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Auction Description for Morton Casa de Subastas: Latin American Art Auction

Latin American Art Auction

by Morton Casa de Subastas


202 lots with images

May 16, 2013

Live Auction

Monte Athos # 179

Lomas de Chapultepec

Mexico DF, CP11000 Mexico

Phone: +52 (55) 52 83 31 40

Fax: +52 (55) 55 40 32 13

Email: atencion.clientes@lmorton.com

202 Lots
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LUIS COVARRUBIAS, Sin título, Firmado. Gouache sobre papel sobre cartón, 38 x 49.5 cm

Lot 1: LUIS COVARRUBIAS, Sin título, Firmado. Gouache sobre papel sobre cartón, 38 x 49.5 cm

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Description: LUIS COVARRUBIAS Sin título Firmado. Gouache sobre papel sobre cartón. (N. Ciudad de México, 1919 - 1987) Se crió en el seno de una familia con una gran sensibilidad artística; su padre, el ingeniero José Covarrubias, tenía por afición desarrollar y experimentar en el campo de la pintura, y fue quien encauzó e influyó en sus hijos Luis y Miguel, para que siguieran sus pasos dentro de las artes plásticas. Luis decidió abandonar la carrera de químico bacteriólogo para dedicarse a la pintura. Su gran pasión por la cultura de México lo motivó a realizar estudios sobre diversos ámbitos, además de entablar una gran amistad con Diego Rivera y con José Clemente Orozco. Véase: LÁMBARRY, Margarita. La Colección de Pintura del Banco Nacional de México. Tomo I. México. Grupo Financiero Banamex, 2002. pp. 208 - 210. 38 x 49.5 cm

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LUIS COVARRUBIAS, Paisaje con nubes, Firmado. Gouache sobre papel sobre cartón, 38 x 50 cm

Lot 2: LUIS COVARRUBIAS, Paisaje con nubes, Firmado. Gouache sobre papel sobre cartón, 38 x 50 cm

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Description: LUIS COVARRUBIAS Paisaje con nubes Firmado. Gouache sobre papel sobre cartón. "La pintura de Luis Covarrubias tiene una transparencia reveladora, cada uno de sus cuadros encierra diversos significados, el más ambicioso de los cuales es representar esa realidad de orden diferente que aún se conserva como tesoro entre algunos pueblos indígenas. Desde sus primeros cuadros su pincel es significativo, revelador de una dimensión extraordinaria, que cautiva en los temas indígenas predominantemente. La tendencia poética de Covarrubias es condensar algo de ese mundo mágico, de esa realidad tan separada, tan próxima y sin embargo tan diferente y rica en significados que aún existe en algunas comunidades de México". - Bertha Taracena. 38 x 50 cm

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LUIS COVARRUBIAS, Sin título, Firmado y fechado 1983. Gouache sobre papel sobre cartón, 35.5 x 49 cm

Lot 3: LUIS COVARRUBIAS, Sin título, Firmado y fechado 1983. Gouache sobre papel sobre cartón, 35.5 x 49 cm

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Description: LUIS COVARRUBIAS Sin título Firmado y fechado 1983. Gouache sobre papel sobre cartón. En la década de los años 40, comenzó siendo ayudante de su hermano en la realización de mapas murales alusivos a las zonas arqueológicas y folklóricas de México. Posteriormente publicó algunos estudios en relación a las danzas, artesanías y vestidos mexicanos, así como de arqueología. Se destacó como muralista y con su muy vasta producción de pintura de caballete realizó varias exposiciones individuales en galerías públicas y particulares de México y el extranjero. Su familia le dio el interés por la pintura, así como la arqueología y artes populares. Realizó varias exposiciones individuales en galerías públicas y particulares de México y el extranjero, destacando la exposición El Tiempo Mágico en el Museo de Arte Moderno de la ciudad de México (1974). Su interés por la cultura y el México popular se ve reflejado en su obra. 35.5 x 49 cm

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LUIS NISHIZAWA, Paisaje, Firmada y con gago-in. Acuarela y tinta sobre papel, 55 x 83 cm

Lot 4: LUIS NISHIZAWA, Paisaje, Firmada y con gago-in. Acuarela y tinta sobre papel, 55 x 83 cm

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Description: LUIS NISHIZAWA Paisaje Firmada y con gago-in. Acuarela y tinta sobre papel. (N. Cuautitlán, Estado de México, 1918 - ) Su familia se dedicaba al campo, por lo que en su juventud fue pastor; este período de contacto con la naturaleza influiría en su rica producción paisajística mostrando el amor que siente por la tierra, las montañas y los pastizales, donde aprende a observar la naturaleza y conserva hasta la fecha un estado de asombro ante el paisaje. Visualiza y capta la naturaleza, que le confiere una profundidad extraordinaria y lo introduce en una atmósfera majestuosa. Sus obras reflejan amor por sus raíces mexicanas, legado de su madre, mientras que el misticismo y la contemplación son una peculiaridad que caracterizan un espíritu oriental, herencia de su padre Kenji Nishizawa del cual aprendió los valores profundos de la filosofía Zen, como el sentido del honor, la integridad personal, la lealtad y el respeto por el hombre. Véase: LARA ELIZONDO, Lupina. Visión de México y sus Artistas. Tomo I. México. Promoción de Arte Mexicano, 2000. pp. 260-263. Véase: MARTÍNEZ LÁMBARRY, Margarita. La Colección de Pintura del Banco Nacional de México. Tomo I. México. Grupo Financiero Banamex, 2002. p. 468. 55 x 83 cm

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MARIO ALMELA, Paisaje, Firmado. Óleo sobre tela, 60 x 80 cm, Con certificado de autenticidad.

Lot 5: MARIO ALMELA, Paisaje, Firmado. Óleo sobre tela, 60 x 80 cm, Con certificado de autenticidad.

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Description: MARIO ALMELA Paisaje Firmado. Óleo sobre tela. Con certificado de autenticidad de Aldama Fine Art. (N. Ciudad de México, 1940 - ) En un medio donde la innovación parece premisa obligada (aún a costa de la calidad), Almela vuelve su mirada a los grandes maestros, aprende y se nutre de ellos para luego crear una obra definitivamente personal que, sin embargo, no niega la bondad de ciertas influencias. La pincelada rápida y enérgica que se aprecia en sus lienzos, remite irremediablemente a la pintura impresionista, de la cual el artista ha elaborado su propia interpretación, en especial del tratamiento de la luz. En una suerte de magia, Almela atrapa ese fenómeno que desde tiempos remotos cautivó a la humanidad, y lo traslada magistralmente a las telas: la luz del amanecer, la del mediodía, el reflejo del sol cuando acaba de llover, la luz que ilumina los cuerpos y purifica el espíritu. En cada trayecto, Almela llena sus ojos y su ánimo con los cielos, montes, campos, árboles y flores que más tarde quedarán plasmados en los lienzos para deleite de quien los contemple. El idilio entre Almela y la naturaleza es una historia de amor correspondido. Él la descifra y la traduce; ella, agradecida, le brinda su semblante más hermoso. Véase: RUÍZ MARTÍNEZ, María Guadalupe. "Mario Almela y su perpetuo idilio con el paisaje". 60 x 80 cm

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FELICIANO PEÑA, Paisaje, Firmado y fechado 1967 al frente. Óleo sobre tela, 110 x 150 cm

Lot 6: FELICIANO PEÑA, Paisaje, Firmado y fechado 1967 al frente. Óleo sobre tela, 110 x 150 cm

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Description: FELICIANO PEÑA Paisaje Firmado y fechado 1967 al frente. Firmado al reverso. Óleo sobre tela. Presenta craqueladuras. Con etiqueta de Galerías Merkup, A. C. (N. Silao, Guanajuato, 1915 - Ciudad de México, 1982) Estudió en la Escuela al Aire Libre de Tlalpan bajo la guía del grabador Francisco Díaz de León. Fue docente en la Escuela de Pintura y Escultura "La Esmeralda". Del ilustre pintor José María Velasco retomó la vocación por plasmar el medio natural. Dio a la perspectiva un tratamiento similar al del maestro mexiquense; pintó valles, cañadas, arboledas, montes y miradores. Su estilo se basa en una observación fiel de la naturaleza. Sus paisajes son resultado de un largo contacto con el medio natural. Desde la Escuela de Pintura al Aire Libre, Peña había aprendido a ver el color en la naturaleza, el espacio en la naturaleza. El paisaje estaba a la vuelta de la esquina se ofrecía como tema, casi se imponía. "El paisajista es probablemente un místico o un romántico que trata de rescatar algo de la belleza de las formas naturales, que ahora, en nuestros días, son agredidas, mutiladas y contaminadas por todos. El paisajista, parafraseando al poeta, quiere arrancar a la 'epopeya del paisaje un gajo', en una angustiosa carrera contra la destrucción de la naturaleza. El paisaje puede gustar al entendido y al profano, porque es un aspecto del arte realista, este arte del que se ha dicho que está agotado, que no está de moda, pero que vive y revive porque tiene infinitas posibilidades de expresión por ser un reflejo de la vida misma". - Feliciano Peña. Véase: TOVAR Y DE TERESA, Guillermo. Repertorio de Artistas en México. Tomo II. México. Grupo Financiero Bancomer, 1997. pp. Véase: TIBOL, Raquel. "Feliciano Peña de la honradez y el arraigo profesional." México. Gobierno del estado de Guanajuato, 1985. pp. 21 - 22. 110 x 150 cm

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GUILLERMO GÓMEZ MAYORGA, Paisaje de Miraflores, Firmado. Óleo sobre tela, 61.5 x 80.5 cm

Lot 7: GUILLERMO GÓMEZ MAYORGA, Paisaje de Miraflores, Firmado. Óleo sobre tela, 61.5 x 80.5 cm

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Description: GUILLERMO GÓMEZ MAYORGA Paisaje de Miraflores Firmado Miraflores (Méx). Óleo sobre tela. Con etiqueta del Museo del Palacio de Bellas Artes, expuesto en 1989 y del Museo Nacional de Arte. (N. Puebla, 1887 - 1962) Guillermo Gómez Mayorga fue uno de los paisajistas mexicanos que con singular belleza pintó los volcanes de México. Sus paisajes fueron realizados del natural, el artista salía al campo cargando sus materiales para escoger el sitio perfecto. Trazaba líneas, preparaba los fondos y con paciencia esperaba la hora exacta en la que los colores se contrastan, aquel momento en el que aparecen sombras bien marcadas y el sol crepuscular crea un ambiente digno de un espectáculo. Ese instante en el que la luz juega con los tonos dorados, los colores cobrizos y anaranjado, las nubes y los cielos se tiñen, las montañas se oscurecen pasando de los verdes intensos a los morados. Véase: LARA ELIZONDO, Lupina. Resumen. Pintores y Pintura Mexicana. México. Promoción de Arte Mexicano. Agosto 2007. Año 3. No. 32. 61.5 x 80.5 cm

