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Auction Description for Morton Casa de Subastas: Arte Latinoamericano

Arte Latinoamericano

by Morton Casa de Subastas


241 lots with images

November 14, 2013

Live Auction

Monte Athos # 179

Lomas de Chapultepec

Mexico DF, CP11000 Mexico

Phone: +52 (55) 52 83 31 40

Fax: +52 (55) 55 40 32 13

Email: atencion.clientes@lmorton.com

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RUFINO TAMAYO, De Arte Prehispánico de México, Firmada y fechada 6-72. Acuarela y grafito sobre papel, 33.4 x 26 cm

Lot 1: RUFINO TAMAYO, De Arte Prehispánico de México, Firmada y fechada 6-72. Acuarela y grafito sobre papel, 33.4 x 26 cm

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Description: RUFINO TAMAYO De Arte Prehispánico de México Firmada y fechada 6-72. Acuarela y grafito sobre papel. Procedencia: Bonhams subasta 12 de noviembre de 2012. (N. Oaxaca de Juárez, México, 1899 - Ciudad de México, 1991) Esta acuarela forma parte del proyecto Arte Prehispánico de México, originalmente estaba acompañada con el libro homónimo editado por Galería Misrachi. La edición constó de 110 ejemplares, cada uno incluía un dibujo original y único, como el que en esta ocasión presentamos, creado por el Maestro Rufino Tamayo. "[…]las obras arqueológicas -originarias- que aquí vemos constituyen formas de expresión artística y nos remiten, además, al artista que las escogió: Rufino Tamayo […] Tamayo inauguró una nueva tradición, la de la pintura contemporánea de México. Ésta pone de manifiesto la originalidad del pintor, pone de manifiesto que esta obra es absolutamente actual y anda siempre en busca de nuevos caminos. Nos dice que Tamayo nunca ha dejado de atender a las voces antiguas de sus propias tradiciones, de sus propios orígenes[...]" Ramón Xirau, fragmento de la introducción de "Arte prehispánico de México. Colección Rufino Tamayo". 33.4 x 26 cm

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RUFINO TAMAYO, Sandías, 1977, Firmada. Mixografía I / XXV, 73.5 x 55 cm

Lot 2: RUFINO TAMAYO, Sandías, 1977, Firmada. Mixografía I / XXV, 73.5 x 55 cm

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Description: RUFINO TAMAYO Sandías, 1977 Firmada. Mixografía I / XXV Publicada en: PEREDA, Juan Carlos et al. "Rufino Tamayo Catalogue Raisonné Gráfica/ Prints 1925-1991" México. Fundación Olga y Rufino Tamayo, CONACULTA-INBA, Turner, 2004. Pág. 193, catalogada 238. Impresa sobre papel Arches en el Taller de Gráfica Mexicana, ciudad de México. Consta de bon à tirer, 25 ejemplares de lujo numerados I / XXV a XXV / XXV y 100 numerados 1 / 100 a 100 / 100; 10 P de A I / X a X / X, 10 HC 1 / 10 a 10 / 10 y cinco HC I / V a V / V. Las sandías fueron el tema más solicitado por los coleccionistas de Tamayo. Esas frutas sirvieron al artista como pretexto para un ejercicio de orden y concierto. Aunque sus rebanadas de sandía son muy semejantes, ninguna es igual; el sombreado de la tenue veladura da volumen, movimiento y textura a las tajadas que se proyectan contra un fondo de vaporosa y fina textura. Los colores de las tintas son uniformes, pero el delicado trabajo de entintado les proporciona matices. Véase: PEREDA, Juan Carlos et al. "Rufino Tamayo Catalogue Raisonné Gráfica/ Prints 1925-1991" México. Fundación Olga y Rufino Tamayo, CONACULTA-INBA, Turner, 2004. Pág. 33. 73.5 x 55 cm

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CARLOS MÉRIDA, Boceto para Estampas del Popol Vuh, Firmada. Acuarela, tinta y lápiz de grafito sobre papel, 31.5 x 27.5 cm

Lot 3: CARLOS MÉRIDA, Boceto para Estampas del Popol Vuh, Firmada. Acuarela, tinta y lápiz de grafito sobre papel, 31.5 x 27.5 cm

