that, “the vocabulary of abstraction […] was taken up by many artists of almost every country as a message of salvation.” (cit.: Walther, Ingo (Ed.): Kunst des 20. Jahrhundert. Teil 1. Malerei, Cologne 2000, p. 239). Italy too was caught up in this wave and influenced the development of abstraction through artists such as Piero Dorazio, Afro, Renato Birolli, Emilio Vedova and Giuseppe Santomaso, with two of his works being offered here at auction. Born in Venice in 1907, Santomaso spent his entire life, with a few breaks, in his home city. In 1932 he began his studies at the Art Academy in Venice, and just 2 years later he exhibited at the Biennale, where he would participate 13 times in total. He began to be interested in the avant-garde. Initially inspired by the art journal VERVE, from 1937 he travelled first to The Netherlands and then to Paris, in order to see the work of the Impressionists and Expressionists in the original. In 1939 he exhibited for the first time in Paris at the Galerie Rive Gauche. After World War II Santomaso was one of the founder members of the artist group “Nuova Secessione Artistica Italian”, in which he endeavoured to find a synthesis between abstraction and realism, which was unsuccessful in the end, however. In the mid 1950s he turned to Informel Art, which we can see most effectively in the two works presented here. In the 1970s he incorporated increasingly architectural or constructive elements in his works. He taught at the Art Academy in Venice until his death. Alongside his numerous appearances at the Biennale, he was invited three times to the documenta in Kassel and had numerous exhibitions in international museums. Giuseppe Santomaso’s works of the 1960s and 70s are abstract landscapes in which the colour palette is influenced by the light of Venice and the composition by the architecture of his home city. He sought a way into abstraction via an examination of nature, without losing that relationship to nature. Consequently, his work often strikes us as less radical and rather reticent, and yet it is always clear to the viewer that Santomaso’s point of departure is that of nature and lived experience, which makes our access to his work both more intense and at the same time simpler. --------------- GIUSEPPE SANTOMASO(1907 Venedig 1990)Ohne Titel. 1962.Öl und Pigmente auf Leinwand.Unten links signiert und datiert: Santomaso 62, sowie verso: Santomaso 62.30 x 105 cm.Dieses Werk ist im Archivio Giuseppe Santomaso, Galleria Blu, Mailand, unter der Nummer: sot /1605 registriert. Wir danken der Galleria Blu für die wissenschaftliche Unterstützung. Provenienz: Durch Erbschaft an den heutigen Besitzer, Privatbesitz Schweiz.Während noch zu Beginn des 20. Jahrhunderts die avantgardistischen Kunströmungen eindeutig Ländern zuzuordnen sind (Expressionismus – Deutschland; Kubismus – Frankreich; Futurismus – Italien; usw.), zeichnet sich die Strömung der Abstrakten Kunst nach 1945 durch ihre Internationalität aus. Obwohl von Paris mit Hans Hartung, Georges Mathieu u.a. ausgehend, verbreitet sich die Abstrakte Kunst unabhängig aller Ländergrenzen rasend schnell. Neben der Tatsache, dass durch Medien und zunehmenden Tourismus die Welt ab den 1950er Jahren natürlich näher zusammengerückt ist, wird vor allem „ das abstrakte Vokabular […] von vielen Künstlern fast aller Nationen wie eine Heilsbotschaft aufgenommen.“ (zit.: Walther, Ingo (Hrsg.): Kunst des 20. Jahrhundert. Teil 1. Malerei, Köln 2000, S. 239). Auch Italien wird von dieser Welle erfasst und beeinflusst die Entwicklung der Abstraktion durch Künstler wie Piero Dorazio, Afro, Renato Birolli, Emilio Vedova und Giuseppe Santomaso, von dem wir zwei Werke anbieten können.1907 in Venedig geboren, verbringt Santomaso mit einigen Unterbrechungen sein gesamtes Leben in seiner Heimatstadt. 1932 beginnt er sein Studium an der Kunstakademie in Venedig und stellt bereits 2 Jahre später an der Biennale, an der er insgesamt 13 Mal teilnehmen wird, aus. Er beginnt sich für die Avantgarde zu interessieren. Zunächst durch die Kunstzeitschrift VERVE inspiriert, reist er ab 1937 erst nach Holland und dann weiter nach Paris, um die Werke der Impressionisten und Expressionisten im Original zu sehen. 1939 stellt er selbst erstmals in Paris, in der Galerie Rive Gauche, aus. Nach dem 2. Weltkrieg gehört er zu den Gründungsmitgliedern der Künstlergruppe „Nuova Secessione Artistica Italian“, wobei sich Santomaso bemüht, eine Synthese zwischen Abstraktion und Realismus zu finden, was jedoch letztendlich scheitert. Mitte der 1950er Jahre wendet er sich dem Informel zu, wie wir auch in den zwei vorliegenden Werken eindrücklich sehen. In den 1970er Jahren nimmt er zunehmend architektonische bzw. konstruktive Elemente mit in seine Werke auf. Bis zu seinem Tod lehrt er an der Kunstakademie in Venedig. Neben seinen zahlreichen Teilnahmen an der Biennale, wird er zudem dreimal zur documenta in Kassel eingeladen und erhält zahlreiche Ausstellungen in internationalen Museen.Giuseppe Santomasos Werke der 1960er und 70er Jahre sind abstrakte Landschaften, deren Farbpalette durch das Licht Venedigs und deren Komposition durch die Architektur seiner Heimatstadt geprägt wird. Er sucht über die Auseinandersetzung mit der Natur den Weg in die Abstraktion, ohne dabei aber je den Bezug zur Natur zu verlieren. Somit wirken seine Werke oftmals weniger radikal, sondern eher zurückhaltend, und doch ist dem Betrachter immer klar, das Santosamo von der Natur und dem Erlebten ausgeht, was für uns den Zugang zu seinen Werken intensiver und gleichzeitig einfacher macht.

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PAUL JENKINS

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Description: PAUL JENKINS(Kansas City/Missouri 1923 - lives and works in New York)Phenomena Ahab's Light. 1962.Watercolour on paper.Signed, dated and dedicated on the reverse: Paul Jenkins Phenomena Ahab's Light For Marianne from Paul Paris 1962. With the blind stamp: Veritable papier d'Arches.56.5 x 77.4 cm.Provenance: Private collection Switzerland. --------------- PAUL JENKINS(Kansas City/Missouri 1923 - lebt und arbeitet in New York)Phenomena Ahab's Light. 1962.Aquarell auf festem Papier.Verso signiert, datiert und gewidmet: Paul Jenkins Phenomena Ahab's Light For Marianne from Paul Paris 1962. Mit dem Blindstempel: Veritable papier d'Arches.56,5 x 77,4 cm.Provenienz: Privatsammlung Schweiz.

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MARK TOBEY

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Description: MARK TOBEY(Centerville 1890 - 1976 Basel)Untitled. 1970.Watercolour and gouache on thin laid paper.Signed and dated lower right: TOBEY 1970.18.5 x 15.3 cm.Provenance: Private collection Italy. --------------- MARK TOBEY(Centerville 1890 - 1976 Basel)Ohne Titel. 1970.Aquarell und Gouache auf dünnem Maschinenbütten.Unten rechts signiert und datiert: TOBEY 1970.18,5 x 15,3 cm.Provenienz: Privatsammlung Italien.

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SAM FRANCIS

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Description: SAM FRANCIS(San Mateo/California 1923 - 1994 Santa Monica)Untitled. 1976.Gouache and watercolour on paper.Signed and dated on the reverse: Sam Francis 1976, also with the archive number inscribed: SF 76-230.30 x 40 cm.This work is identified with the interim identification number of SF76-230 in consideration for the forthcoming Sam Francis: Catalogue Raisonné of Unique Works on Paper. This information is subject to change as scholarship continues by the Sam Francis Foundation. Provenance:- Galerie Alice Pauli, Lausanne (on the reverse with the label).- Acquired there from the present owner, since then private collection Switzerland. --------------- SAM FRANCIS(San Mateo/Kalifornien 1923 - 1994 Santa Monica)Ohne Titel. 1976.Gouache und Aquarell auf Papier.Verso signiert und datiert: Sam Francis 1976, sowie von fremder Hand mit der Archivnummer bezeichnet: SF 76-230.30 x 40 cm.Das Werk ist unter der Interims-Identifikationsnummer: SF76-230 für das in Vorbereitung befindliche Werkverzeichnis der Papierarbeiten von Sam Francis vorgesehen. Diese Information kann sich anhand wissenschaftlicher Forschungen der Sam Francis Foundation ändern.Provenienz:- Galerie Alice Pauli, Lausanne (verso mit dem Etikett).- Dort vom heutigen Besitzer erworben, seitdem Privatsammlung Schweiz.