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GUILLERMO GÓMEZ MAYORGA, Paisaje de playa, Firmado. Óleo sobre tela, 60 x 50 cm

Lot 8: GUILLERMO GÓMEZ MAYORGA, Paisaje de playa, Firmado. Óleo sobre tela, 60 x 50 cm

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Description: GUILLERMO GÓMEZ MAYORGA Paisaje de playa Firmado. Óleo sobre tela. Procedencia: Galerías A. Cristobal, colección particular Ciudad de México Presenta ligeros detalles de conservación. Las escenas marinas que pintó Gómez Mayorga hacen ver tratamientos heterogéneos, a veces inducidos por los sitios que el pintor tomó como modelos, independientemente de que los haya o no conocido. Cuadros con motivos costeros tienen un desarrollo poco impetuoso aunque gestualista, donde se levantan espigadas palmeras, con aguas quietas de azul profundo y celajes apacibles. Muchas veces el pintor utilizó con fortuna el contraste entre los componentes ocres rojizos de la playa, el azul profundo del manto marino y el cielo de quietud apastelada. Véase: AMERLINCK, Rodrigo. Guillermo Gómez Mayorga. México. Fernández Cueto Editores, 1998. pp. 101 - 105. 60 x 50 cm

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CARLOS RÍOS, El Salto, Firmado. Acrílico sobre tela, 180 x 120 cm, Con certificado de autenticidad.

Lot 9: CARLOS RÍOS, El Salto, Firmado. Acrílico sobre tela, 180 x 120 cm, Con certificado de autenticidad.

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Description: CARLOS RÍOS El Salto Firmado. Acrílico sobre tela. Con certificado de autenticidad de Ginocchio Galería firmado por el artista, México D.F., abril de 2011. Agradecemos a Galería Alfredo Ginocchio por la verificación de autenticidad de esta obra, marzo de 2013. (N. La Habana, Cuba, 1958 - ). Carlos Ríos nació en la zona rural de la Provincia de la Habana. Durante sus años de infancia, tuvo poco contacto con el entorno urbano; siempre estuvo rodeado de una atmósfera campirana llena de espacio, de verdor, de palmeras espigadas, de veredas bordeadas de vegetación, en donde él pasaba casi la mitad de las horas del día. Para el pintor, el paisaje tiene un cierto sabor a juego, a lluvia y a las caminatas que tenía que emprender para encontrarse con la infinita vista azulada del mar de La Habana. Desde sus primeros cuadros, se motivó por el género del paisaje, envueltas en una atmósfera tropical. "Cuando pienso en los significantes asociados al verbo fluir, en términos visuales, mis representaciones siempre evocan esa casi inaprensible corporeidad del agua. El agua: vital y mortal; espejo y realidad insondable; incorpora en sus dualidades el poder demiúrgico y hecatómbico necesario para modelar el paisaje". - Carlos Ríos. Véase: LARA ELIZONDO, Lupina. Resumen. Pintores y Pintura Mexicana. México. Promoción de Arte Mexicano. Septiembre - Octubre 2008. pp. 28 - 31. Año 13. No. 95. Véase: Carlos Ríos. Fluencias. México. Alfredo Ginocchio Arte Internacional, 2008. 180 x 120 cm

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YAMPIER SARDINA, Faena del día, Firmado y fechado 2009. Óleo sobre tela, 100 x 120 cm, Con certificado de autenticidad.

Lot 10: YAMPIER SARDINA, Faena del día, Firmado y fechado 2009. Óleo sobre tela, 100 x 120 cm, Con certificado de autenticidad.

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Description: YAMPIER SARDINA Faena del día Firmado y fechado 2009. Óleo sobre tela. Con certificado de autenticidad de Aldama Fine Art. Publicado en: ALDAMA, José Ignacio, et al. Yampier Sardina. El placer del engaño. México. Aldama Fine Art, 2009. p. 55, catalogado 20. (N. La Habana, Cuba, 1979 - ). Yampier Sardina Esperón realizó estudios en la Escuela Elemental de Artes Plásticas "20 de Octubre" y en la Academia Nacional de Artes Plásticas "San Alejandro", ambas en su ciudad de origen. En su trabajo se ve la madurez de quien ha asumido con claridad su vocación de pintor y la seguridad de quien se ha entregado por completo al estudio, la técnica, la reflexión y la contemplación. En su obra no sólo es evidente su capacidad, sino lo que logra decirnos con ella. Esta obra supone una revisión personal y colectiva a la vez, subjetiva y concreta, de lugares, acciones y objetos cotidianos para revelarlos en su cruda realidad, quizás para contar la mejor historia posible. No hay maquillaje en el objeto, ni en el intercambio que precede o antecede a esos instantes. Pero esto no quiere decir que el trabajo sea descuidado. Al contrario, la fidelidad al abandono exige enorme minuciosidad, cuidado, detalle, como lo demanda el oficio sagrado de sobrevivir. Véase: ALDAMA, José Ignacio, et al. Yampier Sardina. El placer del engaño. México. Aldama Fine Art, 2009. pp. 6 - 12. 100 x 120 cm

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SOFIA BASSI - ASGER JORN, El árbol. Alimon Jorn - Bassi, Firmado por ambos artistas, Óleo sobre masonite. 87 x 40 cm Con certificado.

Lot 11: SOFIA BASSI - ASGER JORN, El árbol. Alimon Jorn - Bassi, Firmado por ambos artistas, Óleo sobre masonite. 87 x 40 cm Con certificado.

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Description: SOFIA BASSI - ASGER JORN El árbol. Alimon Jorn - Bassi Firmado por ambos artistas al frente. Óleo sobre masonite. Con certificado de autenticidad de Franco Bassi, hijo de Sofía Bassi, abril de 2013. Con etiqueta del Instituto Nacional de Bellas Artes. Agradecemos a Franco Bassi por la verificación de autenticidad de esta obra, abril de 2013. Publicado en: Sofía Bassi. México. Editorial Artes de México, 1974. p. 20. Sofía Bassi nació en Ciudad Mendoza, Veracruz. Comenzó a pintar en 1964 y su pintura fue clasificada como surrealista, aunque algunos críticos la han denominado "impresionismo mágico". Autodidacta, estudió la preparatoria y dos años de filosofía. Al año de haber empezado a pintar la invitaron a exponer en Nueva York, donde fue condecorada con la Cruz de la Orden de Malta, por sus méritos artísticos y filantrópicos. Pintó un mural con Alberto Gironella, José Luis Cuevas, Rafael Coronel y Francisco Corzas en la antigua cárcel de Acapulco, mismo que ha sido restaurado y colocado para su conservación permanente, en el Palacio Municipal de Acapulco. Sofía Bassi nos revela un arte de remotas paralelas increíbles, de figuraciones y de símbolos cuya sustancia original permanece apenas o casi en la memoria atávica de Atlántidas conocidas oníricamente, de continentes perdidos, ciudades ceñidas por los brazos lentísimos de mares ávidos. Estas pinturas atañen no a la historia de la pintura, sino a la historia del sueño. Durante su vida, se convierte en una celebridad artística. Encontró que su pensamiento podía tener un mejor cauce por medio de la pintura, dedicándose a ella hasta sus últimos días. Sus cuadros se caracterizan por ser surrealistas, cargados de ideología y la búsqueda constante de una realidad mágica. El artista danés Asger Jorn nació en Vejrum cerca de Struer el 3 de marzo de 1914. Recibió una educación para la enseñanza de 1930 a 1935, pero ya hace sus primeros pasos en la pintura durante este tiempo. A partir de 1935 realizó sus primeras pinturas abstractas, encontrando inspiración en el arte ornamental de los vikingos, los frescos medievales en Dinamarca y el arte popular escandinavo. En 1936 se va a París para y estudió en la Académie Contemporaine de Fernand Léger. París es especialmente importante para Asger Jorn en términos de su animada escena del arte contemporáneo. Examina las pinturas abstractas de Wassily Kandinsky y las obras de los surrealistas, Max Ernst, Joan Miró y Paul Klee, que lo dejan fascinado. Regresa a Dinamarca en 1938, donde su primera exposición individual tiene lugar en Copenhague ese mismo año. Asger Jorn emplea muchas formas de protesta contra la ocupación alemana de Dinamarca. Trabaja, por ejemplo, para las revistas "Helhesten" (Caballo Infierno) y "Tierra Folk og". En 1945 trabaja en una serie de 23 grabados titulada "Ocupaciones 1939-45". Después de la guerra se centra en los escritos teóricos sobre arte y en la crítica de la sociedad capitalista. Es así que junto con Karel Appel, Constant, Corneille, Dotremont Christian y Joseph Noiret se inicia el grupo de artistas "Cobra" en 1948 - un acrónimo de los nombres de la ciudad de Copenhague, Bruselas y Amsterdam, desde donde sus miembros vienen. Su principal objetivo era lanzar un grito de guerra contra la sociedad burguesa encorsetada por la tradición y contra el arte preso del formalismo. Corriente eminentemente europea, Cobra pasó a situarse en la encrucijada del surrealismo y del expresionismo abstracto norteamericano, aunque sus fuentes de inspiración y sus ambiciones abarcarían un horizonte mucho más amplio. COBRA caminó a caballo entre la figuración y la abstracción. Muchos de los pintores decían que la frescura y espontaneidad de la acción de pintar era fruto de una sensibilidad inherente al hombre y a su naturaleza intrínseca y que no debía ser considerada abstracta por cuanto procede directamente de nosotros mismos. Como sus contemporáneos norteamericanos, los artistas de COBRA prestaron mucha atención al proceso pictórico, a la propia acción de pintar. Véase: TOVAR Y DE TERESA, Guillermo. Repertorio de Artistas en México. Tomo I. México. Grupo Financiero Bancomer, 1997. p. 142. Véase: Cobra. Arte en todo el mundo. España. Diario El Cultural, 27 de marzo de 2003. Sección Arte. Véase: MARINOTTI, Paolo. Jorn a Venezia. Italia. Rizzoli Grafica, 1963. Véase: Sofía Bassi. México. Editorial Artes de México, 1974. Véase: Sueños recurrentes. Sofía Bassi, muestra pictórica. México. Presidencia de la República, 1993. 87 x 40 cm

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JOSÉ ANTONIO FARRERA, Gran Árbol Rosa, Firmado y fechado 2012. Óleo sobre tela, 150 x 120 cm, Con certificado de autenticidad.