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Description: CARLOS MÉRIDA Boceto para Estampas del Popol Vuh Firmada. Acuarela, tinta y lápiz de grafito sobre papel. Agradecemos a la Sra. Ma. Cristina Navas y Mérida, nieta del artista, por la verificación de autenticidad de esta obra, septiembre de 2013. Este es el modelo para una de las litografías de la carpeta Estampas del Popol Vuh, la cual fue publicada en 1943 por Graphic Arts Publications Editores. (N. Guatemala, 1891 - Ciudad de México, 1984) Su nombre verdadero fue Carlos Santiago Ortega, de lo que él comentaba: "Yo quería que mi nombre tuviera una impresión sonora, así fue como me lo cambié a Carlos Mérida". 31.5 x 27.5 cm

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CARLOS MÉRIDA, Sin título, Firmado. Gouache y tinta sobre papel, 19 x 25 cm

Lot 4: CARLOS MÉRIDA, Sin título, Firmado. Gouache y tinta sobre papel, 19 x 25 cm

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Description: CARLOS MÉRIDA Sin título Firmado. Gouache y tinta sobre papel. Agradecemos a Galería Arvil por la verificación de procedencia de esta obra, septiembre de 2013. Con etiqueta de la Galería Arvil. Presenta ligeros detalles de conservación. Carlos Mérida unió el destino de su vida -su pintura- al patrimonio artístico de México. Antes de los veinte años llegó a París, en la época de la pintura de los fauves. A su vuelta inició en Guatemala sus trabajos de pintura americana, basada en temas folklóricos. Es el caso estrafalario del americano que regresó americano a América, después de larga permanencia en Europa. Fue su preocupación única desarrollar un arte nacional, expresar el ambiente en que vivió su niñez. No era de poca significación tal esfuerzo en un medio que desconocía, en lo absoluto, toda preocupación artística. Cuando Mérida llegó a México en 1919, encontró un campo más propicio pero sin ninguna unidad. Su obra se sostenía por su intención, planteaba el problema de la pintura americana, y, si no ofrecía una solución acabada, renovaba la actualidad permanente del problema. A partir de la década de los 30, en la obra de Mérida domina la sensibilidad a sus cualidades intelectuales. Fina sensibilidad plástica que se expresa de refinada manera en unas cuantas líneas, unas cuantas manchas inevitables. Ha reducido la pintura a lo esencial. Véase: CARDOZA Y ARAGÓN, Luis. "Carlos Mérida. Color y Forma". México. Consejo Nacional para la Cultura y las Artes-Ediciones ERA, 1992. pp. 31-33. 19 x 25 cm

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MARIO CARREÑO, Trovador en interior, Firmada y fechada 48. Tinta sobre papel, 43 x 40.5 cm, Con certificado.

Lot 5: MARIO CARREÑO, Trovador en interior, Firmada y fechada 48. Tinta sobre papel, 43 x 40.5 cm, Con certificado.

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Description: MARIO CARREÑO Trovador en interior Firmada y fechada 48. Tinta sobre papel. Con certificado expedido por Ida González de Carreño. Publicado en: "Mario Carreño Morales. Selected Works 1936 - 1957". Cuba. Torna And Prado Fine Art Collection / Museo Nacional de Bellas Artes de la Habana. (N. La Habana, Cuba, 1913 - Santiago, Chile, 1999) Su primera etapa artística fue acorde con el color y el calor de la América caribeña. A los 19 hizo su primer viaje: Madrid. Su pintura recibió el impacto de la Guerra Civil española; en México, cayó bajo el influjo de sus amigos muralistas Diego Rivera y David Alfaro Siqueiros; en París, se codeó con el cubista Pablo Picasso, y en EE.UU., volvió a los temas americanistas. Para cuando llegó a Chile, en 1958, la mano de Carreño estaba entrenada para cualquier desafío estilístico. Esa versatilidad lo ha llevado a la cumbre de los artistas latinoamericanos y aún hoy es uno de los más cotizados en el mercado. El pintor fue clave en la escena artística local de los años 60. En 1959 fue cofundador de la Escuela de Arte de la U. Católica, en 1969 se nacionalizó chileno y en 1982 recibió el Premio Nacional. Tuvo además, una estrecha amistad con Pablo Neruda, que se reflejó en sus cuadros. Véase: ESPINOZA A., Denisse. "Crean Fundación Mario Carreño, a 100 años del nacimiento del pintor". Chile. Diario La Tercera, 22 de junio de 2013. 43 x 40.5 cm

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JOAQUÍN TORRES GARCÍA, Paisaje de puerto / Harbor scene, Ca. 1947, Lápiz de grafito y tinta sobre papel, 11 x 16.5 cm, Con certificado.