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SAM FRANCIS

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Description: SAM FRANCIS(San Mateo/California 1923 - 1994 Santa Monica)Drift II. 1976.Watercolour and gouache on paper.Signed on the reverse: Sam Francis, also inscribed with the archive number: SF76-026.58 x 82 cmThis work is identified with the interim identification number of SF76-026 in consideration for the forthcoming Sam Francis: Catalogue Raisonné of Unique Works on Paper. This information is subject to change as scholarship continues by the Sam Francis Foundation. Provenance: - Purchased in 1986 from Galerie Kornfeld, Bern, by the former owner.- By descent to the present owner, private collection Switzerland.“With hardly an ‘abstract’ painter is the relation to reality as suggestive as with Sam Francis. Each of his paintings is filled to bursting point with optical experiences, with visual exposure, is seeped with the visibility of the world.” (Wieland Schmied: Notizen zu Sam Francis, in: Exh. Cat. Kestner-Gesellschaft, Hannover. Sam Francis, 1963, p. 12.)Samuel Lewis Francis, called Sam, born 1923 in San Mateo, decides to become an artist only after a traumatic experience. His inclination towards the natural sciences leads him to study medicine and psychology at the University of Berkeley from 1941. From 1943 until 1945 Francis serves in the U.S. Army as a pilot. His impressions won here of the far-reaching landscapes, which from a bird’s eye perspective form abstract colour and form variations, leave traces in his paintings. When his plane crashes in the Californian desert, he is left with severe back injuries that confine him to the hospital bed for a long time. Here he begins to paint and decides to follow an artistic path. From 1945-50 he studies art in California and leaves for Paris immediately after his graduation. Here he is in contact with the active art scene and feels especially connected to the Canadian artist Jean-Paul Riopelle. Striking about Francis’ work, as seen in the pieces offered here, is the impression of it being only an excerpt. The image borders don’t seem to offer any boundaries to his abstract compositions, they seem to unfold into the infinite. The idea of the excerpt applies in many ways: the image as excerpt of life, the lengthening of the moment (of painting) into the infinity of time, an excerpt of the inner world (of feelings) into the phenomenon’s of the visible cosmos. The amorphous, organic shapes recall microorganisms, with which Francis probably grappled during his studies of medicine. Yet the painted remains abstract. This superb early work clearly shows his process of work and formation: Francis paints it by placing the sheet on the floor. First he outlines the geometric ‘fence’ filled with merging watercolours. Then he pours, drips and splashes thick colours onto the background, as he stands crouched over the work. Remarkable about this technique is that it is very spontaneous and dynamic, but also a reflection of the artist and his action.Francis’ understanding of colour is strongly influenced by post-impressionism and the Italian masters of the early Reniassance, but his gestural brushwork on the other hand, is based on his time spent in Japan in 1957, where he came into contact with the ink-brush technique haboku. The resulting luminosity of each colour, accentuated by the deep black, imparts the work offered here with a liveliness and lightness, that displays the whole energy of his talent as a prominent exponent of the lyrically oriented abstract expressionism. “Color is light on fire. Each color is the result of burning, for each substance burns with a particular color.” (cit. Sam Francis, in Exh. Cat.: Sam Francis, Los Angeles, 1980, p. 10) --------------- SAM FRANCIS(San Mateo/Kalifornien 1923 - 1994 Santa Monica)Drift II. 1976.Aquarell und Gouache auf Papier.Verso signiert: Sam Francis, sowie von fremder Hand bezeichnet mit der Archivnummer: SF76-026.58 x 82 cm.Das Werk ist unter der Interims-Identifikationsnummer: SF76-026 für das in Vorbereitung befindliche Werkverzeichnis der Papierarbeiten von Sam Francis vorgesehen. Diese Information kann sich anhand wissenschaftlicher Forschungen der Sam Francis Foundation ändern.Provenienz: - Vom ehemaligen Besitzer1986 bei Galerie Kornfeld, Bern, erworben.- Durch Erbschaft an den heutigen Besitzer, Privatsammlung Schweiz.„Bei kaum einem ‚gegenstandslosen‘ Maler ist der Wirklichkeitsbezug so suggestiv wie bei Sam Francis. Jedes seiner Bilder ist bis zum Bersten angefüllt mit optischen Erlebnissen, mit visueller Erfahrung, ist getränkt mit der Sichtbarkeit der Welt.“ (Wieland Schmied, „Notizen zu Sam Francis“, in: Ausst.-Kat. Kestner-Gesellschaft, Hannover. Sam Francis, 1963, S. 12.)Samuel Lewis Francis, genannt Sam, 1923 in San Mateo geboren, entschließt sich erst durch ein traumatisches Schlüsselerlebnis Künstler zu werden. Seine naturwissenschaftliche Neigung veranlasst ihn zunächst dazu, ab 1941 Medizin und Psychologie an der University of Berkeley zu studieren. Von 1943 bis 1945 dient Francis in der U. S. Army als Kampfflieger. Vor allem seine hier gewonnen Impressionen der weitläufigen Landschaften, die sich, von der Vogelperspektive aus beobachtet, zu Farben- und Formenvielfalt abstrahieren, werden Spuren in seinem malerischen Werk hinterlassen. Als sein Flugzeug in der kalifornischen Wüste abstürzt, zieht er sich schwere Rückenverletzungen zu, die ihn für längere Zeit ans Krankenhausbett fesseln. Dort beginnt er zu malen und entschließt sich, eine künstlerische Laufbahn einzuschlagen. 1945-50 studiert er in Kalifornien Kunst, reist aber gleich nach Abschluss seines Studiums nach Paris, wo er regen Austausch mit der dort aktiven Künstlerschaft pflegt und sich besonders dem kanadischen Künstler Jean-Paul Riopelle verbunden fühlt.Auffallend an Francis Werk, wie auch bei den hier Angebotenen, ist der Eindruck der Auschnitthaftigkeit seiner Bilder. Die Bildränder bieten seinen abstrakten Kompositionen keine Begrenzung, sie scheinen sich ins Unendliche ausdehnen zu können. Die Idee des Ausschnitthaften trifft dabei in vielfacher Weise zu: das Bild als Ausschnitt des Lebens, die Ausdehnung des Momentes (des Malens) in die Unendlichkeit der Zeit, der Ausschnitt der inneren (Gefühls-) Welt übersetzt in die Phänomene des sichtbaren Kosmos. Die amorphen, organischen Formen erinnern an Mikroorganismen, mit denen Francis sich während seines Studiums der Medizin vermutlich auseinandergesetzt hat. Das Dargestellte bleibt dennoch abstrakt. Dieses prächtige Frühwerk macht den Entstehungsprozess seiner Werke besonders deutlich: Francis malt dieses, indem er das Blatt auf den Boden legt. Zunächst formuliert er das geometrisch anmutende ‚Gitternetz‘ mit in sich verfließenden Aquarellfarben. Anschließend schüttet, tropft oder spritzt er dickflüssige Farben auf den Bildträger, während er sich stehend über das Bild beugt. Bemerkenswert bei dieser Vorgehensweise ist, dass sie sowohl sehr spontan und dynamisch ist, gleichzeitig aber immer wieder einer Reflektion durch den Künstler bedarf.Francis Farbverständnis ist dabei stark von den Postimpressionisten und italienischen Malern der Frührenaissance geprägt, wohingegen der gestische Pinselauftrag vor allem auf seine Zeit in Japan im Jahr 1957 zurückgeht, als er mit der japanischen Tuschpinsel-Technik haboku in Berührung gekommen ist. Die daraus resultierende Leuchtkraft der einzelnen Farben, akzentuiert durch ein tiefes Schwarz, verleiht dem hier angebotenen Bild eine Lebhaftigkeit und Leichtigkeit, die die ganze Kraft seines künstlerischen Könnens als prominenter Vertreter des lyrisch orientierten Abstrakten Expressionismus bezeugt. “Color is light on fire. Each color is the result of burning, for each substance burns with a particular color.” (Francis in Ausst.Kat.: Sam Francis, Los Angeles, 1980, S. 10)

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K. R. H. SONDERBORG

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Description: K. R. H. SONDERBORG(Sonderborg 1923 - 2008 Hamburg)Untitled. 1971.Watercolour and gouache on paper, firmly laid on canvas.Signed and dated lower right: Sonderborg 71, as well as signed on the stretcher: K.R.H. Sonderborg K.R. / (H.H.).64 x 46 cm.Provenance: Private collection Italy. --------------- K. R. H. SONDERBORG(Sonderborg 1923 - 2008 Hamburg)Ohne Titel. 1971.Aquarell und Gouache auf Papier, fest auf Leinwand aufgelegt.Unten rechts signiert und datiert: Sonderborg 71, sowie auf dem Keilrahmen signiert: K.R.H. Sonderborg K.R. / (H.H.).64 x 49 cm.Provenienz: Privatsammlung Italien.

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PAUL ROTTERDAM

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Description: PAUL ROTTERDAM(Vienna 1939 - lives and works in New York and Texas)Untitled. 1978.Graphite and gouache, partly with collage, on paper.Signed and dated lower right: Paul Rotterdam 78.61 x 92 cm.Provenance: Private collection Switzerland. --------------- PAUL ROTTERDAM(Wien 1939 - lebt und arbeitet in New York und Texas)Ohne Titel. 1978.Grafit und Gouache, teils collagiert, auf Papier.Unten rechts signiert und datiert: Paul Rotterdam 78.61 x 92 cm.Provenienz: Privatsammlung Schweiz.

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PAUL ROTTERDAM

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Description: PAUL ROTTERDAM(Vienna 1939 - lives and works in New York and Texas)Substance 491. 1986.Encaustic on canvas.Signed on the label: Paul Rotterdam, also with all work information on the reverse.87 x 66 cm.Provenance: - Storrer Gallery, Zurich (on the reverse with the label).- Private collection Switzerland. --------------- PAUL ROTTERDAM(Wien 1939 - lebt und arbeitet in New York und Texas)Substance 491. 1986.Enkaustik auf Leinwand.Verso auf dem Etikett signiert: Paul Rotterdam, sowie mit den Werkangaben.87 x 66 cm.Provenienz: - Storrer Gallery, Zürich (verso mit dem Etikett).- Privatsammlung Schweiz.

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ROBERTO CRIPPA

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Description: ROBERTO CRIPPA(Monza 1921 - 1972 Milan)Personaggio. 1960.Cork and mixed media on wood.Signed and dated on the reverse: R. Crippa 1960.200 x 200 cm.We thank the Galleria Pace, Milan, for the kind support. Provenance:- Galleria Schwarz, Milan (verso with the lable).- Galleria Annunciata, Milan (verso with the lable).- Galleria Schubert, Milan (verso with the lable).- Purchased from the above gallery by the present owner, since then privately owned Italy.The Italian artist Roberto Gaetano Crippa was born in Monza in 1921. Between 1947 and 1948 he attended the “Accademia di Brera” in Milan. Initially Crippa became involved with Action Painting. He created wild spirals, which unfolded within the space of the canvas. His first exhibition took place at “Galerie Bergamini” in Milan around 1947. There he made the acquaintance of Lucio Fontana, who invited him to join the artist movement “Spazialismo”. In contrast to Fontana, whose artistic research was directed at overcoming painting, Crippa’s practice remained within traditional media. The canvas remained the medium on which he experimented, and he accepted its boundaries. In the 1950s Crippa developed a montage technique, in which he brought together various materials such as tree bark, cork, or iron with nails and glue, and applied them to the canvas. In this he was therefore close to his compatriot Alberto Burri and the Spaniard Antoni Tapiès, all three of whom, in the course of developing from or freeing themselves from the Informel and Abstract Expressionism, explored the most diverse, ordinary and everyday materials, and pushed them to the limits of possibility. The early 1960s in particular were especially fruitful in this respect. Crippa took part in the Biennale in Venice and the Triennale in Milan on several occasions. In addition, he exhibited at the first documenta in Kassel in 1955. The present large format work is a wonderful example of Crippa’s exploration of various materials. The size of the work and also the size of the individual pieces of cork at first give the impression of sheer mass, but when one lingers over the piece, one begins to discern the structure and form of the cork elements in detail, and the work loses its initial massive quality. --------------- ROBERTO CRIPPA(Monza 1921 - 1972 Mailand)Personaggio. 1960.Kork und Mischtechnik auf Holz.Verso signiert und datiert: R. Crippa 1960.200 x 200 cm.Wir danken der Galleria Pace, Mailand, für die freundliche Unterstützung.Provenienz:- Galleria Schwarz, Mailand (verso mit dem Etikett). - Galleria Annunciata, Mailand (verso mit dem Etikett). - Galleria Schubert, Mailand (verso mit dem Etikett). - Vom jetzigen Besitzer bei obiger Galerie erworben, seitdem Privatbesitz Italien. Der italienische Künstler Roberto Gaetano Crippa wird 1921 in Monza geboren. Er besucht von 1947 – 1948 die Accademia di Brera in Mailand. Crippa setzt sich zunächst mit dem Action Painting auseinander. Er erschafft wilde Spiralen, die sich innerhalb des Raumes der Leinwand entfalten. Seine erste Ausstellung findet um 1947 in der Galerie Bergamini in Mailand statt. Dort macht er Bekanntschaft mit Lucio Fontana, der ihn einlädt, der Künstlerbewegung „Spazialismo“ beizutreten. Im Gegensatz zu Fontana, dessen künstlerische Forschung sich auf die Überwindung der Malerei richtet, bleibt Crippa bei der Verwendung traditioneller Medien. Die Leinwand bleibt das Medium auf dem er experimentiert, und dessen Grenzen er akzeptiert. In den 1950er Jahren findet Crippa zu einer Montagetechnik, bei der er verschiedene Materialien, wie Baumrinde, Kork oder Eisen mit Nägeln und Leim zusammenfügt und auf der Leinwand befestigt. Er steht somit seinem Landsmann Alberto Burri und dem Spanier Antoni Tàpies nahe, die alle drei im Zuge der Weiterentwicklung bzw. Befreiung vom Informel und dem Abstract Expressionism die Auseinandersetzung unterschiedlichster, gewöhnlicher und alltagsbezogener Materialien suchen und diese an die Grenzen des Möglichen führen. Vor allem die frühen 1960er Jahre sind diesbezüglich für die Kunst enorm fruchtbar. Crippa nimmt mehrmals an der Biennale in Venedig und der Triennale in Mailand teil. Zudem stellt er bei der ersten documenta in Kassel 1955 aus.Das vorliegende, grossformatige Werk ist ein wunderbares Beispiel für Crippas Auseinandersetzung mit unterschiedlichen Materialien. Die Grösse der Arbeit, und somit auch die Grösse der einzelnen Korkstücke, wirkt im ersten Augenblick sehr massiv. Verweilt man aber vor dem Werk, beginnt man die Struktur und Form der Korkelemente im Detail wahrzunehmen und das Werk verliert seine anfängliche Massivität.