Lot 12: JOSÉ ANTONIO FARRERA, Gran Árbol Rosa, Firmado y fechado 2012. Óleo sobre tela, 150 x 120 cm, Con certificado de autenticidad.

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Description: JOSÉ ANTONIO FARRERA Gran Árbol Rosa Firmado y fechado 2012. Óleo sobre tela. Con certificado de autenticidad de Aldama Fine Art. (N. Ciudad de México, 1964 - ). José Antonio Farrera es licenciado en Pintura por La Esmeralda y Maestro en Artes Visuales especializado en el área de gráfica, por la ENAP, Academia de San Carlos. "Gran Árbol Rosa" pertenece a la segunda parte de la serie "Bouquets" trabajada a partir de 2005 por este destacado pintor mexicano. Evidentemente estas obras, desarrolladas a la par de los ya muy reconocidos retratos y desnudos del artista, son un ejercicio en torno al color y a la composición, una experimentación formal llevada al máximo nivel de calidad técnica. Farrera desarrolla con estas obras una paleta específica, explosiva y contundente. La construcción formal del guión colorístico permite crear metáforas en torno a la naturaleza, así es como se sugieren arreglos de flores, ramos, árboles y bosques tupidos cuya naturaleza exacerbada se expande infinitamente por el sustrato; el crecimiento de los elementos es referente de la fuerza brutal de la naturaleza misma. Con esto el autor no solo nos muestra físicamente el tema que propone sino que también lo hace de manera conceptual. La composición reafirma la idea de la naturaleza salvaje e incontenible, se construye a partir del análisis de las secciones más importantes del cuadro, estudiando la sección áurea y sus líneas de tensión y soporte; el artista nos deja ver tres franjas de fondo negro (¿un cielo atormentado?) indicando los desplazamientos aleatorios de un crecimiento natural pero adecuados a este trabajo pictórico en sus áreas perfectamente definidas. 150 x 120 cm

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ARMANDO ZESATTI, Otoño III, 2000, Firmado. Acrílico sobre tela, 89 x 130 cm, Con certificado de autenticidad.

Lot 13: ARMANDO ZESATTI, Otoño III, 2000, Firmado. Acrílico sobre tela, 89 x 130 cm, Con certificado de autenticidad.

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Description: ARMANDO ZESATTI Otoño III, 2000 Firmado. Acrílico sobre tela. Con certificado de autenticidad de Interart S.A. de C.V., México D.F., marzo de 2013. Publicado en: ARTEAGA, Agustín, et. al. Armando Zesatti, Arte y Naturaleza. México. Landucci Editores, 2002. (N. México, D.F., 1967 - ). Estudió Administración en la Universidad del Nuevo Mundo. Su incursión en la pintura fue autodidacta; dedicó seis años de su vida a aprender y dominar el oficio. El dibujo hiperrealista se convirtió en su primera gran pasión, y a continuación lograrlo con pintura marcó su objetivo. Es así que Zesatti busca transcribir para el espectador las formas pequeñas en que se manifiesta la naturaleza, enfatizando su significado vital para las sociedades urbanas, ante las cuales establece así, una perspectiva crítica. Véase: LARA ELIZONDO, Lupina. Resumen. 200 Pintores y Pintura Mexicana. México. Promoción de Arte Mexicano. Julio-Agosto 2009. pp. 202. No. 100. Véase: ARTEAGA, Agustín, et. al. Armando Zesatti, Arte y Naturaleza. México. Landucci Editores, 2002. 89 x 130 cm

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PHIL KELLY, Plaza Río de Janeiro, Firmado. Óleo sobre tela. 120 x 100 cm Con certificado de autenticidad.

Lot 14: PHIL KELLY, Plaza Río de Janeiro, Firmado. Óleo sobre tela. 120 x 100 cm Con certificado de autenticidad.

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Description: PHIL KELLY Plaza Río de Janeiro Firmado al frente. Firmado, fechado '93 y referido México D.F. al reverso. Óleo sobre tela. Con etiqueta del Museo de Arte Moderno. Con certificado de autenticidad de Ruth Munguía, viuda del artista. Agradecemos a la Familia Kelly Munguía por la verificación de autenticidad de esta obra, abril de 2013. Publicado en: SÁNCHEZ, Osvaldo, et. al. Phil Kelly. Babel Descifrada. México. Museo de Arte Moderno-INBA, 1996. p. 25, catalogada 10. (N. Dublín, Irlanda, 1950 - Ciudad de México, 2010). Naturalizado mexicano desde 1999. Estudió Pintura y Educación en el Arte en la Universidad de Bristol, Inglaterra. Kelly no describe la ciudad, la escribe con sus grafismos, con sus manchados y punteados que reducen la trama desordenada de la ciudad a unas líneas que definen en segundos las siluetas o contornos. La mancha y el error, la seguridad zigzagueante de un trazo que recorre el horizonte de la tela, muestran el placer y la confianza en la improvisación. Véase: Phil Kelly. Artistas en México. México. Editorial Taller Gráfica Bordes, 2007. Vol. 11. p. 8 - 13. 120 x 100 cm

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PHIL KELLY, San Rafael, Firmado. Óleo sobre tela, 120 x 100 cm, Con certificado de autenticidad .

Lot 15: PHIL KELLY, San Rafael, Firmado. Óleo sobre tela, 120 x 100 cm, Con certificado de autenticidad .

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Description: PHIL KELLY San Rafael Firmado al frente. Firmado, fechado 96 y referido Mex, D.F. al reverso. Óleo so bre tela. Con certificado de autenticidad de Ruth Munguía, viuda del artista. Agradecemos a la Familia Kelly Munguía por la verificación de autenticidad de esta obra, marzo de 2013. "En México encuentro todo en una gama que va de lo más hermoso hasta la vida. Llegué aquí y tuve la vitalidad de la música, el encanto de cada día, la poesía y un ritmo que no existen en la mayoría de las ciudades". - Phil Kelly. Véase: Phil Kelly. Artistas en México. México. Editorial Taller Gráfica Bordis, 2007. Vol. 11. p. 14. 120 x 100 cm

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CLAUDIO GALLINA, El hogar de las mariposas, Firmado. Óleo y acrílico sobre tela, 96 x 150 cm, Con certificado de autenticidad.

Lot 16: CLAUDIO GALLINA, El hogar de las mariposas, Firmado. Óleo y acrílico sobre tela, 96 x 150 cm, Con certificado de autenticidad.

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Description: CLAUDIO GALLINA El hogar de las mariposas Firmado. Óleo y acrílico sobre tela. Con certificado de autenticidad de Ginocchio Galería firmado por el artista, México D.F., octubre de 2011. Agradecemos a Galería Alfredo Ginocchio por la verificación de autenticidad de esta obra, marzo de 2013. (N. Argentina, 1964 - ). Egresado de la Escuela Nacional de Bellas Artes Prilidiano Pueyrredón. Su obra se conduce principalmente a través del dibujo, el trazo y el manejo de espacios hiperrealistas, donde explota la vena de arquitecto que alimenta la plástica para transformar el deseo con energía explosiva. "Yo uso el deseo como un motor para que las cosas sucedan". - Claudio Gallina. 96 x 150 cm

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JOSÉ CASTRO LEÑERO, Amanece 2, Firmado. Óleo sobre tela, 125 x 165 cm, Con certificado de autenticidad.

Lot 17: JOSÉ CASTRO LEÑERO, Amanece 2, Firmado. Óleo sobre tela, 125 x 165 cm, Con certificado de autenticidad.

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Description: JOSÉ CASTRO LEÑERO Amanece 2 Firmado al frente. Firmado y fechado 2013 al reverso. Óleo sobre tela. Con certificado de autenticidad del artista. Agradecemos al Maestro José Castro Leñero por la verificación de autenticidad de esta obra, marzo de 2013. (N. Ciudad de México, 1953 - ) "La mirada del artista proviene de la diferencia y también de la distancia. De la distancia, razonada o no, ante una representación en la cual los modos de ver habituales no bastan para conocer el sentido y los vínculos tentaculares de lo que ocurre. La realidad real: especular, onírica, ensombrecida, profética. En esos planos múltiples está el reino de quienes se distancian para capturar las esencias que se niegan en lo inmediato. Hay miradas que en toda materia suelen hallar lo poroso: la de José Castro Leñero es una de ellas. Diríase, parafraseando a Baudelaire, que filtran lo real." Fragmento del texto de Fernando Solana Olivares para el catálogo José Castro Leñero, Galería A Negra. Galería de Arte Contemporáneo. México, D.F. 1991. 125 x 165 cm

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OFILL ECHEVARRÍA, Doors, Firmado y fechado 2012 NYC al reverso. Óleo sobre tela, 71 x 161 cm, Con certificado de autenticidad .

Lot 18: OFILL ECHEVARRÍA, Doors, Firmado y fechado 2012 NYC al reverso. Óleo sobre tela, 71 x 161 cm, Con certificado de autenticidad .