Lot 6: JOAQUÍN TORRES GARCÍA, Paisaje de puerto / Harbor scene, Ca. 1947, Lápiz de grafito y tinta sobre papel, 11 x 16.5 cm, Con certificado.

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Description: JOAQUÍN TORRES GARCÍA Paisaje de puerto / Harbor scene, Ca. 1947 Sin firma. Lápiz de grafito y tinta sobre papel. Con fotografía certificada al reverso por Cecilia de Torres, Nueva York, febrero de 1994. (N. Montevideo, Uruguay, 1874 - Montevideo, Uruguay, 1949) "Podemos decir que Torres creía que el arte se amasaba en base a dos dinamismos, un principio espiritual y un principio de la naturaleza, y que el hombre es quien expresa a través de sí mismo y del arte estos dos principios. Pensamos que estos principios son arquetípicos, es decir universales, sin tiempo, y que están en el inconsciente colectivo de la raza humana. En estas condiciones, el arte es universal y de todos los tiempos, y expresa siempre el mismo misterio, el de la existencia, el del ser eterno". Dr. Demian Díaz Torres, "El Arte Constructivo de Joaquín Torres García desde una perspectiva simbólico - arquetípica"(fragmento), junio de 2004. En www.torresgarcia.org.uy 11 x 16.5 cm

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ABEL QUEZADA, Central Park en invierno con señor leyendo el periódico, Acuarela sobre papel, 22 x 15 cm, Con certificado.

Lot 7: ABEL QUEZADA, Central Park en invierno con señor leyendo el periódico, Acuarela sobre papel, 22 x 15 cm, Con certificado.

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Description: ABEL QUEZADA Central Park en invierno con señor leyendo el periódico Sin firma. Acuarela sobre papel. Con certificado de autenticidad de Abel Quezada Rueda. Exhibido en: "Abel Quezada en Nueva York". Biblioteca de México, 1994. (N. Monterrey, Nuevo León, 1920 - Cuernavaca, Morelos, 1991) Fue uno de los caricaturistas más importantes que ha tenido nuestro país. Su trabajo de crítica social se difundió en las más importantes publicaciones de su época como el New Yorker (publicación para la que desarrolló esta ilustración) y Excélsior. Véase: MORALES, Alfonso, et al. "Abel Quezada. El mejor de los mundos posibles". México. Museo de Arte Rufino Tamayo - CONACULTA - INBA - Abel Quezada Asociación Civil, 1999. Pág. 36. 22 x 15 cm

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ABEL QUEZADA, El Atleta y su Manager, Firmado A.Q. y fechado 76. Óleo sobre tela sobre cartón, 35 x 45 cm, Con certificado.

Lot 8: ABEL QUEZADA, El Atleta y su Manager, Firmado A.Q. y fechado 76. Óleo sobre tela sobre cartón, 35 x 45 cm, Con certificado.

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Description: ABEL QUEZADA El Atleta y su Manager Firmado A.Q. y fechado 76 al frente. Óleo sobre tela sobre cartón. Con certificado de autenticidad de Abel Quezada Rueda. Al reverso tiene la leyenda: "El atleta y su manager por A.Q. 1976". Esta obra se exhibió en la Galerie de Nesle en París en 1990 y en "Códice AQ". Museo de la Ciudad de México, 2011. Publicado en: - "Los tiempos perdidos". editorial Joaquín Mortíz, 1979. - "El cazador de musas". Italia. Editorial Peppi Battaglini, 1989. - Catálogo de la exposición "Abel Quezada", presentada en Galerie de Nesle, Paris, 1990. Presenta ligeros detalles de conservación. "El sentido del humor de Quezada es precisamente a causa de su calidad, más un método que una demostración única. En cuanto a sus procedimientos, Quezada es abiertamente democrático, y sus lectores lo festejan a diario sin fijarse en el aprendizaje a que se someten y en la revisión general de la sociedad en que se sumergen. Si la obra de García Cabral o la de Audiffred siguen importando por la calidad formal, la de Quezada permanece, y acrecienta su valor, porque su descripción del mundo conocido y del ya irreconocible es función del sentido del humor, la pasión por la sátira y la memorable sencillez. En las distorsiones festivas de la mirada de Abel Quezada se encuentran las claves de su exactitud". Carlos Monsiváis. 35 x 45 cm

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FRANCISCO ZÚÑIGA, Niñas desnudas, Firmado y fechado 1987. Crayón y pastel sobre papel, 47.5 x 62.5 cm, Con certificado.