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GEORGES NOËL

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Description: GEORGES NOËL(Béziers 1924 - 2010 Paris)Formes et rythmes spacieux. 1965.Mixed media and collage on paper, on canvas.Signed, titled and dated on the reverse: Georges Noël Formes et rythmes spacieux 1965.114 x 146 cm.Born in Béziers in 1924, Georges Noël first began to study engineering in 1938. After the Second World War he worked as draughtsman and graphic designer for the aviation company Turboméca. With his move to Paris in 1956, he met the artists of the Nouveau Réalisme movement and engaged increasingly with the art of Jean Dubuffet, Jean Fautrier and Raymond Hains. Having decided to dedicate himself to art, at the end of the 1950s he developed a painting technique based on Polyvinyl acetate and so his first works known as Palimpsests were produced. His works from the 1960s, of which the present piece is an example, are noted for their use of a strict sign language, with progressively more symbols from archaic cultures. By examining these cultures and their symbolism, this gives access to a spiritual element in his art. Alongside Informel Art, to which he is very close, he also engaged closely with Minimal Art when travelling in the United States, and lived for some years in Minneapolis and New York. In 1982 he finally returned to his home in France and died in Paris in 2010. Alongside many exhibitions, he also took part in documenta III. --------------- GEORGES NOËL(Béziers 1924 - 2010 Paris)Formes et rythmes spacieux. 1965.Mischtechnik und Collage auf Papier, auf Leinwand aufgezogen.Verso signiert, betitelt und datiert: Georges Noël Formes et rythmes spacieux 1965.114 x 146 cm.1924 in Béziers geboren, beginnt Georges Noël 1938 zunächst ein Studium der Ingenieurwissenschaften. Nach dem Zweiten Weltkrieg arbeitet er als Zeichner und Grafikdesigner für das Luftfahrtunternehmen Turboméca. Mit seinem Umzug nach Paris 1956 lernt er die Künstler des Nouveau Réalisme kennen und setzt sich zunehmend mit der Kunst von Jean Dubuffet, Jean Fautrier und Raymond Hains auseinander. Mit der Entscheidung sich der Kunst zu widmen, entwickelt er Ende der 1950er Jahre eine Maltechnik basierend auf Polyvinylazetat, und es entstehen seine ersten sogenannten Palimpseste. Seine Werke der 1960er Jahre, zu denen auch das vorliegende Werk gehört, zeichnen sich durch eine strenge Zeichensprache aus, wobei er zunehmend Symbole archaischer Kulturen verwendet. Mit der Auseinandersetzung dieser Kulturen und ihrer Symbolik, erhält auch die Spiritualität Einzug in seine Kunst. Neben dem Informel, dem er sehr nahe steht, setzt er sich durch eine USA-Reise intensiv auch mit der Minimal Art auseinander und lebt einige Jahre in Minneapolis und New York. 1982 kehrt er endgülig in seine Heimat Frankreich zurück und verstirbt 2010 in Paris.Neben zahlreichen Ausstellungen nimmt er auch an der documenta III teil.

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ANTONI TÀPIES

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Description: ANTONI TÀPIES(1923 Barcelona 2012)Cistella. 1990.Ink on cardboard on canvas.Signed lower right: Tàpies.39 x 47 cm.Provenance:- Galerie Im Erker, St. Gallen.- Private collection Switzerland.Literature: Agusti, Anna: Tàpies. Obra completo Vol. VI, Barcelona 2000, no. 6086. --------------- ANTONI TÀPIES(1923 Barcelona 2012)Cistella. 1990.Tusche auf Karton auf Leinwand.Unten rechts signiert: Tàpies.39 x 47 cm.Provenienz:- Galerie Im Erker, St. Gallen.- Privatsammlung Schweiz.Literatur: Agusti, Anna: Tàpies. Obra completo Vol. VI, Barcelona 2000, Nr. 6086.

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ANSELM KIEFER

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Description: ANSELM KIEFER(Donaueschingen 1945 - lives and works among others in Paris)Die Donauquelle. 1978.Oil, sand, burlap and mixed media over artist's book.Signed and dated on the last page: Anselm Kiefer 1978, as well as with the stamped number: 00021. Also titled on the front cover: Die Donauquelle.30.5 x 21 x 5 cm.Provenance: Private collection Switzerland. The present work “Die Donauquelle” by Anselm Kiefer brings together some of his leitmotifs, such as German history, nature, landscapes and water, as well as his use of a wide range of materials. The origins and the true beginnings of the source of the Danube have been discussed for decades. For a long time the source of the Danube was identified as being in the castle gardens of Donaueschingen, the town where Kiefer was born. Just as German history has strongly influenced him and his work, so also has the history of his home. The subject of water is one which Kiefer has addressed repeatedly. Mark Rosenthal has said on this subject: "That [Kiefer] should focus once again on water is not surprising...These associations with birth and death, destruction and regeneration, establish a context for the watery setting in which the palette arises...the birth of the palette is...the first stage of life." (Rosenthal, Mark: Anselm Kiefer, Chicago and Philadelphia 1987, p. 72-74). --------------- ANSELM KIEFER(Donaueschingen 1945 - lebt und arbeitet u.a. in Paris)Die Donauquelle. 1978.Öl, Sand, grobe Leinwand und Mischtechnik über Künstlerbuch.Auf der letzten Seite signiert und datiert: Anselm Kiefer 1978, sowie mit der gedruckten Nummerierung: 00021. Ausserdem auf dem Buchdeckel betitelt: Die Donauquelle.30,5 x 21 x 5 cm.Provenienz: Privatsammlung Schweiz. Die hier angebotene Arbeit "Die Donauquelle" von Anselm Kiefer vereint einige seiner Leitmotive, wie die deutsche Geschichte, die Natur, Landschaften, Wasser sowie seinen Gebrauch verschiedenster Materialien. Über den Ursprung und den wirklichen Anfang der Donauquelle wird schon Ewigkeiten diskutiert. Lange wurde die Quelle im Schlossgarten in Donaueschigen, dem Geburtsort Kiefers, als Donauquelle bezeichnet. Wasser ist eine Thema, mit dem sich Kiefer immer wieder befasst. Mark Rosenthal sagt dazu folgendes: "That [Kiefer] should focus once again on water is not surprising...These associations with birth and death, destruction and regeneration, establish a context for the watery setting in which the palette arises...the birth of the palette is...the first stage of life." (Rosenthal, Mark: Anselm Kiefer, Chicago and Philadelphia 1987, S. 72-74).

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ARMAN (ARMAND PIERRE FERNANDEZ)

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Description: ARMAN (ARMAND PIERRE FERNANDEZ)(Nice 1928 - 2005 New York)Violon.Mixed media on firm paper.Signed lower right: Arman.104.5 x 62 cm.Provenance: Private collection Switzerland. --------------- ARMAN (ARMAND PIERRE FERNANDEZ)(Nizza 1928 - 2005 New York)Violon.Mischtechnik auf festem Papier.Unten rechts signiert: Arman.104,5 x 62 cm.Provenienz: Privatsammlung Schweiz.

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ARMAN (ARMAND PIERRE FERNANDEZ)

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Description: ARMAN (ARMAND PIERRE FERNANDEZ)(Nice 1928 - 2005 New York)Untitled. 1988.Bronze.With the incised signature and date: Arman with Max 88.53 x 49 x 43 cm.The work is registered at the Archives Denyse Durand-Ruel under the number: 10.295 in 1988. We thank Denyse Durand-Ruel for her scientific advice. Provenance:- A gift from the artist, in cooperation with Max Kehl for his restaurant Chez Max in Zollikon.- By descent to the current owner. --------------- ARMAN (ARMAND PIERRE FERNANDEZ)(Nizza 1928 - 2005 New York)Ohne Titel. 1988.Bronze.Mit der eingeritzten Signatur und Datierung: Arman with Max 88.53 x 49 x 43 cm.Das Werk ist in den Archives Denyse Durand-Ruel unter der Nummer: 10.295 in 1988, registriert. Wir danken Denyse Durand-Ruel für ihre wissenschaftliche Unterstützung. Provenienz:- Direkt vom Künstler erhalten, in Zusammenarbeit mit Max Kehl für dessen Restaurant Chez Max in Zollikon.- Durch Erbschaft an den heutigen Besitzer.

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ERNST WILHELM NAY

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Description: ERNST WILHELM NAY(Berlin 1902 - 1968 Cologne)Zwei Frauen. 1942.Pencil on paper (with watermark).Inscribed lower left on the passepartout: E.W. Nay, also dated lower right: Frankreich 1942.14.2 x 23.4 cm.Provenance: Private collection Germany.Literature: Claesges, Magdalene: Ernst Wilhelm Nay. Werkverzeichnis. Aquarelle - Gouachen - Zeichnungen, Vol. 1 1919-1948, no. 42-069. --------------- ERNST WILHLEM NAY(Berlin 1902 - 1968 Köln)Zwei Frauen. 1942.Bleistift auf Papier (mit Wasserzeichen).Auf dem Passepartout unten links bezeichnet: E.W. Nay, sowie unten rechts datiert: Frankreich 1942.14,2 x 23,4 cm.Provenienz: Privatsammlung Deutschland.Literatur: Claesges, Magdalene: Ernst Wilhelm Nay. Werkverzeichnis. Aquarelle - Gouachen - Zeichnungen, Bd. 1 1919-1948, Nr. 42-069.

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A.R. PENCK

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Description: A.R. PENCK(Dresden 1939 - lives and works in Düsseldorf and Dublin)Untitled. 1957.Graphite on paper.Signed and dated lower right: Ralf 57.26 x 36.5 cm.Provenance: By descent to the present owner, since then privately owned Switzerland. --------------- A.R. PENCK(Dresden 1939 - lebt und arbeitet in Düsseldorf und Dublin)Ohne Titel. 1957.Grafit auf Papier.Unten rechts signiert und datiert: Ralf 57.26 x 36,5 cm.Provenienz: Durch Erbschaft an den heutigen Besitzer, seitdem Privatbesitz Schweiz.

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MARCEL DZAMA

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Description: MARCEL DZAMA(Winnipeg/Canada 1974 - lives and works in New York City)Untitled.Watercolour, ink and pencil on paper.Signed lower left: Marcel Dzama.35.5 x 28 cm.Provenance: Private collection Switzerland. --------------- MARCEL DZAMA(Winnipeg/Kanada 1974 - lebt und arbeitet in New York City)Ohne Titel.Aquarell, Tinte und Bleistift auf Papier.Unten links signiert: Marcel Dzama35,5 x 28 cm.Provenienz: Privatsammlung Schweiz.

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ALFRED HRDLICKA

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Description: ALFRED HRDLICKA(1928 Vienna 2009)Untitled. 1972.Indian ink on reddish brown Ingres paper.Lower left signed and dated: Alfred Hrdlicka 1972.50 x 65 cm.This work will be included in the forthcoming catalogue raisonné of drawings. We thank the Alfred Hrdlicka-Archiv (www.alfred-hrdlicka.com) for the scientific support. Provenance:- Galerie Hartmann, Munich (verso with the note).- By descent to the present owner, since then private collection Germany. --------------- ALFRED HRDLICKA(1928 Wien 2009)Ohne Titel. 1972.Feder, Pinsel und Tusche auf rotbraunem Ingrespapier.Unten links signiert und datiert: Alfred Hrdlicka 1972.50 x 65 cm.Dieses Werk wird in das in Vorbereitung befindliche Werkverzeichnis der Zeichnungen aufgenommen. Wir danken dem Alfred Hrdlicka-Archiv (www.alfred-hrdlicka.com) für seine wissenschaftliche Unterstützung.Provenienz: - Galerie Hartmann, München (verso mit der hs. Notiz).- Durch Erbschaft an den heutigen Besitzer, seitdem Privatsammlung Deutschland.