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Description: OFILL ECHEVARRÍA Doors Firmado, fechado 2012 y referido NYC al reverso. Óleo sobre tela. Con certificado de autenticidad de Ginocchio Galería firmado por el artista, México D.F., marzo 2013. Agradecemos a Galería Alfredo Ginocchio por la verificación de autenticidad de esta obra, marzo de 2013. (N. La Habana, Cuba, 1972 - ). Realizó sus estudios en la Escuela Elemental 20 de Octubre y en la Academia de San Alejandro en La Habana, Cuba. Obtuvo la beca otorgada por el Fondo Nacional para la Cultura y las Artes (FONCA) con su proyecto de investigación: "El Rito, El Mito y El Futuro Inmediato. "Rostros imprecisos que rayan en lo expresionista, multitudes como manchas que rayan en lo abstracto; movimientos perpetuamente acelerados que hacen ver los espacios cotidianos tan impersonales como sus ocupantes y menos en profundidad que en superficie o brillo; monotonías de negro, gris y blanco, para los cuales el color es sólo un rapto de lucidez dubitativa donde la única pregunta posible para el elegido es: Yo no sé quien soy and I do not why. La obra de Ofill Echevarría es más que una minuciosa crónica urbana, un relato cultural mayor". - Emilio García Montiel, "Escapar de la ciudad, escapar del futuro". "En las confluencias urbanas de Ofill, en sus países, los personajes existen en colectivo o se dirigen, apresurados, a la colectividad dadora de sentido. Los individuos se reafirman por sus sombras, el ancho de sus caras, la estatura y la velocidad." - Emilio Ichikawa. Véase: "Ofill. CityEscapes". México. Praxis, 2003. Véase: ICHIKAWA, Emilio. "Ofill Echevarría: la teología del arte." Cuba. Revista Encuentro 31 de octubre de 2008. 71 x 161 cm

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MIGUEL CALDERÓN, Letreros # 1, 2006, Firmada al reverso. Fotografía digital C - Print 1 / 5, 114 x 172 cm

Lot 19: MIGUEL CALDERÓN, Letreros # 1, 2006, Firmada al reverso. Fotografía digital C - Print 1 / 5, 114 x 172 cm

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Description: MIGUEL CALDERÓN Letreros # 1, 2006 Firmada al reverso. Fotografía digital C - Print 1 / 5 La edición consta de cinco fotografías numeradas más dos P / A. Esta obra formó parte de la exposición "Miguel Calderón", presentada por la galería Kurimanzutto de marzo a abril de 2006. Con etiqueta de Galería Kurimanzutto. (N. Ciudad de México, 1971 - ). "No es fácil precisar la obra de Miguel Calderón, justo porque cada paso que da como artista crea caos. Cuando se piensa haber encontrado el mecanismo que hace que cada una de sus piezas funcione, se está situado detrás y debe confrontarse a la risa y el cinismo con que Calderón reitera lo que pocos de nosotros realmente queremos saber: que detrás de cada pieza existe un vacío enorme y una cloaca que tiene sentido. El juego sin fin de producir arte no tiene historia como un destino, sino que asimila los malentendidos que ello implica, que al final son los únicos que cuentan. Miguel es un magnífico observador, pero su punto de vista arroja el objeto contemplado hacia una dirección inesperada, no lo transforma en otra cosa, sino que lo convierte en parte de una estrategia imposible. Calderón construye su propio mundo, en el que el arte no debe esconderse o matarse a sí mismo para sobrevivir". - Guillermo Fadanelli. Fragmento del texto de la exposición "Miguel Calderón", presentada por la galería Kurimanzutto de marzo a abril de 2006. 114 x 172 cm

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BORIS VISKIN, Mondrian nevado con figuritas de Brueghel, Firmado al reverso. Óleo sobre tela. Díptico, 120 x 180 cm, Con certificado.

Lot 20: BORIS VISKIN, Mondrian nevado con figuritas de Brueghel, Firmado al reverso. Óleo sobre tela. Díptico, 120 x 180 cm, Con certificado.

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Description: BORIS VISKIN Mondrian nevado con figuritas de Brueghel Firmado al reverso. Óleo sobre tela. Díptico. Piezas: 2. Con certificado de autenticidad del artista, México, 2010. Agradecemos al Maestro Boris Viskin por la verificación de autenticidad de esta obra, febrero de 2013. (N. Ciudad de México, 1960 - ) Boris Viskin nació en la ciudad de México en 1960 donde vivió su niñez. Su juventud transcurrió en Israel (Jerusalén, Tel Aviv y Kibutz Galed), y posteriormente vivió tres años en Florencia, Italia, donde arrancó su trayectoria pictórica. En 1985 regresa a la Ciudad de México y forma parte por dos años de los talleres de grabado y litografía de la Academia de San Carlos. Estos cambios de culturas, paisajes e idiomas quedan plasmados en su obra, donde ya sea a través de figuras pequeñas devoradas por grandes espacios, o a través de mezclas de elementos abstractos que se contraponen a otros figurativos, brota la presencia del ser desarraigado: por un lado frágil y vulnerable, por otro firme y fuerte ante el aparente sin sentido de su existencia. En entrevista del 2003 dice: "la pintura es para mi un refugio de mis palabras que se enredan. Te lo diré de esta manera: hace años se me ocurrió escribirle una carta (aún no había mails) a la Maestra Raquel Tibol comentando una crítica suya de mi obra. Su respuesta fue corta y contundente: "siga pintando joven"". 120 x 180 cm, medida total.

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ALICE RAHON, Sin título, Firmado. Óleo sobre masonite, 59 x 48.5 cm, Vo. Bo. Oscar Román.

Lot 21: ALICE RAHON, Sin título, Firmado. Óleo sobre masonite, 59 x 48.5 cm, Vo. Bo. Oscar Román.

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Description: ALICE RAHON Sin título Firmado. Óleo sobre masonite. Agradecemos a Oscar Román por la verificación de autenticidad de esta obra, marzo de 2013. (N. Chencey-Bouillon, Francia, 1904 - Ciudad de México, 1987). La transición de Alice Rahon de la poesía a la pintura sucedió entre los años 1940 y 1941, unos cuantos meses después de su llegada a México. Como poeta se inspiró en la poesía surrealista; se relacionó con el grupo de artistas e intelectuales radicados en París; además, a diferencia de muchas otras mujeres surrealistas, Alice permaneció fiel a la idea de pertenecer al movimiento. Ese suave y cadencioso surrealismo de su poesía se apoderó de sus lienzos con la misma magia y ensoñación. Fue un espíritu libre y creativo, pionera en experimentar con arenas y objetos en su pintura, de corte surrealista, que exploró su propio universo sazonado de fiesta y de juego, y del cariño entrañable que le tuvo a México, al que adoptó como segunda patria. Véase: LARA ELIZONDO, Lupina. Resumen. Pintores y Pintura Mexicana. México. Promoción de Arte Mexicano. Noviembre-Diciembre, 2002. p. 5 - 14. Año 7. No. 60. Véase: Ibíd., op. cit., Julio-Agosto, 2009, p. 54. No. 100. 59 x 48.5 cm

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ALICE RAHON, Montañas azules, Firmado y fechado 1968. Óleo sobre cartón, 33 x 46 cm, Vo.Bo. Oscar Román.

Lot 22: ALICE RAHON, Montañas azules, Firmado y fechado 1968. Óleo sobre cartón, 33 x 46 cm, Vo.Bo. Oscar Román.

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Description: ALICE RAHON Montañas azules Firmado y fechado 1968. Óleo sobre cartón. Agradecemos a Oscar Román por la verificación de autenticidad de esta obra, marzo de 2013. Presenta ligeras craqueladuras. Alice se involucró con la pintura con la pasión que la caracterizaba. Tomó muy en serio este nuevo medio de expresión, y algunos años más tarde reunió una serie de obras que fueron presentadas en su primera exposición individual en la Galería de Arte Mexicano en 1944. Su fuerza expresiva se impuso a su técnica y estilo, donde la fantasía plasmada, proveniente de su particular manera de concebir el mundo, era vívida y experimentada por ella misma. Unía el cosmos, la naturaleza y los objetos con una narrativa de juegos y afinidades, con vitalidad, ternura y afecto. Su técnica es suave y delicada, para poder sostener un universo tan frágil como el de la imaginación y de los sueños. Véase: LARA ELIZONDO, Lupina. Resumen. Pintores y Pintura Mexicana. México. Promoción de Arte Mexicano. Noviembre-Diciembre, 2002. p. 5 - 8. Año 7. No. 60. 33 x 46 cm

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ARMANDO MORALES, Venecia de noche, Firmado y fechado 1991. Óleo sobre tela, 54 x 80 cm, Con certificado de autenticidad.

Lot 23: ARMANDO MORALES, Venecia de noche, Firmado y fechado 1991. Óleo sobre tela, 54 x 80 cm, Con certificado de autenticidad.

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Description: ARMANDO MORALES Venecia de noche Firmado y fechado 1991. Óleo sobre tela. Con certificado de autenticidad de la Dra. Lily Kassner, abril de 2013. Publicada en: KASSNER, Lily. Morales. México. Américo Arte Editores, 1995. p. 176, catalogada 152. Presenta ligeros desprendimientos en las esquinas del marco. (N. Granada, Nicaragua, 1927- 2011). Armando fue un muchacho inquieto, curioso, observador, y con fuertes deseos por descubrir y entender las cosas. En obras tempranas, la propuesta de Morales integra ciertas formas que emergen de lo abstracto y se integran a una geometría; desde entonces sus obras reflejan eses sello de su carácter poético, de texturas ricas y colores planos. "Yo tuve el talento del niño que sobresale con los trabajos que realiza, pero fuera de ese talento inicial no creo que haya otra cosa. Lo que sí he tenido ha sido empeño." - Armando Morales. Véase: LARA ELIZONDO, Lupina. Resumen. Pintores y Pintura Latinoamericana. México. Promoción de Arte Mexicano. Mayo-Junio 2003. p. 8. Año 8. No. 63. 54 x 80 cm

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ARMANDO MORALES, Peras y Ventana, Firmado y fechado 91. Óleo sobre tela, 16 x 22 cm, Con certificado de autenticidad.

Lot 24: ARMANDO MORALES, Peras y Ventana, Firmado y fechado 91. Óleo sobre tela, 16 x 22 cm, Con certificado de autenticidad.