Lot 9: FRANCISCO ZÚÑIGA, Niñas desnudas, Firmado y fechado 1987. Crayón y pastel sobre papel, 47.5 x 62.5 cm, Con certificado.

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Description: FRANCISCO ZÚÑIGA Niñas desnudas Firmado y fechado 1987. Crayón y pastel sobre papel. Con certificado de autenticidad de la Fundación Zúñiga Laborde, diciembre de 2003. Con el título "Dos niñas". Agradecemos al Sr. Ariel Zúñiga por la verificación de autenticidad de esta obra, septiembre de 2013. Publicado en: ZÚÑIGA, Ariel. "Francisco Zúñiga: Catálogo Razonado / Catalogue Raisonné. Volumen IV - Volume IV: Dibujos / Drawings 1971-1989". México. Albedrío/Fundación Zúñiga Laborde, 2006. Pág. 779, catalogado 3505. Por error el catálogo dice que mide 50 x 70 cm (N. San José de Costa Rica, 1912 - Ciudad de México, 1998) "¿Por qué mujeres? Y es engañoso porque es puramente accidental, la necesidad natural en él de expresarse gráficamente lo conduce en busca del elemento más rico posible a su alrededor; no en balde en la tradición del arte es la figura femenina la que domina. No podemos ignorar que las juchitecas o yucatecas son suficientemente ricas para estar en el primer plano del arte mexicano; la fuerza del matriarcado es tan real que tiene una poderosa presencia desde el arte prehispánico". Ariel Zúñiga. Véase: ZÚÑIGA, Ariel, et al. "Francisco Zúñiga. Catálogo Razonado. Volúmen III: Dibujos 1927 - 1970." México. Ed. Albedrío - Fundación Zúñiga Laborde, A.C., 2006. 47.5 x 62.5 cm

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FRANCISCO ZÚÑIGA, Tres mujeres, Firmada y fechada 1972. Acuarela y conté sobre papel. 48.5 x 64 cm

Lot 10: FRANCISCO ZÚÑIGA, Tres mujeres, Firmada y fechada 1972. Acuarela y conté sobre papel. 48.5 x 64 cm

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Description: FRANCISCO ZÚÑIGA Tres mujeres Firmada y fechada 1972. Acuarela y conté sobre papel. Agradecemos al Sr. Ariel Zúñiga por la verificación de autenticidad de esta obra, septiembre de 2013. Esta obra será incluida en "Francisco Zúñiga: Catálogo Razonado / Catalogue Raisonné. Volumen V". México. Albedrío/Fundación Zúñiga Laborde. "Algunas figuras de Zúñiga desaparecen como si no tuvieran razón de ser o como si la perdieran, otras casi obsesivas se mantienen a lo largo de su vida como si fueran la raíz de un tema esencial, pero durante su proceso de trabajo todo dibujo es potencialmente escultura; que más tarde será drama". Ariel Zúñiga. Véase: ZÚÑIGA, Ariel, et al. "Francisco Zúñiga. Catálogo Razonado. Volúmen III: Dibujos 1927 - 1970". México. Albedrío - Fundación Zúñiga Laborde, 2006. 48.5 x 64 cm

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FERNANDO CASTRO PACHECO, Mujer Sentada, Firmado y fechado 63. Óleo sobre madera, 80 x 60 cm

Lot 11: FERNANDO CASTRO PACHECO, Mujer Sentada, Firmado y fechado 63. Óleo sobre madera, 80 x 60 cm