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ALFRED HRDLICKA

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Description: ALFRED HRDLICKA(1928 Vienna 2009)Untitled.Indian ink on greyish Ingres paper.Signed lower right: Alfred Hrdlicka.63 x 48.5 cm.This work will be included in the forthcoming catalogue raisonné of drawings. We thank the Alfred Hrdlicka-Archiv (www.alfred-hrdlicka.com) for the scientific support. Provenance: By descent to the present owner, private collection Germany. --------------- ALFRED HRDLICKA(1928 Wien 2009)Ohne Titel.Federtusche auf grauem Ingrespapier.Unten rechts signiert: Alfred Hrdlicka.63 x 48,5 cm.Dieses Werk wird in das in Vorbereitung befindliche Werkverzeichnis der Zeichnungen aufgenommen. Wir danken dem Alfred Hrdlicka-Archiv (www.alfred-hrdlicka.com) für seine wissenschaftliche Unterstützung.Provenienz: Durch Erbschaft an den heutigen Besitzer, seitdem Privatsammlung Deutschland.

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ALFRED HRDLICKA

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Description: ALFRED HRDLICKA(1928 Vienna 2009)Untitled (Männerstudie). 1975.Crayon and pencil on brownish Roma paper (with the watermark).Signed and dated lower left: Alfred Hrdlicka 1975. On the reverse with title: Männerstudie.48.5 x 68 cm.This work will be included in the forthcoming catalogue raisonné of drawings. We thank the Alfred Hrdlicka-Archiv (www.alfred-hrdlicka.com) for the scientific support. Provenance: By descent to the present owner, since then private collection Switzerland. --------------- ALFRED HRDLICKA(1928 Wien 2009)Ohne Titel (Männerstudie). 1975.Bunstift und Bleistift auf braunem Romabütten (mit dem Wasserzeichen).Unten links signiert und datiert: Alfred Hrdlicka 1975. Verso von fremder Hand betitelt: Männerstudie.48,5 x 68 cm.Dieses Werk wird in das in Vorbereitung befindliche Werkverzeichnis der Zeichnungen aufgenommen. Wir danken dem Alfred Hrdlicka-Archiv (www.alfred-hrdlicka.com) für seine wissenschaftliche Unterstützung.Provenienz: Durch Erbschaft an den heutigen Besitzer, seitdem Privatsammlung Deutschland.

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ALFRED HRDLICKA

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Description: ALFRED HRDLICKA(1928 Vienna 2009)Untitled (Männerstation). 1972.Pencil on brownish Ingres paper.Signed and dated lower left: Alfred Hrdlicka 1972, also verso with title: Männerstation 1972.48 x 66 cm.This work will be included in the forthcoming catalogue raisonné of drawings. We thank the Alfred Hrdlicka-Archiv (www.alfred-hrdlicka.com) for the scientific support. Provenance: By descent to the present owner, since then private collection Germany. --------------- ALFRED HRDLICKA(1928 Wien 2009)Ohne Titel (Männerstation). 1972.Bleistift auf braunem Ingrespapier (mit dem Wasserzeichen).Unten links signiert und datiert: Alfred Hrdlicka 1972, sowie verso von fremder Hand betitelt: Männerstation 1972.48 x 66 cm.Dieses Werk wird in das in Vorbereitung befindliche Werkverzeichnis der Zeichnungen aufgenommen. Wir danken dem Alfred Hrdlicka-Archiv (www.alfred-hrdlicka.com) für seine wissenschaftliche Unterstützung.Provenienz: Durch Erbschaft an den heutigen Besitzer, seitdem Privatsammlung Deutschland.

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LUCEBERT (LUBERTUS JACOBUS SWAANSWIJK)

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Description: LUCEBERT (LUBERTUS JACOBUS SWAANSWIJK)(Amsterdam 1924 -1994 Alkmaar)Untitled. 1991.Gouache and wax crayon on paper.Signed and mirror dated lower left: Lucebert 17.V 91.71 x 100 cm.Provenance:- Acquired from Galerie Springer, Berlin, by the present owner in 1991 (with the label on the reverse).- Since then privately owned Switzerland. --------------- LUCEBERT (LUBERTUS JACOBUS SWAANSWIJK)(Amsterdam 1924 -1994 Alkmaar)Ohne Titel. 1991.Gouache und Wachskreide auf Papier.Unten links signiert und spiegelverkehrt datiert: Lucebert 17.V.91.71 x 100 cm.Provenienz: - Vom heutigen Besitzer 1991 in der Galerie Springer, Berlin, erworben (verso mit dem Etikett).- Seitdem Privatbesitz Schweiz.

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PER KIRKEBY

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Description: PER KIRKEBY(Copenhagen 1938 - lives and works in Copenhagen)Bezzo. 1990.Gouache, pastel, pencil and wax crayon on paper.Monogrammed, dated and titled lower right: Bezzo 30-9-90 PK. On the reverse with the archive number: GMW Pkz 1542.79 x 105 cm.Provenance:- Galerie Michael Werner.- Acquired from Galerie Lelong, Zurich, by the present owner in 1990 (with the label on the reverse).- Since then privately owned Switzerland.Exhibition: Zurich 1991, Per Kirkeby. Ohne Titel, Galerie Lelong, April-May 1991.Per Kirkeby is a Danish painter, sculptor, film maker and poet and is considered one of the most important contemporary artists in Scandinavia. Born in 1938 in Copenhagen, a trained geologist, in 1962 he began his studies at the Experimental Art School in Copenhagen, which he completed in 1964. His first important solo show abroad took place in 1977 at the Museum Folkwang in Essen. His works were later shown throughout Europe and the US.As an artist, Kirkeby is very open to experimentation and works in various media and techniques. When he started out he was a member of the Fluxus group, in the 1960s he was influenced by Pop Art and later by Tachisme and Art Informel. These different influences are revealed in the changes of style in his art. By the 1970s he had left behind the eye-catching stylistic devices of Pop Art, and turned increasingly from representational art towards abstraction. The power and flow of his brushwork led to a sensual modelling and a dramatic, poetic character in his works. These are not spontaneous and emotional gestures however, but in fact controlled and well-considered compositions and forms of expression. --------------- PER KIRKEBY(Kopenhagen 1938 - lebt und arbeitet in Kopenhagen)Bezzo. 1990.Gouache, Pastell, Bleistift und Wachskreide auf Papier.Unten rechts monogrammiert, datiert und betitelt: Bezzo 30-9-90 PK. Verso mit der Archivnummer: GMW Pkz 1542.79 x 105 cm.Provenienz:- Galerie Michael Werner.- Vom heutigen Besitzer 1990 bei Galerie Lelong, Zürich, erworben (verso mit dem Etikett).- Seitdem Privatbesitz Schweiz.Ausstellung: Zürich 1991, Per Kirkeby. Ohne Titel, Galerie Lelong, April-Mai 1991.Per Kirkeby ist dänischer Maler, Bildhauer, Filmemacher und Poet und zählt zu den bedeutendsten Gegenwartskünstlern Skandinaviens. Der 1938 in Kopenhagen geborene, beginnt 1962 sein Studium an der Experimental Art School in Kopenhagen, das er 1964 abschliesst. Seine erste wichtige Einzelausstellung im Ausland findet 1977 im Museum Folkwang in Essen statt. Später werden seine Werke in ganz Europa und in den USA gezeigt. Kirkeby ist ein sehr experimentierfreudiger Künstler, der in verschiedenen Medien und mit vielen Techniken arbeitet. In seinen Anfängen der Fluxus Gruppe angehörig, wird er in den 1960ern von der Pop Art geprägt und später vom Tachismus und Informel. Diese verschiedenen Einflüsse zeigen sich auch in den Stilwechseln seiner Kunst. Bis in die 1970er Jahre verlässt er sich auf die plakativen Stilmittel der Pop Art, danach wendet er sich vermehrt vom Gegenständlichen ab und der Abstraktion zu. Seine kräftige Pinselführung und der starke Pinselduktus seiner Arbeiten führen zu einer sinnlichen Modellierung und einem dramatischen, poetischen Charakter. Es handelt sich jedoch nicht um spontane und emotionale Gesten, vielmehr um kontrollierte und durchdachte Kompositionen und Bildfindungsprozesse.

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GEORG BASELITZ

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Description: GEORG BASELITZ(Grossbaselitz 1938 - lives and works in München)Untitled (tree). 1978.Gouache and pencil on paper.Monogrammed and dated lower right: GB (possibly not the artist's hand resp. later added) 18.II.78, also on the reverse with the archive number: GBZ 354.60.7 x 43 cm.We thank the Archive Prof. Georg Baselitz, Munich, for their scientific support. The work is registered there under the no.: GBZ 354.Provenance:- Probably in 1980 Galerie Neuendorf.- Galerie Baronian, Brussels.- Purchased from the above by the present owner in 1989, since then private collection Germany.In 1969 Georg Baselitz embarked on a search for a new form of representation, in order to break away from the classical conventions of painting. While up to that date his oeuvre had been dominated by figure painting, and he had produced revolutionary series such as the so-called "Helden-Zyklus" (heroes cycle), he now questioned these motifs and structures. He wished to turn his attention away from the motif and towards the painting, and so, in the truest sense of the word, he turned his art on its head. "An object painted on its head is suitable for painting, because it is unsuitable as an object and free of value. Moreover, this method irritates and shocks; it shows an aggressive attitude, which, as a demonstration of the seriousness of my action, I find to be good." (cit. Georg Baselitz, in: Exh. Cat. Georg Baselitz. Gemälde und Arbeiten auf Papier von 1971-2004, Galerie Henze-Ketterer, Wittrach Bern, p. 8) "Der Wald steht auf dem Kopf", today in Museum Ludwig, Cologne, is the first important painting using this new form of representation. By turning the motif 180°, on the one hand he removes from the motif its status as object, and on the other he challenges the viewer’s way of seeing and thinking. Although the technique and motif are deeply rooted in classical art history, through this inversion he achieves an opening up of the conventions of painting. The present watercolour is also to be seen in this respect. At first sight, Baselitz denies the viewer access to this work - set upside down, the tree appears initially more like an abstract form. The colouring in blue and black also gives us no indication of what is depicted. It is only on longer contemplation that the bare, inverted tree reveals itself. He powerfully combines classical painting with a traditional subject which is deeply symbolic for Germany, with one of the most radical new approaches to form in the art of the 20th century. --------------- GEORG BASELITZ(Grossbaselitz 1938 - lebt und arbeitet u.a. in München)Ohne Titel (Baum). 1978.Gouache und Bleistift auf Papier.Unten rechts monogrammiert und datiert: GB (eventuell von fremder Hand bzw. später hinzugefügt) 18.II.78, sowie verso mit der Archivnummer: GBZ 354.60,7 x 43 cm.Das Werk ist im Archiv Prof. Georg Baselitz, München, unter der Nummer: GBZ 354 registriert. Wir danken dem Archiv für die wissenschaftliche Unterstützung.Provenienz:- Wohl 1980 Galerie Neuendorf.- Galerie Baronian, Brüssel.- Dort 1989 vom heutigen Besitzer erworben, seitdem Privatsammlung Deutschland.Im Jahr 1969 begibt sich Georg Baselitz auf die Suche nach einer neuen Darstellungsform, um den klassischen Konventionen der Malerei zu entkommen. Während bisher die Figurenmalerei sein Oeuvre beherrscht hat und er revolutionäre Serien wie den sogenannten "Helden-Zyklus" geschaffen hat, hinterfragt er nun diese Motive und Gestaltungsformen. Er will sein Augenmerk weg vom Motiv hin zur Malerei richten, und so stellt er im wahrsten Sinne des Wortes seine Kunst auf den Kopf. "Ein Gegenstand auf dem Kopf gemalt ist tauglich für die Malerei, weil es so als Gegenstand untauglich bzw. wertfrei ist. Ausserdem hat diese Methode eine Irritation, einen Schock; sie zeigt eine aggressive Haltung, die ich als Demonstration für den Ernst meines Vorgehens gut finde." (zit. Georg Baselitz, in: Ausst. Kat. Georg Baselitz. Gemälde und Arbeiten auf Papier von 1971-2004, Galerie Henze-Ketterer, Wittrach Bern, S. 8) "Der Wald steht auf dem Kopf", heute im Museum Ludwig Köln, ist das erste wichtige Gemälde dieser neuen Darstellungsweise. Durch die Umkehrung des Motivs um 180° nimmt er ihm zum einen seinen Status als Gegenstand, zum anderen fordert er die Seh- und Denkweise des Betrachters heraus. Obwohl Technik und Motiv tief in der klassischen Kunstgeschichte verwurzelt sind, schafft er durch die Drehung doch die Loslösung von den malerischen Konventionen. Auch das vorliegende Aquarell ist in diesem Zusammenhang zu sehen. Auf den ersten Blick verweigert Baselitz dem Betrachter den Zugang zum Werk - auf den Kopf gestellt, scheint der Baum zunächst eher eine abstrakte Form zu sein. Auch die Farbgebung in Blau und Schwarz gibt uns zunächst keinen Hinweis auf das Dargestellte. Erst bei längerer Betrachtung erschliesst sich der auf dem Kopf stehende, kahle Baum. In beeindruckender Weise kombiniert Baselitz auf der einen Seite die klassische Malerei mit einem traditionellen, in Deutschland sehr symbolträchtigen Sujet mit einer der radikalsten neuen Gestaltungsmethoden in der Kunst des 20. Jahrhunderts.