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Description: ARMANDO MORALES Peras y Ventana Firmado y fechado 91. Óleo sobre tela. Con etiqueta y certificado de autenticidad de Galería López Quiroga, ciudad de México, abril de 1997. En 1958 fue reconocido con el premio Ernest Wolf como el "Mejor Artista Latinoamericano" en la V Bienal de Sao Paulo. "Armando Morales es capaz de pintar cualquier cosa, cualquier instante, cualquier sentimiento, sin someterlo a la servidumbre de ninguna moda. Es realista de una realidad que sólo él conoce y que lo mismo puede ser del siglo XVI que del siglo XXI: el tema determina el modo". - Gabriel García Márquez. 16 x 22 cm

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ARMANDO MORALES, Sin título, Firmado y fechado 63. Óleo sobre tela, 56 x 41 cm

Lot 25: ARMANDO MORALES, Sin título, Firmado y fechado 63. Óleo sobre tela, 56 x 41 cm

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Description: ARMANDO MORALES Sin título Firmado y fechado 63. Óleo sobre tela. Presenta ligeras craqueladuras. La evolución del trabajo del artista inicia, en primer lugar, con una rica manera de texturizar la piel, representándola como una envoltura delicada y firme que cubre el cuerpo; por otra parte, se aprecia el encuentro de nuevas opciones para el manejo del color y la luz. Para Morales la pintura es un acto sensual, y explica: "La pintura es un acto sensual: pesa, huele, se mueve… La manera como se unta la pintura… El pincel que se resbala sobre la tela y no hace ruido, porque tiene suficiente medio… Si hacen ruido las cerdas del pincel sobre la tela, quiere decir que está seco. Pero si uno lo vuelve a meter en pintura y a mezclar con aceite, tú ves que detrás del pincel va saliendo algo; tú vas detrás de los pelos del pincel, observando esa cosa maravillosa que es la pintura… Es muy sensual la pintura". Véase: LARA ELIZONDO, Lupina. Resumen. Pintores y Pintura Latinoamericana. México. Promoción de Arte Mexicano. Mayo-Junio 2003. p. 15 - 17. Año 8. No. 63. 56 x 41 cm

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HUGO DE MARZIANI, Paisaje, 2000, Firmado y fechado al reverso. Óleo sobre tela, 110 x 130 cm

Lot 26: HUGO DE MARZIANI, Paisaje, 2000, Firmado y fechado al reverso. Óleo sobre tela, 110 x 130 cm

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Description: HUGO DE MARZIANI Paisaje, 2000. Firmado y fechado al reverso. Óleo sobre tela. Procedencia: ARTANA Latin American Fine Art, La Haya. Colección del Sr. John Dunkelgrün. Adquirido directamente al artista. (N. La Plata, Argentina, 1941 -) Estudió dibujo y grabado en la Escuela Superior de Bellas Artes de la Universidad Nacional de La Plata, durante los años 1956 y 1958. En el año 1974 viaja a Italia y Francia. En 1975/76 se radica en Milán-Italia, por haber obtenido la Beca de pintura "Francesco Romero", que otorga el fondo Nacional de las Artes y el gobierno de Italia. En 1984 obtiene el Premio- Beca de la Gggenheim Memorial Foundation, para pintura Latinoamericana. En el año 1985 se radica en la ciudad de New York, U.S.A. En el año 1990 obtiene el Gran Premio de Honor de Pintura, "Presidente de la Nación", LXXIX Salon Nacional de Artes Plásticas, Argentina. Desde el año 1974 vive en Buenos Aires, Argentina. Véase: www.artistactivo.com 110 x 130 cm

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JORDI BOLDÓ, Diálogos XII, Firmada y fechada 1998. Mixta sobre tela sobre madera, 86 x 62 cm, Con certificado de autenticidad.

Lot 27: JORDI BOLDÓ, Diálogos XII, Firmada y fechada 1998. Mixta sobre tela sobre madera, 86 x 62 cm, Con certificado de autenticidad.

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Description: JORDI BOLDÓ Diálogos XII Firmada y fechada 1998 al reverso. Mixta sobre tela sobre madera. Con certificado de autenticidad de Galería Pecanins. Con etiqueta del Instituto Nacional de Bellas Artes, de la exposición "Abstracción: transformación y no figuración". Presenta ligeros detalles de conservación. (N. Barcelona, España, 1949 - ) Jordi Boldó es un pintor nacido en Barcelona, España, en 1949 y naturalizado mexicano en 1952. Su pintura proviene del informalismo catalán y explora en la tradición del expresionismo abstracto norteamericano de mediados de siglo, así como en la de algunos artistas mexicanos de la generación hoy denominada de "Ruptura". Su obra es esencialmente pictórica, al margen de modas o tendencias, y a medio camino entre la abstracción y la figuración. Articula con gran riqueza de medios un lenguaje profundamente emocional, poderoso en su misterio y delicado en matices. Se caracteriza por un refinado y desconcertante sentido del color y la composición, con fuertes texturas y un depurado oficio que frecuentemente no se aprecia a primera vista. Con casi cuarenta años de exposiciones monográficas, ha expuesto en museos y galerías de América y Europa. Reconocido con varios premios y distinciones, ha actuado como jurado en diversos concursos. Es miembro del Sistema Nacional de Creadores de Arte. Dedica parte de su tiempo a escribir, a la promoción cultural y a la enseñanza de la pintura. Véase: sitio oficial del artista: www.jordiboldo.com 86 x 62 cm

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FERNANDO PACHECO, 077, 2012, Mixta sobre madera. políptico, 203 x 203 cm, Con certificado de autenticidad.

Lot 28: FERNANDO PACHECO, 077, 2012, Mixta sobre madera. políptico, 203 x 203 cm, Con certificado de autenticidad.

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Description: FERNANDO PACHECO 077, 2012 Mixta sobre madera. políptico. Cuatro paneles para ensamblar. Con certificado de autenticidad de Aldama Fine Art. (N. Ciudad de México, 1959 - ). Egresado de la Universidad Autónoma Metropolitana. Su inclinación por el dibujo y la pintura se hizo evidente y desde entonces ha participado en numerosas exposiciones colectivas, entre las cuales destacan Por ver no se paga, en el Museo de la Ciudad de México (2000); y De lo visible y lo oculto, en la Universidad Pedagógica Nacional (2006). Fernando Pacheco es un pintor mexicano que ha encontrado en al abstracción su lenguaje creativo, una abstracción geométrica que nos hace pensar que hasta los elementos en apariencia dispuestos al azar han sido debidamente calculados para contrastar con las figuras perfectas de un círculo, un rectángulo o una línea que acota al "componente accidental". Nos remite a la tierra, a la piedra, a espacios habitables de soledad y serenidad donde el desorden tiene un riguroso ordenamiento. Véase: Fernando Pacheco. Utopías del orden. México. Aldama Fine Art. Grupo Editorial Formato, S.A. de C.V. 2009. p. 2 - 4. 203 x 203 cm medida total.

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SERGIO HERNÁNDEZ, Sin título, Firmado y fechado 81. Óleo y arena sobre tela, 84 x 100 cm, Con certificado de autenticidad.

Lot 29: SERGIO HERNÁNDEZ, Sin título, Firmado y fechado 81. Óleo y arena sobre tela, 84 x 100 cm, Con certificado de autenticidad.

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Description: SERGIO HERNÁNDEZ Sin título Firmado y fechado 81. Óleo y arena sobre tela. Con certificado de autenticidad del artista, Oaxaca de Juárez, julio de 2004. Agradecemos a la Sra. Alejandra Yturbe, de la Galería de Arte Mexicano, por la revisión de esta obra, abril de 2013. Presenta ligeros detalles de conservación. Sergio Hernández se caracteriza por su fuerte estilo cambiante. Cuadros tempranos revelan un interés casi abstracto por las composiciones, donde podemos encontrar vagas sugerencias de formas, las zonas cromáticas, las improvisaciones lineales y la indefinición de las formas, que hacen que la composición se vincule con el abstraccionismo lírico. Véase: GÁLVEZ, Fernando. Oaxaca. La ciudad que sueñan sus pintores. México. Patronato Pro Defensa y Conservación del Patrimonio Cultural y Natural del Estado de Oaxaca. 2004. p. 74. 84 x 100 cm

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SERGIO HERNÁNDEZ, Los zancudos III, 2007, Firmada. Escultura en bronce 3 / 3, 243 x 29 x 39 cm, Con certificado de autenticidad.

Lot 30: SERGIO HERNÁNDEZ, Los zancudos III, 2007, Firmada. Escultura en bronce 3 / 3, 243 x 29 x 39 cm, Con certificado de autenticidad.

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Description: SERGIO HERNÁNDEZ Los zancudos III, 2007 Firmada. Escultura en bronce 3 / 3 Con certificado de autenticidad del artista, Oaxaca, mayo de 2009. Presenta ligeros detalles de estructura. Su obra, que se resuelve en el sentido más amplio de la creatividad e inventiva, remite a la conciliación del tiempo, de la historia, de los sentimientos y de las búsquedas inagotables. Véase: LARA ELIZONDO, Lupina. Resumen. 200 Pintores y Pintura Mexicana. México. Promoción de Arte Mexicano. Julio-Agosto 2009. No. 100. pp. 173. 243 x 29 x 39 cm

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SERGIO HERNÁNDEZ, Corrida de toros, Firmada y fechada 3- III- 85. Tinta sobre papel amate sobre tela, 182 x 50 cm

Lot 31: SERGIO HERNÁNDEZ, Corrida de toros, Firmada y fechada 3- III- 85. Tinta sobre papel amate sobre tela, 182 x 50 cm

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Description: SERGIO HERNÁNDEZ Corrida de toros Firmada y fechada 3- III- 85. Tinta sobre papel amate sobre tela, políptico Agradecemos a la Sra. Alejandra Yturbe, de la Galería de Arte Mexicano, por la revisión de esta obra, abril de 2013. Con opinión de autenticidad de Rafael Matos, Casa de Subastas, Ciudad de México, agosto de 2003. Con etiqueta del Museo de Arte Moderno, de la exposición Sergio Hernández, 2000. "Cada vez más me doy cuenta que pintar tiene que ver más con un movimiento de energía, con un instante, y que consiste en la experiencia en ese instante, no previo, no posterior. No es el resultado, sino es el instante de cómo esa energía se mueve dentro de uno como extensión de la mano, o el escurrir con la mano por medio de un pincel o un gesto con la mano misma. Es un gesto muy íntimo, muy de estado de ánimo en ese momento, y que puede ser ira, pueden ser diferentes sentimientos que se manifiestan." - Sergio Hernández. Véase: MACMASTERS, Merry. "Sergio Hernández rompe la parte de lo sagrado de la cura de viento." México. Diario La Jornada, sección Cultura, 31 de marzo de 2007. 182 x 50 cm medidas totales

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SERGIO HERNÁNDEZ, Insectario, Firmado y fechado 2003. Óleo sobre pergamino sobre madera, 51.4 x 70 cm, Con certificados de autenticidad

Lot 32: SERGIO HERNÁNDEZ, Insectario, Firmado y fechado 2003. Óleo sobre pergamino sobre madera, 51.4 x 70 cm, Con certificados de autenticidad