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Description: FERNANDO CASTRO PACHECO Mujer Sentada Firmado y fechado 63. Óleo sobre madera. Agradecemos a la Maestra María Luisa Novelo, alumna y especialista reconocida por el Maestro Castro Pacheco para la verificación de autenticidad de su obra. Revisión de esta obra: julio de 2013. Con etiqueta de Plástica de México Galería de Arte. Presenta ligeros detalles de conservación. (N. Mérida, Yucatán, 1918 - Mérida, Yucatán, 2013) Fernando Castro Pacheco vivió, conoció y aprendió de los pintores de la Escuela Mexicana. Su trabajo rico y prolífico no sólo enaltece a su natal Mérida, sino al arte mexicano, campo en el que ha dejado con su paso una huella de gran valor. Véase: DEL CONDE, Teresa, et al. "Fernando Castro Pacheco. Color e Imagen de Yucatán". México. Universidad Autónoma de Yucatán, 1994. 80 x 60 cm

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FERNANDO CASTRO PACHECO, Pensativa, 1991, Firmado. Óleo sobre tela, 113 x 80 cm

Lot 12: FERNANDO CASTRO PACHECO, Pensativa, 1991, Firmado. Óleo sobre tela, 113 x 80 cm

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Description: FERNANDO CASTRO PACHECO Pensativa, 1991 Firmado. Óleo sobre tela. Agradecemos a la Maestra María Luisa Novelo, alumna y especialista reconocida por el Maestro Castro Pacheco para la verificación de autenticidad de su obra. Revisión de esta obra: septiembre de 2013. Agradecemos a la Sra. Alejandra Yturbe, de la Galería de Arte Mexicano, por la revisión de esta obra, agosto de 2013. Con etiqueta de Galería de Arte Mexicano. Presenta pequeñas manchas de pintura. 113 x 80 cm

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RICARDO MARTÍNEZ, Boceto, Firmado y fechado 68. Óleo sobre papel, 22.1 x 28.5 cm

Lot 13: RICARDO MARTÍNEZ, Boceto, Firmado y fechado 68. Óleo sobre papel, 22.1 x 28.5 cm

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Description: RICARDO MARTÍNEZ Boceto Firmado y fechado 68. Óleo sobre papel. Esta obra será registrada para el Catálogo Razonado del Dr. Mark Ruben con núm. RM-68015. Procedencia: Forsythe Gallery, Inc. Michigan, U.S.A. (N. Ciudad de México, 1918 - Ciudad de México, 2009) La composición: la representación del volumen y el movimiento, la atmósfera y el origen de todo, el principio armónico de la luz, fuente original de toda integración pictórica digna de ser llamada obra de arte. Ricardo Martínez, en su aprendizaje apasionado y solitario - él nunca asistió a escuela o academia alguna; careció incluso de compañía con quien comentar o compartir sus búsquedas y sus hallazgos-, supo desde los comienzos aquellos principios fundamentales. Indagó durante años las causas y los efectos de la línea y el color y las disposiciones espaciales. Especuló, experimentó con ellos durante años de esfuerzo encarnizado y tenaz, fue despojándose en sus obras de lo que no fuera, de acuerdo con sus interiores necesidades, cabalmente esencial. Véase: BONIFAZ NUÑO, Rubén. "Ricardo Martínez". México, Fondo Editorial Panorama, 1994. Pág. 35. 22.1 x 28.5 cm

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RICARDO MARTÍNEZ, Boceto, Firmado y fechado 73. Óleo y lápiz de grafito sobre papel, 30.5 x 23 cm

Lot 14: RICARDO MARTÍNEZ, Boceto, Firmado y fechado 73. Óleo y lápiz de grafito sobre papel, 30.5 x 23 cm

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Description: RICARDO MARTÍNEZ Boceto Firmado y fechado 73. Óleo y lápiz de grafito sobre papel. Esta obra será registrada para el Catálogo Razonado del Dr. Mark Ruben con núm. RM-73032. 30.5 x 23 cm

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JOSÉ LUIS CUEVAS, Sin título, Firmado y fechado 1986-87. Tinta sobre papel, 95 x 70 cm

Lot 15: JOSÉ LUIS CUEVAS, Sin título, Firmado y fechado 1986-87. Tinta sobre papel, 95 x 70 cm

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Description: JOSÉ LUIS CUEVAS Sin título Firmado y fechado 1986-87. Tinta sobre papel. Presenta una rasgadura en la parte derecha y marcas de cinta adhesiva. (N. Ciudad de México, 1934 - ) 95 x 70 cm

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ALFREDO CASTAÑEDA, Sin título, Firmado y fechado 68. Acrílico y lápiz de grafito sobre papel, 27 x 42.5 cm, Con certificado.