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MARKUS LÜPERTZ

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Description: MARKUS LÜPERTZ(Reichenberg 1941 - lives and works in Düsseldorf)Susanne. 1986.Terracotta.Monogrammed on the reverse at the bottom: ML.160 x 70 x 70 cm.Exhibition: - Zurich 1986, Markus Lüpertz. Skulpturen in Ton. Galerie Maeght Lelong, October – November.- Karlsruhe 1991, Markus Lüpertz. Rezeptionen-Paraphrasen. Städtische Galerie im Prinz-Max-Palais, October - December.- Karlsruhe 1999 - 2002, Permanent loan, Städtische Galerie Karlsruhe.Literature:- Dupin, Jacques/Blistène,Bernard, Markus Lüpertz. Skulpturen in Ton. Zurich 1986 (ill. no. 1).- Schulz-Hoffmann, Carla, and others: Markus Lüpertz. Rezeptionen - Paraphrasen. Karlsruhe 1991, no. 72 (ill. 116).- Schmalenbach, Werner, and others: Landesausstellung 1990. Ursprung und Moderne. Linz 1990, p. 46.- Paparoni, Demetrio. Art in wonderland. Markus Lüpertz, in: Tema Celeste, International Art Review, no.25, April-June 1990, p. 30 (ill. p. 32).- Schmeller, Véronique. Eighty. Paris 1990 (ill. p. 129).In the 1960s in Germany a young generation of artists emerged who were to alter art and the cultural world for years to come. They all had a political standpoint, so that critiques of the economic miracle and society were a constant theme; at the same time, this very society chafed at the provocative new art. However, these artists questioned the conventional concept of art and traditional formal principles and sought their own way forward. Alongside Markus Lüpertz, members of this generation included Anselm Kiefer, Georg Baselitz, Jörg Immendorf and A.R. Penck, who were all in their different ways to return to figural expressionist painting. Markus Lüpertz fled with his family from Bohemia to the Rhineland in 1948. After two unsuccessful attempts at an apprenticeship, between 1956 and 1961 he attended the Werkkunstschule in Krefeld and earned money working in mining and road building. His studies at the Kunstakademie Düsseldorf only lasted a year and he was then unenrolled. Even his commitment to the French Foreign Legion was of short duration. In 1962 he then moved to West Berlin, in order to avoid military service; and here his real artistic career started. With Hödicke, Diehl, Petrick and Sorge, Lüpertz founded the cooperative gallery “Grossgörschen 35”. In 1969 Klaus Gallwitz exhibited his works for the first time in a show in Baden-Baden. In the following year, he received the Villa Romana prize and spent a year in Florence. In 1974 he was appointed professor of painting at the Kunstakademie Karlsruhe and in 1988 he became director of the most important art academy in Germany, the Kunstakademie Düsseldorf, a post he held for 20 years. He brought in internationally renowned artists as professors, such as Jannis Kounellis and Rosemarie Trockel, and influenced an entire generation of German artists. In 1986 Markus Lüpertz created an impressive series of clay sculptures, which at a primary level show the influence of Picasso and Giacometti, with a detailed knowledge of the art of the Expressionists and their models in primitive art, which is not to be dismissed lightly. Nevertheless, these rough, bulky sculptures are not about the depiction of a woman or a message using the vehicle of art, but a question as to what art and the sculptor can produce and what this triggers in the viewer, as Jacques Dupin describes incisively: „ Die Arbeit Lüpertz‘: Entzückung und Entführung, das Wiedererscheinen eines verbrannten Erbes, die Urbarmachung der Wüste … Durch das Anhäufen von Gespenstern und das Abziehen von Materie und, umgekehrt, durch die Vertreibung des Gespenstes mit dem Atem und der Erschaffung eines fremden Körpers. Es ist ein Hymnus – die immer gleiche Dithyrambe – auf die Frau, auf die unmögliche Gottheit, deren straffe und gebrochene Nackheit aus der Kühle ihrer Kerben und in ihren aufstiebenden Eruptionen zum Leben erwacht. Als würde sie jedesmal aus dem Auseinanderbersten ihrer Spannungen, aus ihrem skulpturalen Erscheinen, aus der Entfaltung ihrer Weiblichkeit neu geboren. Eine Weiblichkeit, die um so vollendeter ist, als sie unvollständig bleibt, um so intensiver strahlt, als sie liebevoll gemartert wurde.“ (cit. Jacques Dupin, in: Exh. Cat: Markus Lüpertz. Skulpturen in Ton, October – November 1986, Zurich 1986). --------------- MARKUS LÜPERTZ(Reichenberg 1941 - lebt und arbeitet in Düsseldorf)Susanne. 1986.Terrakotta.Auf der Rückseite unten monogrammiert: ML.160 x 70 x 70 cm.Das Werk ist im Archiv des Künstlers unter der Nummer: MLP 31/00 verzeichnet. Provenienz: Privatsammlung Deutschland.Ausstellungen: - Zürich 1986, Markus Lüpertz. Skulpturen in Ton. Galerie Maeght Lelong, Oktober – November 1986.- Karlsruhe 1991, Markus Lüpertz. Rezeptionen-Paraphrasen. Städtische Galerie im Prinz-Max-Palais, 4. Oktober - 8. Dezember 1991.- Karlsruhe 1999 - 2002. Dauerleihgabe, Städtische Galerie Karlsruhe.Literatur:- Dupin, Jacques/Blistène,Bernard: Markus Lüpertz. Skulpturen in Ton, Zürich 1986 (Abb. Nr. 1).- Schulz-Hoffmann, Carla, u.a.: Markus Lüpertz. Rezeptionen - Paraphrasen, Karlsruhe 1991, Nr. 72 (Abb. 116).- Schmalenbach, Werner, u.a.: Landesausstellung 1990, Ursprung und Moderne. Linz 1990 (Abb. S. 46).- Paparoni, Demetrio: Art in wonderland. Markus Lüpertz, in: Tema Celeste, International Art Review, N.25, April-June 1990, S. 30 (Abb. S. 32).- Schmeller, Véronique: Eighty. Paris 1990 (Abb. S. 129).Mit den 1960er Jahren formiert sich in Deutschland eine junge Künstlergeneration, die die Kunst und den Kunstbetrieb auf Jahre hin verändern wird. Ihnen allen ist eine politische Haltung zu eigen, so dass die Kritik am Wirtschaftswunderland und seiner Gesellschaft immer wieder thematisiert wird; gleichzeitig reibt sich genau diese Gesellschaft an der provokativen, neuen Kunst. Sie stellen aber auch den klassischen Kunstbegriff und die traditionellen Gestaltungsprinzipien in Frage und suchen nach eigenen Wegen. Zu dieser Generation gehören neben Markus Lüpertz auch Anselm Kiefer, Georg Baselitz, Jörg Immendorf und A.R. Penck, die alle auf unterschiedliche Weise zur figürlichen, expressiven Malerei zurückkehren.Markus Lüpertz flieht 1948 mit seiner Familie aus Böhmen ins Rheinland. Nach zwei erfolglosen Versuchen einer Lehre, besucht er zwischen 1956 und 1961 die Werkkunstschule in Krefeld und verdient sich Geld im Berg- und Strassenbau. Seine Studienzeit an der Kunstakademie Düsseldorf dauert nur ein Jahr, dann wird er exmatrikuliert. Auch seine Verpflichtung bei der französischen Fremdenlegion ist nur von kurzer Dauer. 1962 zieht er nach West-Berlin, um dem Wehrdienst zu entkommen; hier beginnt dann auch seine eigentliche künstlerische Laufbahn. Mit Hödicke, Diehl, Petrick und Sorge gründet Lüpertz die Selbsthilfegalerie „Grossgörschen 35“. 1969 zeigt Klaus Gallwitz seine Werke erstmals in einer Talentschau in Baden-Baden. Im darauffolgenden Jahr erhält er den Preis der Villa Romana und verbringt ein Jahr in Florenz. 1974 wird er als Professor für Malerei an die Kunstakademie Karlsruhe berufen und übernimmt 1988 für 20 Jahre die Leitung dieser bedeutendsten Kunstakademie in Deutschland. Er holt international renommierte Künstler als Professoren wie z.B. Jannis Kounellis oder Rosemarie Trockel und prägt eine ganze Generation deutscher Künstler. 1986 schafft Markus Lüpertz eine beeindruckende Reihe von Tonsklupturen, die vordergründig den Einfluss der Skulpturen Picassos und Giacomettis zeigen, und auch das detaillierte Wissen über die Kunst der Expressionisten und ihrer Vorbilder der Primitiven Kunst ist nicht von der Hand zu weisen. Dennoch geht es bei diesen groben, voluminösen Skulpturen nicht um die Darstellung eines Abbildes einer Frau oder einer Botschaft mit Hilfe der Kunst, sondern um die Frage, was die Kunst und der Bildhauer entstehen lassen können und was sie beim Betrachter auslösen, wie Jacques Dupin eindrücklich beschreibt: „ Die Arbeit Lüpertz: Entzückung und Entführung, das Wiedererscheinen eines verbrannten Erbes, die Urbarmachung der Wüste … Durch das Anhäufen von Gespenstern und das Abziehen von Materie und, umgekehrt, durch die Vertreibung des Gespenstes mit dem Atem und der Erschaffung eines fremden Körpers. Es ist ein Hymnus – die immer gleiche Dithyrambe – auf die Frau, auf die unmögliche Gottheit, deren straffe und gebrochene Nackheit aus der Kühle ihrer Kerben und in ihren aufstiebenden Eruptionen zum Leben erwacht. Als würde sie jedesmal aus dem Auseinanderbersten ihrer Spannungen, aus ihrem skulpturalen Erscheinen, aus der Entfaltung ihrer Weiblichkeit neu geboren. Eine Weiblichkeit, die um so vollendeter ist, als sie unvollständig bleibt, um so intensiver strahlt, als sie liebevoll gemartert wurde.“ (zit. Jacques Dupin, in: Ausst.Kat. Markus Lüpertz. Skulpturen in Ton, Oktober – November 1986, Zürich 1986).