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Description: SERGIO HERNÁNDEZ Insectario Firmado y fechado 2003 al reverso. Óleo sobre pergamino sobre madera. Con certificados de autenticidad del artista, Oaxaca de Juárez, enero de 2009 y de la Galería Punto y Línea Arte Contemporáneo, firmado también por el artista enero de 2003. Agradecemos a la Sra. Alejandra Yturbe, de la Galería de Arte Mexicano, por la revisión de esta obra, abril de 2013. (N. Huajuapan de León, Oaxaca, 1957 - ). Nació en la Sierra Mixteca de Oaxaca, lugar que dejó en él un recuerdo intenso de formas, aromas, colores, de hermandades con la naturaleza y con la vida. Estudió en La Esmeralda y en la Academia de San Carlos. Camina sobre la senda de la tradición, los mitos y la cultura heredada de sus antepasados; entra en el terreno de la poesía que enlaza los conceptos y los tiempos. Sergio Hernández se ha distinguido por su intuición cromática, y a lo largo de su carrera se puede apreciar que sus momentos más destacados se sostienen en la interrelación de un tono frío y uno caliente, y en la sinfonía de un solo color. Quizá esa maestría cromática explique el éxito inusitado de este artista, quien se encuentra entre los tres pintores de su generación con mayor aceptación en el mercado mexicano. Véase: LARA ELIZONDO, Lupina. Resumen. 200 Pintores y Pintura Mexicana. México. Promoción de Arte Mexicano. Julio-Agosto 2009. pp. 173. No. 100. Véase: GÁLVEZ, Fernando. Oaxaca. La ciudad que sueñan sus pintores. México. Patronato Pro Defensa y Conservación del Patrimonio Cultural y Natural del Estado de Oaxaca. 2004. p. 76. 51.4 x 70 cm

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SERGIO HERNÁNDEZ, Patricia. Retrato y palmera, Firmado Oaxaca 1997. Óleo y arenas sobre tela. 230.5 x 195 cm, Con certificado.

Lot 33: SERGIO HERNÁNDEZ, Patricia. Retrato y palmera, Firmado Oaxaca 1997. Óleo y arenas sobre tela. 230.5 x 195 cm, Con certificado.

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Description: SERGIO HERNÁNDEZ Patricia. Retrato y palmera. Firmado y fechado Oaxaca 1997 al frente. Firmado y fechado 25 de agosto del 97 al re verso. Óleo y arenas sobre tela. Con certificado de autenticidad del artista, Oaxaca, marzo de 2011. Presenta ligeros detalles de conservación. Después de residir un tiempo en París, ciudad que lo nutrió del arte de vanguardia, regresó a su natal Oaxaca en 1988. Esto representó para él un reencuentro con sus orígenes, estableció una unión con tradiciones pictóricas diferentes y personalidades artísticas diversas, realizando tanto obras de fuerte abstracción como pinturas influenciadas por el lenguaje figurativo de la tradición artística popular de México. Véase: ARANDA MÁRQUES, Carlos, et. al. Oaxaca Tierra de Arte. Venecia. Mondadori Electa, 2003. p. 32. 230.5 x 195 cm

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SERGIO HERNÁNDEZ, Nut, Firmado y fechado 24 - 5 - 94 al reverso. Óleo sobre lino, 90 x 110 cm, Con certificado de autenticidad.

Lot 34: SERGIO HERNÁNDEZ, Nut, Firmado y fechado 24 - 5 - 94 al reverso. Óleo sobre lino, 90 x 110 cm, Con certificado de autenticidad.

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Description: SERGIO HERNÁNDEZ Nut Firmado y fechado 24 - 5 - 94 al reverso. Óleo sobre lino Con certificado de autenticidad de Galería Quetzalli, Oaxaca, diciembre de 1995. Agradecemos a la Sra. Alejandra Yturbe, de la Galería de Arte Mexicano, por la revisión de esta obra, abril de 2013. Presenta ligeros detalles de conservación. "[Mi obra es como] un códice, son fragmentos, no hay todavía una historia hecha, pero son pequeños apuntes, pequeñas incisiones dentro del espacio, aunque no hay, como tal, la idea de decir un discurso". - Sergio Hernández. Véase: "Presenta el pintor Sergio Hernández exposición en Cádiz, España". Milenio Diario. 5 de noviembre de 2012. http://www.milenio.com/cdb/doc/noticias2011/14fd2f07067c595dda32c7062c9db231. Consultado el 8 de abril de 2013. 90 x 110 cm

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RICARDO MARTÍNEZ, Boceto (Mujer con palma), Firmado y fechado 01. Óleo sobre papel, 34 x 24 cm

Lot 35: RICARDO MARTÍNEZ, Boceto (Mujer con palma), Firmado y fechado 01. Óleo sobre papel, 34 x 24 cm

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Description: RICARDO MARTÍNEZ Boceto (Mujer con palma) Firmado y fechado 01. Óleo sobre papel. Esta obra será registrado para el Catálogo Razonado del Dr. Mark Ruben con núm. RM-01025. (N. Ciudad de México, 1918 - Ciudad de México, 2009). Ricardo observa de cerca el trabajo monumental de Francisco Zúñiga, que representa figuras humanas de amplias dimensiones. Ese período parece haber influido de manera definitiva en la formación del estilo pictórico del artista, especialmente la robustez con que se ha representado la figura humana. De cierta manera su obra nos remonta a las figuras precolombinas de las culturas Maya y Olmeca, por el carácter escultórico que encierra su pintura. Otro de los atributos más notables de su obra es el hecho de que permite sustraer de ella los sentimientos más sutiles, que se hacen evidentes conforme el espectador observa los cuadros y se encuentra en el profundo amor de los amantes, el remanso renovador después de la pasión sexual, el abrazo candoroso de una madre y la reflexión del hombre ante su existencia, todos ellos expresados con gran poesía y color. Expone por primera vez en Guadalajara, Jal. en 1942. Su obra es altamente apreciada por los coleccionistas. Véase: MARTÍNEZ LÁMBARRY, Margarita. La Colección de Pintura del Banco Nacional de México. Tomo II México. Grupo Financiero Banamex, 2002. p. 406. Véase: LARA ELIZONDO, Lupina. Visión de México y sus Artistas. Tomo I. México. Promoción de Arte Mexicano, 2000. pp. 254-255. 34 x 24 cm

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RICARDO MARTÍNEZ, Boceto (Pareja), Firmado y fechado 2001. Óleo sobre papel, 32 x 25 cm

Lot 36: RICARDO MARTÍNEZ, Boceto (Pareja), Firmado y fechado 2001. Óleo sobre papel, 32 x 25 cm

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Description: RICARDO MARTÍNEZ Boceto (Pareja) Firmado y fechado 2001. Óleo sobre papel. Esta obra será registrado para el Catálogo Razonado del Dr. Mark Ruben con núm. RM-02023. "El universo pictórico de Ricardo Martínez, hecho de Luz, sombras, tiempo y espacio, manifiesta una preferencia por la representación del cuerpo humano. El descubrió que la forma más simple y efectiva para provocar la intensa emoción que nos despierta estar frente a una obra, es hacerlo mediante la reducción a los rasgos fisonómicos elementales de nuestra especie". - María Teresa Franco. Véase: Atmósferas. Ricardo Martínez. México. CONACULTA - INBA - Siglo XXI, 2007, pág. 9. 32 x 25 cm

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RICARDO MARTÍNEZ, Niño con barquillo, Firmado. Óleo sobre tela, 40 x 30 cm

Lot 37: RICARDO MARTÍNEZ, Niño con barquillo, Firmado. Óleo sobre tela, 40 x 30 cm

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Description: RICARDO MARTÍNEZ Niño con barquillo Firmado. Óleo sobre tela. Esta obra será registrada para el Catálogo Razonado del Dr. Mark Ruben con núm. RM-SF247. La formación artística de este pintor no es producto de estudios académicos, ya que es renuente a cumplir con los sistemas institucionales, opta por ser autodidacta y abrevar en la obra de los grandes artistas ya consagrados. Inicialmente no puede sustraerse a la influencia de la Escuela Mexicana de Pintura y logra algunos cuadros con temas nacionales, más tarde desarrolla su proceso de maduración artística con gran esmero hasta lograr un estilo propio, donde la luz y la sensualidad dan sentido a las grandes dimensiones de los personajes representados. Martínez es un protagonista de su tiempo, una figura que destacó por la constancia en su quehacer y por seguir insistiendo en perfeccionar su oficio. Dentro de la modernidad de su pintura. Ricardo Martínez sigue siendo un clásico, un artista que comunica un lenguaje universal. Véase: LARA ELIZONDO, Lupina. Visión de México y sus Artistas. Tomo I. México. Promoción de Arte Mexicano, 2000. pp. 254-255. 40 x 30 cm

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RODOLFO MORALES, Sin título, Firmado. Óleo sobre tela, 100 x 76 cm. Vo.Bo. Víctor González de Fundación Arte de Oaxaca.

Lot 38: RODOLFO MORALES, Sin título, Firmado. Óleo sobre tela, 100 x 76 cm. Vo.Bo. Víctor González de Fundación Arte de Oaxaca.