Lot 16: ALFREDO CASTAÑEDA, Sin título, Firmado y fechado 68. Acrílico y lápiz de grafito sobre papel, 27 x 42.5 cm, Con certificado.

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Description: ALFREDO CASTAÑEDA Sin título Firmado y fechado 68. Acrílico y lápiz de grafito sobre papel. Con certificado de autenticidad de Galería 10/10, agosto de 2013. (N. Ciudad de México, 1938 - Madrid, España, 2010) 27 x 42.5 cm

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LEONORA CARRINGTON, Bailarinas, 1949, Firmado al frente. Gouache sobre papel, 20.5 x 28.5 cm

Lot 17: LEONORA CARRINGTON, Bailarinas, 1949, Firmado al frente. Gouache sobre papel, 20.5 x 28.5 cm

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Description: LEONORA CARRINGTON Bailarinas, 1949 Firmado al frente. Gouache sobre papel. (N. Lancashire, Inglaterra, 1917 - Ciudad de México, 2011) Esta obra original de Leonora Carrington se trata de un boceto para teatro. Copyright Estate of Leonora Carrington /ARS. 20.5 x 28.5 cm

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LEONORA CARRINGTON, Metatron, Firmada. Escultura en bronce 1 / 10, 95 x 34 x 34 cm, Con certificado.

Lot 18: LEONORA CARRINGTON, Metatron, Firmada. Escultura en bronce 1 / 10, 95 x 34 x 34 cm, Con certificado.

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Description: LEONORA CARRINGTON Metatron Firmada. Escultura en bronce 1 / 10 Con sello del Taller Sacal. Con certificado de autenticidad del Taller Sacal firmado por la artista. 95 x 34 x 34 cm

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ANTONIO RODRÍGUEZ LUNA, Sin título (Perro), Firmado. Óleo sobre tela, 35.5 x 45.5 cm

Lot 19: ANTONIO RODRÍGUEZ LUNA, Sin título (Perro), Firmado. Óleo sobre tela, 35.5 x 45.5 cm

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Description: ANTONIO RODRÍGUEZ LUNA Sin título (Perro) Firmado. Óleo sobre tela. Obra restaurada. (N. Córdoba, España, 1910 - Córdoba, España, 1985) La obra de Rodríguez Luna participa del conocimiento de la tradición figurativa y clásica, con una sólida formación que le lleva a dominar, de manera magistral, el dibujo de líneas firmes y las composiciones sólidas. Por otra parte, se adentra en el mundo vibrante y joven de la renovación, de las vanguardias y de la creación del Arte Nuevo en España. "Vimos como Rodríguez Luna -quizá el mejor dotado entre los pintores últimamente aparecidos- reafirmaba las calidades de un arte prodigiosamente inventivo y poético." Guillermo de la Torre, a propósito de su participación en el "Salón de Otoño", 1933. Véase: ALIX, Josefina. "Rodríguez Luna y España: La Búsqueda de la Verdad" en "Rodríguez Luna." México. Grupo Financiero BITAL, 1995. pp. 14-24. 35.5 x 45.5 cm

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RAFAEL CORONEL, Rata pinta con lombriz, Firmado y fechado 73. Acrílico sobre lino, 150 x 150 cm

Lot 20: RAFAEL CORONEL, Rata pinta con lombriz, Firmado y fechado 73. Acrílico sobre lino, 150 x 150 cm