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OTTO PIENE

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Description: OTTO PIENE(Laasphe 1928 - 2014 Berlin)Untitled. 1966.Watercolour and gouache on cardboard.Signed and dated upper centre: Piene 66.50 x 70 cm.Provenance: Directly acquired from the artist, since then private collection Switzerland.„The artist is not a refugee from the „modern world“, no, he uses new technical means as well as the forces of nature“. (cit. Otto Piene: Die Entstehung der Gruppe „Zero“ in: ZERO, Cologne 2015, p. 244)Instead of with colour and paint brush, Otto Piene, one of the most important protagonists of the international ZERO movement, experiments with alternative artistic means and makes use of natural elements such as light, movement, wind, fire, air and energy since the 60’s. In this way Otto Piene interprets art, through incorporating natural scientific findings and an intensive connection of art, technology and nature, as an energetic phenomenon. For him it is about “re-harmonising the relationship between man and nature”. In light of this ideal, Piene brings to perfection his famous fire technique, in which the work presented here was created in 1966. In a highly aesthetically refined manner the fire-blossom at the centre of the work, is dynamically cut by an arch. Piene reaches this creative process with help of fire, whereby the colours gel in the space of its short burning cycle. After the fire has expired the autonomously created sculpture is fixated, thus the organic becoming of nature is confronted with the artistic intervention of various techniques and leads to a synthesis. The destructive traces of the fire form residues in numerous shades of colour and modifications, as in our work, over which the artist has only a limited degree of influence. The significance of chance is always an important part of the picture for Piene: “I must admit, that I am always happiest with my work, when it has taken a surprising turn” (Otto Piene).The gouache offered here captivates through its extraordinary composition and harmony of colours. The yellow fire-blossom seems to grow out of the lower margin, unfolds itself to its full width and is nicely accentuated by the red arch at the lower edge. Hardly an artist of the 20th century has given himself over to experimentation, the transboundary trials to turn elements of nature into art, and created such an outstanding oeuvre. --------------- OTTO PIENE(Laasphe 1928 - 2014 Berlin)Ohne Titel. 1966.Aquarell und Gouache auf Karton.Oben mittig signiert und datiert: Piene 66.50 x 70 cm.Provenienz: Direkt vom Künstler erworben, seitdem Privatbesitz Schweiz.„Der Künstler ist nicht der Flüchtling aus der „modernen Welt“, nein, er verwendet neue technische Mittel ebenso wie die Kräfte der Natur.“ (zit. Otto Piene: Die Entstehung der Gruppe „Zero“ in: ZERO, Köln 2015, S. 244)Statt mit Farbe und Pinsel experimentiert Otto Piene, einer der wichtigsten Protagonisten der internationalen ZERO Bewegung, seit den 60er Jahren mit alternativen künstlerischen Mitteln und setzt die Naturelemente Licht, Bewegung, Wind, Feuer, Luft, Energie ein. So fasst Otto Piene, unter Einbeziehung von naturwissenschaftlichen Erkenntnissen und einer intensiven Verbindung von Kunst, Technologie und Natur, Kunst als ein energetisches Phänomen auf. Es geht ihm um die "Reharmonisierung des Verhältnisses zwischen Mensch und Natur". Vor diesem Ideal perfektioniert Piene seine berühmte Feuertechnik, in der das hier vorliegende Bild 1966 geschaffen wird. In ästhetisch hoch verfeinerter Manier erblüht die Feuerblume in der Bildmitte, von einem Rundbogen auf dynamische Weise durchschnitten. Diesen schöpferischen Prozess erreicht Piene mithilfe des Feuers, das während des kurzen Brennprozesses die Farbe auf dem Bildträger gelieren lässt. Nach dem Erlöschen des Feuers wird abschließend die selbständig entstandene Struktur fixiert, womit das organische Werden der Natur mit dem künstlerischen Eingriff verschiedener Gestaltungsmittel konfrontiert und zu einer Synthese geführt wird. Die zerstörerischen Spuren des Feuers bilden, wie auch hier, Rückstände in zahlreichen Farbvarianten und Modifikationen auf dem Bildgrund, die der Künstler nur bis zu einem gewissen Grad bestimmen und beeinflussen kann. Die Bedeutung des Zufalls ist für Piene stets wichtiger Bestandteil des Bildes: „Ich muss gestehen, dass ich in meiner Arbeit immer dann am glücklichsten war, wenn sie eine überraschende Wendung nahm.“ (Otto Piene)Die hier angebotene Gouache besticht durch ihre außergewöhnliche Komposition und Farbharmonie. Die gelbe Feuerblume scheint aus dem unteren Bildrand zu wachsen, entfaltet sich in ihre volle Breite und wird durch den roten Bogen am unteren Bildrand akzentuiert. Kaum ein Künstler aus dem 20. Jahrhundert hat sich so sehr dem Experiment zugewandt, den grenzüberschreitenden Versuchen, Elemente der Natur in Kunst umzuwandeln und hat dabei ein solch herausragendes Oeuvre geschaffen.

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ANTONIO BUENO

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Description: ANTONIO BUENO(Berlin 1918 - 1984 Fiesole)Marinaretto. 1973.Oil on masonite.Signed top right: A. Bueno.40.5 x 30 cm.We thank Mrs. Isabella Bueno for the confirmation and her kind support. Provenance: Privately owned Switzerland.Antonio Bueno was an Italian artist of Spanish origins, who lived and worked with Spanish, Italian, Swiss, German and French cultural influences. His openness to experiment was apparent in his lively career as an artist: after a training in Post-Impressionism at the École des Beaux-Arts in Geneva and Paris, Antonio Bueno became interested in the techniques of the Flemish primitives and Surrealism. His painting remained very realistic: he is known primarily for his still lifes and portraits. In 1947 he founded the group "I Pittori Moderni della Realtà" (modern realist painters), and met and worked with Giorgio de Chirico. His painting in this period was characterised by neo-figurative as well as geometric motifs, and “Clay pipes” and “Egg shells” are amongst his well-known works. In the 1960s, Antonio Bueno founded “Gruppo 70”, a group of avant-garde artists, musicians and poets in Florence, and organised the first Italian exhibition of monochromatic art. Highly committed to the avant-garde, he left “Gruppo 70” in 1969, however, and described himself then as a “neo-rearguardist”. He gave himself over to figurative depictions of small ladies and gentlemen, which remained his perennial subject. “Bérénice” and “Marianetto” are two wonderful examples of such work. Alongside numerous museum exhibitions, he participated several times in the Venice Biennale. He received many honours, including the Marzotto prize, twice, and the Fiorino prize in Venice three times. --------------- ANTONIO BUENO(Berlin 1918 - 1984 Fiesole)Marinaretto. 1973.Öl auf Masonit.Oben rechts signiert: A.Bueno.40,5 x 30 cm.Wir danken Frau Isabella Bueno für die Bestätigung und für die freundliche Unterstützung.Provenienz: Privatbesitz Schweiz. Antonio Bueno ist ein italienischer Künstler spanischer Herkunft, der zwischen spanischen, italienischen, schweizerischen, deutschen und französischen Kultureinflüssen lebt und arbeitet. Seine Experimentierfreudigkeit zeigt sich in seiner bewegten Künstlerkarriere: Nach seiner Post-Impressionistischen Bildung an der École des Beaux-Arts in Genf und Paris, interessiert sich Bueno für die Techniken der primitiven flämischen Malerei und des Surrealismus. Seine Malerei bleibt sehr realistisch; er ist zunächst für seine Stillleben und Porträtmalerei bekannt. 1947 gründet er die Gruppe der „Modernen Maler der Realität“, begegnet und arbeitet mit Giorgio de Chirico. Neo-figurative sowie geometrische Motive zeichnen seine Malerei zu dieser Zeit aus, unter anderem bekannt sind seine „Clay pipes“ oder „Egg shells“. In den 1960er Jahren gründet Antonio Bueno die „Gruppe 70“ für Avantgarde Künstler, Musiker und Poeten in Florenz und organisiert die erste italienische Ausstellung für monochromatische Kunst. Sehr engagiert als Avantgardist, verlässt er jedoch 1969 die „Gruppe 70“ und beschreibt sich nun als „Neo-Rearguardist“. Er widmet sich der figurativen Repräsentation von kleinen Damen und Herren, welche sein ewiges Sujet bleiben. „Bérénice“ und „Marianetto“ sind zwei wundervolle Beispiele. Neben zahlreichen Museumsausstellung, nimmt er mehrmals an der Biennale in Venedig teil. Er erhält viele Auszeichnungen, beispielsweise zwei Mal den Marzotto-Preis oder drei Mal den Fiorino-Preis in Venedig.

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ANTONIO BUENO

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Description: ANTONIO BUENO(Berlin 1918 - 1984 Fiesole)Bérénice. 1973.Oil on masonite.Signed top right: A. Bueno.40 x 30 cm.We thank Mrs. Isabella Bueno for the confirmation and her kind support. Provenance: Privately owned Switzerland. --------------- ANTONIO BUENO(Berlin 1918 - 1984 Fiesole)Bérénice. 1973.Öl auf Masonit.Oben rechts signiert: A. Bueno.40 x 30 cm.Wir danken Frau Isabella Bueno für die Bestätigung und für freundliche Unterstützung.Provenienz: Privatbesitz Schweiz.