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Description: RODOLFO MORALES Sin título Firmado. Óleo sobre tela. Agradecemos a Víctor González Sánchez, presidente de la Fundación Arte de Oaxaca, A.C., por la verificación de autenticidad de esta obra, abril de 2013 Presenta ligeros detalles de conservación. (N. Ocotlán de Morelos, Oaxaca, 1925 - Oaxaca, 2001). Cuando era niño era solitario y taciturno, lo que lo convirtió en un agudo observador de la realidad que lo rodeaba, dando prueba muy pronto de sus capacidades pictóricas. Sus padres, que apoyaban sus inclinaciones artísticas, lo inscribieron en la Academia de San Carlos. Rodolfo Morales trabajó en la sombra hasta 1975, año en que Rufino Tamayo visitó la primera exposición individual del artista en Cuernavaca y lo introdujo en el ambiente artístico. El gran maestro promovió con constancia y convicción la obra de Morales, tanto frente a la crítica, como frente al mercado de coleccionistas. En 1985, tras haber conquistado una notable fama, regresó a Ocotlán para dedicarse exclusivamente a la pintura. En 1992 creó la Fundación Cultural Rodolfo Morales. Es considerado verdadera alma de la Escuela de Oaxaca. Véase: ARANDA MÁRQUEZ, Carlos et al. Oaxaca Tierra de Arte. Venecia. Mondadori Electa, 2003. pp. 52. 100 x 76 cm

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RODOLFO MORALES, Ofrenda de sandías, Firmado. Óleo/ tela, 99.5 x 79.5 cm, Con certificado. Vo.Bo. Víctor González, Fundación Arte Oaxac

Lot 39: RODOLFO MORALES, Ofrenda de sandías, Firmado. Óleo/ tela, 99.5 x 79.5 cm, Con certificado. Vo.Bo. Víctor González, Fundación Arte Oaxac

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Description: RODOLFO MORALES Ofrenda de sandías Firmado. Óleo sobre tela. Agradecemos a Víctor González Sánchez, presidente de la Fundación Arte de Oaxaca, A.C., por la verificación de autenticidad de esta obra, abril de 2013 Con etiqueta y certificado de autenticidad de Galería López Quiroga, septiembre de 1997. Presenta ligeros detalles de conservación. La obra de Morales es un memorial de relicarios personales, donde las mujeres -es un pintor de mujeres- encarnan la fecundidad, el desdoblamiento del ser en pasión e inventiva, alucinación y añoranza; donde la luminosidad expande la metafísica de la imagen; donde la mirada inmediata sobre las cosas se reitera a la vez que cambia; donde los intercambios existenciales fabrican un bosque de movimientos; donde el arte nuestro, palpita y, al manifestarse, imprime huella en la realidad. Véase: Rodolfo Morales, 50 años de pintura. México. Fundación Cultural Rodolfo Morales, 2000. 99.5 x 79.5 cm

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GUILLERMO MEZA, Horizonte y pubertad, Firmado y fechado 1967, Óleo sobre tela. 66 x 50 cm

Lot 40: GUILLERMO MEZA, Horizonte y pubertad, Firmado y fechado 1967, Óleo sobre tela. 66 x 50 cm

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Description: GUILLERMO MEZA Horizonte y pubertad Firmado y fechado 1967 al frente. Firmado y fechado 7 de noviembre de 1967 al revers o. Óleo sobre tela. Al reverso tiene la leyenda: "En recuerdo y homenaje a la juventud que con sus penas y angustias, crea un mundo puro, limpio y nuevo. Con fervor, Guillermo Meza O." (N. Ciudad de México, 1917 - Ciudad de México, 1997) En la historia de la pintura mexicana, Guillermo Meza fue un creador aislado. Solamente sus obras y él permanecen asidos a ese hábito artesanal, callado, implacable de la seriedad profesional y la buena factura. Aunque no hizo escuela, su obra tiene las características de la excepcionalidad, los rasgos del buen gusto y un amor por una fantasía que conjuga lo onírico con lo real. Véase: RIVERA GONZÁLEZ, Rodolfo, et al. El Instante Preciso. Guillermo Meza. México. Museo Universitario Contemporáneo de Arte / Universidad Nacional Autónoma de México. 1996. 66 x 50 cm

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GUILLERMO MEZA, Paisaje de humedad y amanecer, Firmado y fechado 1964. Óleo sobre tela, 80 x 90 cm

Lot 41: GUILLERMO MEZA, Paisaje de humedad y amanecer, Firmado y fechado 1964. Óleo sobre tela, 80 x 90 cm

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Description: GUILLERMO MEZA Paisaje de humedad y amanecer Firmado y fechado 1964 al frente y reverso. Óleo sobre tela. En 1936, mientras trabajaba como ayudante en la sastrería de su padre, buscó a Diego Rivera porque quería ser su discípulo. Rivera al ver su trabajo quedó gratamente sorprendido y lo recomendó a Inés Amor, directora de la Galería de Arte Mexicano, consiguiendo de este modo exhibir por primera vez su obra en la Exposición Internacional de Surrealismo de 1940. A partir de este momento su carrera como pintor se profesionalizó y fue en ascenso. Guillermo Meza transformó el paisaje incluyendo en forma expresiva la incandescencia de la fuerza viva de la naturaleza y aumentó su presencia al recurrir al contraste luminoso del entorno. Véase: MARTÍNEZ LÁMBARRY, Margarita. La Colección de Pintura del Banco Nacional de México. Tomo II. México. Grupo Financiero Banamex, 2002. p. 416 - 420. 80 x 90 cm

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GERARDO MURILLO

Lot 42: GERARDO MURILLO "DR. ATL", La barranca, Firmado. Óleo sobre masonite, 40.3 x 50.6 cm, Con documento de Fundación Andrés Blaisten.

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Description: GERARDO MURILLO "DR. ATL" La barranca Firmado. Óleo sobre masonite. Con copia certificada del documento de Fundación Andrés Blaisten A.C., enero de 2011; en dicho docuemento se refiere que esta obra será incluida en el Catálogo Razonado del artista con el número de registro 64- 01. Con etiqueta de la Galería Central de Arte Moderno, Misrachi. Presenta desprendimientos en las esquinas. (N. Guadalajara, Jalisco, 1875 - Ciudad de México, 1964) Se inició en el taller de Felipe Castro y más tarde estudió en la Academia de San Carlos, convirtiéndose en el promotor del cambio del arte mexicano. En 1949 se fue a vivir a las inmediaciones del Paricutín, dejando plasmado su espectáculo en más de trescientos dibujos y soberbias pinturas. Sus paisajes muestran una mezcla de impresionismo y expresionismo, en la que se contiene el desahogo de su espíritu extasiado frente a la naturaleza. El artista expresó: "...yo nunca salgo a buscar un paisaje: siempre dejo que el paisaje me busque a mí, que se eche violentamente sobre mi sensibilidad. Me detengo ante esa sensación, mejor dicho, ante ese estado que me produjo la sensación, lo analizo rápidamente y hago un esquema en blanco y negro, también muy rápido. Ambas cosas, con raras excepciones, no duran más de diez minutos. El paisaje es el tumulto de los cielos y de la tierra hecho ritmo de belleza ante la conciencia del hombre...". Véase: LARA ELIZONDO, Lupina. Resumen. Compendio de creadores. México. Promoción de Arte Mexicano. Edición especial 2012. no. 250. p. 32. Véase: INBA. "45 Autorretratos de pintores mexicanos, siglos XVIII al XX. Exposición". México 1947. 40.3 x 50.6 cm

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CARLOS OROZCO ROMERO, Sin título, Firmado. Óleo sobre tela, 50 x 71 cm, Vo.Bo. Gabriela Orozco Marín.

Lot 43: CARLOS OROZCO ROMERO, Sin título, Firmado. Óleo sobre tela, 50 x 71 cm, Vo.Bo. Gabriela Orozco Marín.

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Description: CARLOS OROZCO ROMERO Sin título Firmado. Óleo sobre tela. Agradecemos a Gabriela Orozco Marín, hija del artista por la verificación de autenticidad de esta obra, abril de 2013. Presenta craqueladuras. (N. Guadalajara, Jalisco, 1896 - Ciudad de México, 1984) Pintor jalisciense nacido en la ciudad de Guadalajara, en donde desde temprana edad formó parte del Centro Bohemio, con la intención de participar del arte oficial del momento. Artista inolvidable, poseedor de la sabiduría de los pintores clásicos, viajó a Europa para perfeccionar su oficio. Su pintura, refinada, transparente y bien estructurada, se divide en tres grandes géneros: paisajes, retrato y composiciones figurativas que involucran inteligentes destellos surrealistas. Para la segunda mitad de la década de los cuarenta, Orozco Romero retoma el género del paisaje y a través de éste conversa con un amplio espacio abierto exento de detalles, dando idea de una sucesión de movimientos rítmicos semejantes al oleaje del mar. Sus paisajes están deshabitados y evocan regiones tan distantes que podrían adjudicarse a zonas desconocidas. Véase: LARA ELIZONDO, Lupina. Resumen. 200 Pintores y Pintura Mexicana. México. Promoción de Arte Mexicano. Julio-Agosto 2009. No. 100. pp 45. Véase: MARTÍNEZ LÁMBARRY, Margarita. La Colección de Pintura del Banco Nacional de México. Tomo II. México. Grupo Financiero Banamex, 2002. pp. 508 - 512. 50 x 71 cm

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CARLOS OROZCO ROMERO, Head of Christ, Firmado y fechado 1950. Óleo sobre masonite, 38.5 x 30 cm, Vo.Bo. Gabriela Orozco Marín.

Lot 44: CARLOS OROZCO ROMERO, Head of Christ, Firmado y fechado 1950. Óleo sobre masonite, 38.5 x 30 cm, Vo.Bo. Gabriela Orozco Marín.

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Description: CARLOS OROZCO ROMERO Head of Christ Firmado y fechado 1950. Óleo sobre masonite. Agradecemos a Gabriela Orozco Marín, hija del artista por la verificación de autenticidad de esta obra, abril 2013. Con etiqueta de The Fine Arts Gallery of San Diego, California. Presenta ligeros detalles de conservación. El artista mostró en sus obras la figura humana en varias ocasiones. Eligió sólo aquellos elementos necesarios evitando los abigarramientos que distrajeran la atención de lo esencial para lograr la simplicidad través de marcadas expresiones en los rostros. Así, prescinde de elementos superfluos, no necesita más que el rostro de la persona o figura retratada y un espacio que le imprima dimensionalidad. Véase: MARTÍNEZ LÁMBARRY, Margarita. La Colección de Pintura del Banco Nacional de México. Tomo II. México. Grupo Financiero Banamex, 2002. pp. 508 - 510. 38.5 x 30 cm

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ARTURO RIVERA a) El hambre del pintor. 34.5 x 40 cm b) La muerte de Egon Schiele. 34.5 x 35 cm Óleo sobre madera Firmados 2000.PZAS: 2

Lot 45: ARTURO RIVERA a) El hambre del pintor. 34.5 x 40 cm b) La muerte de Egon Schiele. 34.5 x 35 cm Óleo sobre madera Firmados 2000.PZAS: 2

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Description: ARTURO RIVERA A) El hambre del pintor. 34.5 x 40 cm B) La muerte de Egon Schiele. 34.5 x 35 cm Firmados y fechados 2000. Óleo sobre madera. Piezas: 2. Publicados y exhibidos en: "El rostro de los vivos". Arturo Rivera. México. Consejo Nacional para la Cultura y las Artes. Instituto Nacional de Bellas Artes. Landucci Editores. 2000. Catalogados 22 y 39. (N. Ciudad de México, 1945 - ) Nacido en la mitad de la década de los años cuarenta, con una formación rigurosa en la Academia de San Carlos, de México, y en The City Lit Art School, de Londres, Arturo Rivera ha vivido y trabajado en varios países y fue ayudante, en Alemania, del pintor surrealista Max Zimmermann, en los cursos que éste dictó en la Kunstakademie de Munich a fines de los setenta. Exponente destacado de un muy particular estilo que, por sus características de originalidad, los críticos han denominado "realismo de intensidades" o, con deliberada paradoja, "realismo fantástico". Se trata de una obra propia, única, que ha venido a enriquecer las artes plásticas del país, produciendo interés por críticos de arte, así como del público de museos y galerías de México. Véase: El rostro de los vivos. Arturo Rivera. México. Consejo Nacional para la Cultura y las Artes. Instituto Nacional de Bellas Artes. Landucci Editores. 2000. pp. 5 y 7.