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LUCIO FONTANA

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Description: LUCIO FONTANA(Rosario/Argentina 1899 - 1968 Comabbio)Natura morta. 1950-55.Plate. Ceramic painted in brown, yellow, pink, green and blue, glazed.With the incised signature: L. Fontana.Diameter 50 cm.The work is registered at the Fondazione Lucio Fontana, Milan, under the number: 3357/1. We thank the archive for his kind support.Provenance: Former private collection Italy.As early as 1935 Lucio Fontana was gaining experience in the ceramics workshops of Albissola Mare and then in 1937 in Sèvres, with the result that he knew the material thoroughly, knew how to handle it, and, as we can see here, was fully in command of it. The soft, malleable material allowed him experiment, and so it turned out that the first cuts (tagli) were produced in the ceramic works, before they were applied to the paintings. In Fontana’s art the main question is the idea (concetto) and in the sounding out and further development of that idea, genres and techniques have no role to play. The plate offered here at auction is a wonderful example on the one hand of his ceramic work, but on the other hand, above all, of his concept and its thorough implementation. Since a canvas in the traditional sense before Fontana was always two-dimensional, so the base of a plate was always flat, so that it could be used. Lucio Fontana broke with all these traditions: the canvas was cut and thereby opened up to three-dimensionality; the base of a plate was moulded, so that a sculpture emerged, which enlarged the space. In addition there are also cuts on our plate, so that the artist has removed its actual function and submitted it completely to his concept.The exceptional importance of his ceramic work is also apparent in its influence on his direct successors, such as the ZERO artists, but also the next generation of artists such as Thomas Schütte, Rosemarie Trockel and Norbert Sprangenberg. --------------- LUCIO FONTANA(Rosario/Argentinien 1899 - 1968 Comabbio)Natura morta. 1950-55.Teller. Keramik bemalt in Braun, Gelb, Rosa, Grün und Blau, glasiert.Mit der eingeritzten Signatur: L. Fontana.Durchmesser 50 cm.Das Werk ist in der Fondazione Lucio Fontana, Mailand, unter der Nummer: 3357/1 registriert. Wir danken dem Archiv für die freundliche Unterstützung. Provenienz: Ehemals Privatsammlung Italien.„Fontana zielte auf den Kosmos, die Wissenschaft, die Ideen, und nicht darauf, der Malerei eine neue Richtung zu geben oder das Kunsthandwerk auf der Rangliste der künstlerischen Medien ein Treppchen nach oben zu schieben. Er ist ein protopypischer Konzeptkünstler, bei dem die Idee Vorrang vor der Ausführung erhält.“ (zit. Markus Heinzelmann, in Ausst.Kat.: Keramische Welten. Museum Morsbroich, 25. Mai – 31. August 2014, Leverkusen 2014, S. 23). Diese Einschätzung Fontanas von Markus Heinzelmann ist grundlegend, um die Bedeutung der Keramik für Lucio Fontana zu begreifen. Bereits ab 1935 sammelt er Erfahrungen in den Keramikwerkstätten in Albissola Mare und 1937 dann auch in Sèvres, sodass er das Material genauestens kennt, bearbeiten kann und, wie man sieht, perfekt beherrscht. Das weiche, formbare Material ermöglicht es ihm zu experimentieren und so kommt es auch, dass die ersten Schnitte (Tagli) in keramischen Arbeiten entstehen, bevor er sie dann bei Gemälden einsetzt. In Fontanas Kunst geht es um die Idee (concetto) und beim Ausloten und Weiterentwicklen eben dieser, spielen Gattungen oder Techniken keine Rolle. Der hier angebotene Teller ist ein wunderbares Beispiel zum einen für seine keramischen Arbeiten, zum anderen aber vor allem für sein Konzept und dessen konsquente Durchführung. Wie eine Leinwand im klassischen Sinne bis zu Fontana immer 2-dimensional gewesen ist, so ist ebenfalls ein Tellerfond immer flach gewesen, um ihn benutzen zu können. Lucio Fontana bricht mit all diesen Traditionen: Die Leinwand wird zerschnitten und somit in die 3-Dimensionalität geöffnet; der Fond des Tellers wird modelliert, sodass auf dem Teller eine Skulptur entsteht, die den Raum erweitert. Zudem finden sich auch in unserem Teller Schnitte, mit denen der Künstler dem Teller seine eigentliche Funktion entzieht und dafür vollkommen seinem Konzept unterstellt.Die ausserordentliche Bedeutung seines keramischen Oeuvres zeigt sich auch in dem Einfluss, den es auf die ihn direkt nachfolgenden Künstler, wie den ZERO Künstlern, aber auch auf die nächste Künstlergeneration wie Thomas Schütte, Rosemarie Trockel und Norbert Sprangenberg hat.

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STEPHAN KALUZA

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Description: STEPHAN KALUZA(Bad Iburg 1964 - lives and works in Düsseldorf)Dürrenmatt.Oil on canvas.Signed central right: Stephan Kaluza.200 x 200 cm.Provenance:- Directly acquired from the artist in 2003 by the present owner.- Sammlung Prinz von Hohenzollern, Schloss Henley Park, Surrey, Great Britain.Stefan Kaluza successfully completed wide-ranging studies between 1986 and 1994 at Düsseldorf technical college, as well as a second degree in art history at the Art Academy and philosophy at the Heinrich-Heine University in Düsseldorf. Alongside his studies in painting, Stephan Kaluza also specialised in photography. From 2004 he created a growing number of photographic projects, “based on the mind, compressing complex physical and mental objects photographically in the horizontal format, so that they can be experienced in visual terms.” (Stephan Kaluza 2009). These are mostly in panoramic formats, reinforced by the continuous flow of the rural landscape or processes before the eyes of the viewer. In the painted works, the horizontal movement also appears. He is known for his portrait paintings of famous personalities, including Nelson Mandela, Oscar Wilde, Peter Ustinov or the author Friedrich Dürrenmatt, as in the work before us. Stephan Kaluza often uses photographic works as his model; he applies a top layer of oil paint horizontally using a spatula technique, and adds incised horizontal lines in the fresh paint, in order to accentuate the flowing movement. From 2000 to the present, Stephan Kaluza’s work has been exhibited in numerous solo shows as well as group shows. His works are present in public and private collections worldwide. --------------- STEPHAN KALUZA(Bad Iburg 1964 - lebt und arbeitet in Düsseldorf)Dürrenmatt.Öl auf Leinwand.Rechts mittig signiert: Stephan Kaluza.200 x 200 cm.Provenienz: - Vom heutigen Besitzer 2003 direkt vom Künstler erworben.- Sammlung Prinz von Hohenzollern, Schloss Henley Park, Surrey, Grossbritannien.Stefan Kaluza absolviert ein umfangreiches Studium von 1986 bis 1994 an der Fachhochschule in Düsseldorf, sowie ein Zweitstudium der Kunstgeschichte an der Kunstakademie und der Philosophie an der Heinrich-Heine-Universität in Düsseldorf. Parallel zur Malerei spezialisiert er sich auch auf die Fotografie. Er kreiert seit 2004 zunehmend fotografische Projekte, welche „basierend auf dem Gedanken, komplexe physische und geistige Objekte fotografisch horizontal zu komprimieren und damit visuell erfahrbar zu machen“ (Stephan Kaluza 2009). Diese haben meistens panoramische Formate, welche die kontinuierliche Fliessbewegung von ruralen Landschaften oder Handlungsabläufen in der Ansicht des Betrachters unterstützen. Bei der Malerei taucht diese horizontale Bewegung ebenfalls auf. Bekannt ist er für seine Porträtmalerei renommierter Persönlichkeiten, u.a. Nelson Mandela, Oscar Wilde, Peter Ustinov oder dem Schriftsteller Friedrich Dürrenmatt, welches uns vorliegt. Stephan Kaluza stützt sich oft auf fotografische Vorlagen; zieht die oberste Schicht seiner Ölgemälde mit Spachteltechnik horizontal und fügt geritzte horizontale Striche in die frischen Farben ein, um die Fliessbewegung zu akzentuieren. Seit 2000 bis heute wird das Oeuvre von Stephan Kaluza in zahlreichen Einzelaustellungen sowie Gruppenausstellungen gezeigt. Seine Werke sind international in öffentlichen wie in privaten Sammlungen vertreten.

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PAUL TALMAN

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Description: PAUL TALMAN(Zurich 1932 - 1987 Uebersdorf)B12. 1965.Plexiglass.Signed on the label on the reverse: Paul Talman.60.5 x 60.5 cm.Provenance: Private collection Switzerland. --------------- PAUL TALMAN(Zürich 1932 - 1987 Ueberstorf)B12. 1965.Plexiglas.Verso auf dem Etikett signiert: Paul Talman.60,5 x 60,5 cm.Provenienz: Privatsammlung Schweiz.

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CHRISTIAN MEGERT

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Description: CHRISTIAN MEGERT(Bern 1936 - lives and works in Düsseldorf)Untitled. 1960/76.Object with mirror fragments, mounted in a frame.Signed and dated on the reverse: Megert 1960/76.42.5 x 42.5 cm.Born in 1936 in Bern, the Swiss artist Christian Megert began his artistic career with monochrome paintings and sculptures. In the early 1960s, mirrors and glass were his preferred materials. In his manifesto "Neuer Raum" in 1961, Megert demanded that we consider space anew with the help of art. With this idea in mind, he broke or over-painted mirrors and reassembled them, so that a new space would be created, arriving at an interlocking of painting and space. The present work, after a design from 1960, is an outstanding example of his work and shows how close it was to that of the German group ZERO. He took part in some ZERO exhibitions in Europe and organised a ZERO exhibition himself in Switzerland. --------------- CHRISTIAN MEGERT(Bern 1936 - lebt und arbeitet in Düsseldorf)Ohne Titel. 1960/76.Objekt mit Spiegelfragmenten, in Objektkasten montiert.Verso signiert und datiert: Megert 1960/76.42,5 x 42,5 cm.Der 1936 in Bern geborene Schweizer Künstler beginnt seine künstlerische Karriere mit monochromen Gemälden und Plastiken. Anfang der 1960er Jahre werden Spiegel und Glas sein bevorzugtes Material. In seinem Manifest "Neuer Raum" fordert Megert 1961, dass man mit Hilfe von Kunst den Raum neu überdenkt. Basierend auf dieser Idee zerbricht oder übermalt er Spiegel, setzt sie neu zusammen, sodass eine bildimanente Tiefe entsteht und es zu einem Ineinandergreifen von Gemälde und Raum kommt. Das vorliegende Werk, nach einem Entwurf von 1960, ist ein hervorragendes Beispiel für sein Schaffen und zeigt seine Nähe zur deutschen ZERO Gruppe. Er ist an einigen ZERO Ausstellungen in Europa beteiligt und organisiert selbst eine ZERO Ausstellung in der Schweiz.

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CEASARE LUCCHINI

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Description: CEASARE LUCCHINI(Bellinzona 1941 - lives and works in Switzerland)Untitled. 1992.Oil on canvas.Signed and dated lower left: Lucchini 92, also signed, dated and numbered on the reverse: Lucchini 92 18.180 x 256 cm.Provenance- Galerie Carzaniga & Ueker, Basel.- Acquired from the above by the present owner, since then privately owned Switzerland.Exhibition: Basel 1993, Cesare Lucchini. Galerie Carzaniga & Ueker, (with the label on the stretcher). --------------- CEASARE LUCCHINI(Bellinzona 1941 - lebt und arbeitet in der Schweiz)Ohne Titel. 1992.Öl auf Leinwand.Unten links signiert und datiert: Lucchini 92, sowie verso signiert, datiert und nummeriert: Lucchini 92 18.180 x 256 cm.Provenienz: - Galerie Carzaniga & Ueker, Basel.- Dort vom heutigen Besitzer erworben; seitdem Privatbesitz Schweiz.Ausstellung: Basel 1993, Cesare Lucchini. Galerie Carzaniga & Ueker, Basel 1993 (mit dem Label auf dem Keilrahmen).

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MARGUERITE HERSBERGER

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Description: MARGUERITE HERSBERGER(Basel 1943 - lives and works in Zurich)no. 258b. 1981/82.Polished acrylic and acrylic.Signed, titled, dated and with mearsurements on the reverse: no 258v 1981/82 Hersberger 100 x 100 cm.100 x 100 cm.We thank the artist for her confirmation and the kind support.Provenance: Purchased by the present owner directly from the artist, since then privately owned Switzerland. --------------- MARGUERITE HERSBERGER(Basel 1943 - lebt und arbeitet in Zürich)no. 258b. 1981/82.Acrylglas geschliffen und Acrylfarbe.Verso signiert, betitelt, datiert und mit den Massangaben: no 258v 1981/82 Hersberger 100 x 100 cm.100 x 100 cm.Wir danken der Künstlerin für die Bestätigung und für die freundliche Unterstützung.Provenienz: Vom heutigen Besitzer direkt bei der Künstlerin erworben, seitdem Privatbesitz Schweiz.