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SATURNINO HERRÁN, Caballero águila, Firmada Méx. 1918. Tinta y acuarela sobre papel, 25.5 x 24.5 cm Vo. Bo. Saturnino Herrán Gudiño.

Lot 46: SATURNINO HERRÁN, Caballero águila, Firmada Méx. 1918. Tinta y acuarela sobre papel, 25.5 x 24.5 cm Vo. Bo. Saturnino Herrán Gudiño.

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Description: SATURNINO HERRÁN Caballero águila Firmada y fechada Méx. 1918. Tinta y acuarela sobre papel. Agradecemos a Saturnino Herrán Gudiño por la verificación de autenticidad de esta obra, febrero de 2013. Con etiqueta del Instituto Nacional de Bellas Artes, Dirección de Promoción Nacional y MUNAL y etiqueta de la Exposición Nacional a Saturnino Herrán, Centro Libanés. Presenta fragmento faltante en centro y parte inferior izquierda. (N. Aguascalientes, 1887 - Ciudad de México, 1918) En 1904, Saturnino Herrán ingresa a la Escuela Nacional de Bellas Artes. Inmerso en el lenguaje gráfico del modernismo pudo resolver con maestría, en momentos diferentes de su década productiva, desde referencias afectivas a su maestro Julio Ruelas, hasta la magnífica disposición moderna de su propio monograma. Su trabajo marcó en la pintura mexicana el enlace de la vieja tradición académica con el arte contemporáneo; en él se aprecia la realidad vital y cómo el pintor se aleja de los cánones de la belleza clásica. El desencanto y pesimismo, el hastío vital y la actitud derrotista que distinguieron a la sensibilidad finisecular, especialmente en sus connotaciones "decadentes", son estados de ánimo que se encuentran en las creaciones de Herrán. Personajes absortos, inertes, de los que se desprende una sensación de derrota, como si la fatalidad los hubiera vencido. Su simpatía hacia lo popular y por el tema del trabajo, insólito para las artes plásticas de entonces, la canalizó en la representación de tipos locales de condición humilde y en el interés por las costumbres vernáculas. Véase: MUÑOZ, Víctor, et al. Saturnino Herrán. El instante subjetivo. México. Museo del Palacio de Bellas Artes - INBA - CONACULTA - Gobierno del Estado de Aguascalientes, 2010. p. 180. Véase: RAMÍREZ, Fausto. Saturnino Herrán. México. Universidad Nacional Autónoma de México - Dirección General de Publicaciones México, 1976. Colección de Arte, no. 29. p. 40 - 49. 25.5 x 24.5 cm

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JORGE MARÍN, Abraxas roto, 2012, Firmado  Escultura en bronce 6/8. 83 x 71 x 24 cm, Con certificado de autenticidad.

Lot 47: JORGE MARÍN, Abraxas roto, 2012, Firmado Escultura en bronce 6/8. 83 x 71 x 24 cm, Con certificado de autenticidad.

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Description: JORGE MARÍN Abraxas roto, 2012 Firmado y numerado 6/8. Escultura en bronce con pátina verde sobre base de mármol Con certificado de autenticidad del artista. Agradecemos al Maestro Jorge Marín por la verificación de autenticidad de esta obra, marzo de 2013. (N. Uruapan, Michoacán, 1963 - ) Estudia diseño gráfico en la Escuela Nacional de Artes Plásticas y restauración en la Escuela Nacional de Conservación, Restauración y Museografía INAH. Ha exhibido de forma individual en México y países como Estados Unidos, Costa Rica, España, Alemania e Inglaterra. Su obra forma parte de importantes colecciones internacionales, así como del acervo de instituciones como el Museo de Arte Contemporáneo Carrillo Gil, Museo de Arte Moderno, Museum of Latin American Art, entre otros. Las esculturas de Marín, trabajadas en bronce, tienen como constante formal y conceptual el equilibrio que dialoga con las emociones y transita por el terreno figurativo para ubicarlas en el espacio, creando una tensión y una armonía con el tema y la figura. De hecho, el propio artista ha dicho que casi nunca bosqueja debido a que los conceptos le llegan mientras va modelando y pretende que su discurso interno se manifieste en el volumen de su propuesta escultórica. Existen varios elementos iconográficos constantes en su trabajo como las alas, las esferas y las máscaras. "Quiero que mi obra hable un lenguaje universal, no sólo a un nivel intelectual, de manera que cualquier persona del mundo se pueda reflejar en ella". - Jorge Marín. Véase: LEÑERO, Isabel. "Jorge Marín y sus esculturas de bronce." Semanario Proceso, México. 28 de marzo de 2010. Véase: sitio oficial del artista: www.jorgemarin.com.mx 83 x 71 x 24 cm

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CHARLOTTE YAZBEK, Buscador de Pájaros, 1971, Firmada. Escultura en bronce , 72 x 24 x 25.5 cm, Vo.Bo. Sr. José Luis Chain (qepd).

Lot 48: CHARLOTTE YAZBEK, Buscador de Pájaros, 1971, Firmada. Escultura en bronce , 72 x 24 x 25.5 cm, Vo.Bo. Sr. José Luis Chain (qepd).

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Description: CHARLOTTE YAZBEK Buscador de Pájaros, 1971 Firmada. Escultura en bronce con patinada. Agradecemos a José Luis Chain Matta, hijo de Charlotte Yazbek, por la verificación de autenticidad de esta obra, 2013. También se hizo una serie a escala humana de esta obra. 72 x 24 x 25.5 cm

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CHARLOTTE YAZBEK, El último unicornio, 1974, Firmada. Escultura en bronce, 93 x 77 x 24 cm, Vo.Bo. Sr. José Luis Chain (qepd).

Lot 49: CHARLOTTE YAZBEK, El último unicornio, 1974, Firmada. Escultura en bronce, 93 x 77 x 24 cm, Vo.Bo. Sr. José Luis Chain (qepd).

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Description: CHARLOTTE YAZBEK El último unicornio, 1974 Firmada. Escultura en bronce con patinada. Agradecemos a José Luis Chain Matta, hijo de Charlotte Yazbek, por la verificación de autenticidad de esta obra, 2013. También se hizo una serie a escala humana de esta obra. Presenta detalles de conservación en pátina. (N. Puebla, Puebla, 1916 - 1989) Sus inquietudes artísticas la llevan a escribir y estudiar música y dibujo. Tiene como maestro a Uxio Soto y toma clases de anatomía artística con Hermilo Castañeda, así como con Pedro Medina y Mathias Goeritz. En 1964 es comisionada para representar a nuestro país en el Pabellón Mexicano de la Feria Mundial, en Nueva York. En sus esculturas confronta el gesto violento y la emoción, a través de sus atormentadas y ásperas texturas mediante un poder controlado. Sus figuras expresionistas abarcan temas espirituales, mitológicos y simbólicos. Véase: KASSNER, Lily. "Diccionario de Escultores Mexicanos del Siglo XX." Tomo II. México. CONACULTA. 1997. p. 379. 93 x 77 x 24 cm

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RUFINO TAMAYO, Figura en rojo, 1989, Firmada. Mixografía 28 / 100, 56 x 76 cm, Publicada.

Lot 51: RUFINO TAMAYO, Figura en rojo, 1989, Firmada. Mixografía 28 / 100, 56 x 76 cm, Publicada.

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Description: RUFINO TAMAYO Figura en rojo, 1989 Firmada. Mixografía 28 / 100 Publicada en: PEREDA, Juan Carlos et al. "Rufino Tamayo Catalogue Raisonné Gráfica/ Prints 1925-1991" México. Fundación Olga y Rufino Tamayo, CONACULTA-INBA, Turner, 2004. Pág. 271, catalogada 335. Editada e impresa sobre papel hecho a mano en el Taller de Gráfica Mexicana, ciudad de México. Consta de bon á tirer, 100 ejemplares numerados 1 / 100 a 100 / 100; 30 P de A I / XXX a XXX / XXX y 30 HC 1 / 30 a 30 / 30. (N. Oaxaca de Juárez, México, 1899 - Ciudad de México, 1991) En 1917, Rufino Tamayo se inscribió en la Escuela Nacional de Bellas Artes de la Ciudad de México, donde sus maestros fueron Roberto Montenegro, Germán Gedovius y Saturnino Herrán, entre otros. Entre 1925 y 1991 el maestro creó uno de los más importantes y originales corpus de estampas que se han visto en México, realizadas con diferentes técnicas, sus obras gráficas dan testimonio del interés del artista por cultivar el campo de la gráfica en paralelo al de la pintura. El legado de Rufino Tamayo a la historia del arte no es sólo el del pintor que desarrollo una sintaxis estética propia; es, también , el uno de los artistas gráficos con mayor cantidad de recursos formales y simbólicos en constante renovación, un virtuoso en las técnicas clásicas y un innovador en el campo del arte de la estampa. Véase: MARTÍNEZ LÁMBARRY, Margarita. La Colección de Pintura del Banco Nacional de México. Tomo I. México. Grupo Financiero Banamex, 2002. p. 654. Véase: PEREDA, Juan Carlos, et al. Rufino Tamayo Catalogue Raisonné Gráfica/ Prints 1925-1991. México. Fundación Olga y Rufino Tamayo, CONACULTA-INBA, Turner, 2004. 56 x 76 cm

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