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ROBERT SCHABERL

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Description: ROBERT SCHABERL(Feldbach 1961 - lives and works in Vienna)Zentralform Red Silver Purple. 2004.Acrylic on canvas.Signed, dated and titled on the reverse top overlap: ZF red silver purple 9.10.2004 (130) Robert Schaberl 2004.130 x 130 cm.We thank the artist for the confirmation and for the kind support. Provenance:- Galerie Kashya Hildebrand, Geneva.- Acquired there in 2005 by the present owner, since then privately owned Switzerland. Exhibition: Geneva 2005. Galerie Kashya Hildebrand. December 2004 – January 2005.“Using countless gossamer-thin layers of colour I seek to produce in this work a concentrated, deep red, meditative field of colour. Fine modulations cause the colour to vibrate. A painted ground, which is net-like and reminiscent of reptile skin in its texture, clearly visible at the edges of the circle and in part in the centre, further strengthens the spatial depth of this red lake of colour. Through this interweaving of the different applications of colour, I create a wave-like movement within the circle, and in this way I seek to dissolve the two-dimensional limits of the canvas. Using high gloss layers, I contrast the permeation at the centre of the colour field with a subtle spatial limit, which reveals reflections and clearly defines the pictorial limits of the work with light reflexes on the colour surface.” (Robert Schaberl 2016) --------------- ROBERT SCHABERL(Feldbach 1961 - lebt und arbeitet in Wien)Zentralform Red Silver Purple. 2004.Acryl auf Leinwand.Verso auf der Überlappung signiert, datiert und betitelt: ZF red silver purple 9.10.2004 (130) Robert Schaberl 2004.130 x 130 cm.Wir danken dem Künstler für die Bestätigung und für seine freundliche Unterstützung. Provenienz: - Galerie Kashya Hildebrand, Genf.- Dort vom heutigen Besitzer 2005 erworben, seitdem Privatbesitz Schweiz.Ausstellung: Genf 2005. Galerie Kashya Hildebrand. Dezember 2004 – Januar 2005.„Durch unzählige hauchdünne Farblasuren versuche ich in dieser Arbeit einen konzentrierten tiefroten, meditativen Farbraum zu erzeugen. Fein variierende Modulationen versetzen diesen Farbraum in ein Schwingen. Eine darunter gemalte, netzartige und an Reptilienhaut erinnernde Textur, welche ich an den Rändern des Kreises und teils auch im Zentrum deutlicher sichtbar lasse, verstärkt noch die räumliche Tiefe des roten Farbsees. Durch dieses Verflechten des unterschiedlichen Farbauftrages versetze ich das Innere des Kreises in eine wellenartige Bewegung und versuche auf diese Weise die zweidimensionale Begrenzung der Leinwand aufzulösen. Dem Eindringen in das Innere des Farbraums setze ich jedoch mit hochglänzenden Lasuren eine subtile Raumgrenze entgegen, die Spiegelungen offenbart und mit Lichtreflexen auf der Farboberfläche klar die Raumgrenze des Bildes definiert.“ (Robert Schaberl 2016).

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FRANZ EGGENSCHWILER

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Description: FRANZ EGGENSCHWILER(Solothurn 1930 - 2000 Bern)Untitled. 1985-86.Convolute of 15 biro and pencil drawings on paper (partly used paper).Each monogrammed and dated: fE 1985 resp. 1986.14.6 x 10.4 cm.Provenance: Former collection Bless (on the reverse with the handwritten note). --------------- FRANZ EGGENSCHWILER(Solothurn 1930 - 2000 Bern)Ohne Titel. 1985-86.Konvolut von 15 Kugelschreiber- und Bleistiftzeichnungen auf Papier (z.T. gebrauchtes Papier).Jeweil monogrammiert und datiert: fE 1985 bzw. 1986.14,6 x 10,4 cm.Provenienz: Ehemals Sammlung Bless (verso mit der hs. Notiz).

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NOT VITAL

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Description: NOT VITAL(Sent 1948 - lives and works amongst others in Switzerland)POLE-ANIMAL.Gouache on paper.Signed lower right: Not Vital, also titled upper centre: POLE-ANIMAL.43.2 x 35.5 cm.Provenance:- Galerie Claudia Knapp, Chur.- Acquired from the above in 1980s by the present owner, since then privately owned Switzerland.Not Vial was born in 1948 in Sent, Lower Engadine, and came into contact with art early on through the art historian Max Huggler. He studied in Paris and Rome and lived in New York in the 1970s, where he met artists including Willem de Kooning, Jean-Michel Basquiat, Keith Haring and Andy Warhol. Today he works around the world, including Rio de Janeiro, Beijing, where Ai Wewei is in the neighbouring studio, and Sent. His countless journeys and the experiences and impressions of other cultures strongly influence his work. He himself says: “I am a nomad, the world is my studio”. Vital’s oeuvre is unbelievably versatile, and extends from drawing and painting, to sculpture and architecture. Many of his works are produced from materials such as bronze, marble or glass. At the same time he is also shaped by his home origins, the Engadine. Here in 1998 the artist bought a park, “Parkin Not dal Mot”, in which he could place and present his sculptures and installations within a natural setting. Also, with the foundation “fundaziun Not Vital” set up in 2003, he has campaigned for the preservation of the culture of the Engadine, and has endeavoured to bring many books and other cultural assets of the Romansh region back to their place of origin. --------------- NOT VITAL(Sent 1948 - lebt und arbeitet u.a. in der Schweiz)POLE-ANIMAL.Gouache auf Papier.Unten rechts signiert: Not Vital, sowie oben mittig betitelt: POLE-ANIMAL.43,2 x 35,5 cm.Provenienz: - Galerie Claudia Knapp, Chur.- In den 1980er Jahren dort vom heutigen Besitzer erworben, seitdem Privatbesitz Schweiz.Not Vial wird 1948 in Sent im Unterengadin geboren und kommt durch den Kunsthistoriker Max Huggler früh mit der Kunst in Kontakt. Er studiert in Paris und Rom und lebt in den 1970er Jahren in New York, wo er unter anderem Willem de Kooning, Jean-Michel Basquiat, Keith Haring und Andy Warhol kennenlernt. Heute arbeitet er weltweit, unter anderem in Rio de Janeiro, Beijing, wo sein Ateliernachbar Ai Wewei ist, und Sent. Seine unzähligen Reisen, die Erfahrungen und Impressionen anderer Kulturen beeinflussen seine Arbeit stark. Er selbst sagt: „Ich bin ein Nomade, mein Atelier ist die Welt“. Vitals Oeuvre ist unglaublich vielseitig und erstreckt sich von Zeichnungen und Gemälden über Skulpturen bis hin zur Architektur. Viele seiner Werke entstehen aus Materialien wie Bronze, Marmor oder Glas. Gleichzeitig ist er auch geprägt von seiner Heimat, dem Engadin. Hier kauft der Künstler 1998 einen Park, in dem er seine Skulpturen und Installationen inmitten der Natur präsentieren und platzieren kann, den „Parkin Not dal Mot“. Auch mit der 2003 gegründeten Stiftung „fundaziun Not Vital“ setzt er sich für die Erhaltung der Kultur des Engadins ein und bemüht sich, viele Bücher und andere Kulturgüter der romanischen Region wieder an ihren Herkunftsort zu bringen.

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NOT VITAL

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Description: NOT VITAL(Sent 1948 - lives and works amonst others in Switzerland)Untitled.Oil on paper.Signed lower centre: Not Vital.43.2 x 35.5 cm.Provenance:- Galerie Claudia Knapp, Chur.- Acquired from the above in 1980s by the present owner, since then privately owned Switzerland. --------------- NOT VITAL(Sent 1948 - lebt und arbeitet u.a. in der Schweiz)Ohne Titel.Öl auf Papier.Unten mittig signiert: Not Vital.43,2 x 35,5 cm.Provenienz: - Galerie Claudia Knapp, Chur.- In den 1980er Jahren dort vom heutigen Besitzer erworben, seitdem Privatbesitz Schweiz.

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URS LÜTHI

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Description: URS LÜTHI(Kriens 1947 - lives and works in Munich)Triple-Box. 1967.Oil on masonite.Titled, signed and dated on the reverse: "Triple-Box" Urs Lüthi 1967.90 x 120 cm.Provenance: Estate Comuzzi, since then privately owned Switzerland. --------------- URS LÜTHI(Kriens 1947 - lebt und arbeitet in München)Triple-Box. 1967.Öl auf Masonit.Verso auf dem Rahmen betitelt, signiert und datiert: "Triple-Box" Urs Lüthi 1967.90 x 120 cm.Provenienz: Nachlass Comuzzi, seitdem Privatbesitz Schweiz.

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ALFRED HOFKUNST

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Description: ALFRED HOFKUNST(Wien 1942 - 2004 Cudrefin)Lavendelfeld. 1987-90.Oil on canvas.Signed and dated lower right: Hofkunst 87-90.150 x 200 cm.We thank Mrs. Sabine Hofkunst for the confirmation and her kind support. Provenance: Private collection Switzerland. --------------- ALFRED HOFKUNST(Wien 1942 - 2004 Cudrefin)Lavendelfeld. 1987-90.Öl auf Leinwand.Unten rechts signiert und datiert: Hofkunst 87-90.150 x 200 cm.Wir danken Frau Sabine Hofkunst für die Bestätigung und für die freundliche Unterstützung. Provenienz: Privatsammlung Schweiz.

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MARTIN DISLER

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Description: MARTIN DISLER(Seewen 1949 - 1996 Geneva)Untitled. 1994.Watercolour and gouache on paper.Signed and dated lower right: disler 94.141 x 74.5 cm.Provenance:- Former collection Elisabeth Kaufmann, Basel.- Private collection Switzerland. --------------- MARTIN DISLER(Seewen 1949 - 1996 Genf)Ohne Titel. 1994.Aquarell und Gouache auf Papier.Unten rechts signiert und datiert: disler 94.141 x 74,5 cm.Provenienz:- Ehemals Sammlung Elisabeth Kaufmann, Basel.- Privatsammlung Schweiz.

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MERET OPPENHEIM

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Description: MERET OPPENHEIM(Berlin 1913 - 1985 Basel)Kopf einer Frau mit roten Haaren, roten Lippen, violetter Hand. 1957.Charcoal and gouache on paper.Monogrammed and dated lower right: M.O. 57.32.6 x 43.5 cm (sheet size).Provenance: Private collection Switzerland. Literature: Curiger, Bice: Meret Oppenheim. Zurich 1989, p. 163, no. F 17 b. --------------- MERET OPPENHEIM(Berlin 1913 - 1985 Basel)Kopf einer Frau mit roten Haaren, roten Lippen, violetter Hand. 1957.Kohle und Gouache auf Papier.Unten rechts monogrammiert und datiert: M.O. 57.32,6 x 43,5 cm (Blattmass).Provenienz: Privatsammlung Schweiz. Literatur: Curiger, Bice: Meret Oppenheim. Zürich 1989, S. 163, Nr. F 17 b.

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MARTIN DISLER

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Description: MARTIN DISLER(Seewen 1949 - 1996 Geneva)Untitled.Watercolour and gouache on paper.Signed lower right: disler.79 x 139 cm.Provenance:- Former collection Elisabeth Kaufmann, Basel.- Private collection Switzerland. --------------- MARTIN DISLER(Seewen 1949 - 1996 Genf)Ohne Titel. 1994.Aquarell und Gouache auf Papier.Unten rechts signiert und datiert: disler.79 x 139 cm.Provenienz:- Ehemals Sammlung Elisabeth Kaufmann, Basel.- Privatsammlung Schweiz.

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MARTIN DISLER

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Description: MARTIN DISLER(Seewen 1949 - 1996 Genf)Untitled. 1984.Oil, pastel, gouache and carbon on paper.Signed and dated lower right: disler 84.50 x 65 cm. --------------- MARTIN DISLER(Seewen 1949 - 1996 Genf)Ohne Titel. 1984.Öl, Pastell, Gouache und Kohle auf Papier.Unten rechts signiert und datiert: disler 84.50 x 65 cm.

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