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Description: RAFAEL CORONEL Rata pinta con lombriz Firmado y fechado 73 al frente. Firmado y fechado R.C.A. 73 al reverso. Acrílico sobre lino. Agradecemos a Juan Coronel Rivera por la verificación de autenticidad de esta obra, septiembre de 2013. (N. Zacatecas, Zacatecas, 1931 - ) Ha presentado un gran número de exposiciones individuales en galerías e importantes museos internacionales. Entre muchos otros, ha expuesto en países como Brasil, Italia, Bélgica y Estados Unidos; en México ha exhibido en el museo del Palacio Nacional de Bellas Artes y el Museo de Arte Moderno. En 1959 Rafael Coronel realizó su primera exposición individual en el Palacio de Bellas Artes intitulada "Retratos". Asimismo ha recibido importantes condecoraciones y reconocimientos por su labor creativa a nivel internacional. En 1990 se creó el Museo Rafael Coronel que se encuentra en la capital de Zacatecas, su ciudad natal. Su obra está impregnada de fuerza, de una inquietud interna por entender los estados anímicos del hombre, de confrontar lo que otros no confrontan: la soledad, el abandono y la desesperación que se manifiesta en aquellos momentos en los que la vida hace crisis en el ser humano y a muchos se les apetece darse la vuelta y olvidarse de ahí, en ese estado miserable, existe un ser que se está aferrando a la vida como un culto a la existencia. Véase: "Rafael Coronel." Texto para exposición en la galería Vértice de Guadalajara, Jalisco. Octubre de 1999 y www.rafaelcoronel.com 150 x 150 cm

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FRANCISCO TOLEDO, Hombre huyendo de los cangrejos, Firmada a lápiz. Tinta sobre papel de sketchbook, 46 x 31 cm

Lot 21: FRANCISCO TOLEDO, Hombre huyendo de los cangrejos, Firmada a lápiz. Tinta sobre papel de sketchbook, 46 x 31 cm

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Description: FRANCISCO TOLEDO Hombre huyendo de los cangrejos Firmada a lápiz. Tinta sobre papel de sketchbook. (N. Juchitán, Oaxaca, 1940 - ) Un artista imprescindible para el arte mexicano de nuestro tiempo. La obra de Francisco Toledo muestra de un modo universal las vivencias en el mundo rural que lo vio crecer en su natal Juchitán, Oaxaca. En su cosmogonía la naturaleza no es contraria a la esencia del ser humano, es un intercambio donde no hay jerarquías entre los pobladores del cosmos. El resultado son imágenes donde podemos ver la vertiginosa cercanía de todas las formas de vida, algo que sólo podría lograr en una obra de arte. El maestro retoma formas y temas tradicionales del Istmo mexicano y los une a su búsqueda personal, creando seres comparables a los que se establecieron en el arcaísmo como esencia del mundo, códices contemporáneos. Véase: SOLÍS OLGUÍN, Enrique et al. "Francisco Toledo en el Museo Nacional de Antropología". Prisma Editorial, México, D.F. 2004. 46 x 31 cm

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FRANCISCO TOLEDO, Sin título (los vagones), Ca. 1965, Firmado. Gouache y tinta sobre papel, 48.5 x 63.5 cm

Lot 22: FRANCISCO TOLEDO, Sin título (los vagones), Ca. 1965, Firmado. Gouache y tinta sobre papel, 48.5 x 63.5 cm

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Description: FRANCISCO TOLEDO Sin título (los vagones), Ca. 1965 Firmado dos veces. Gouache y tinta sobre papel. Con etiqueta de Galería Central de Arte. Su infancia transcurrió entre Juchitán y Minatitlán, Veracruz. Más tarde, se trasladó a México donde aprendió el oficio de litógrafo en el taller de grabado de la Escuela de Artes y Artesanías. En 1959 expuso en la galería de Antonio Souza en México y en el Forth Worth Art Center en Texas, Estados Unidos. Obtuvo una beca con la que a finales de 1960 se trasladó a Francia y residió durante cinco años mientras asistía al taller de Stanley W. Hayter. Se instaló definitivamente en México hacia 1967. Actualmente vive en Oaxaca. Véase: TOVAR Y DE TERESA, Guillermo. "Francisco Toledo" en Repertorio de Artistas en México. Tomo III. México. Grupo Financiero Bancomer, 1997. Pág. 332. 48.5 x 63.5 cm

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JAVIER ARÉVALO, Caras, Firmada y fechada Mex. 2005. Acrílico sobre tallas en caoba sobre madera, 94 x 125 cm, Con certificado.

Lot 23: JAVIER ARÉVALO, Caras, Firmada y fechada Mex. 2005. Acrílico sobre tallas en caoba sobre madera, 94 x 125 cm, Con certificado.

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Description: JAVIER ARÉVALO Caras Firmada y fechada Mex. 2005. Acrílico sobre tallas en caoba ensambladas en bastidor de madera. Con certificado de autenticidad del artista, Méx. 2012. En dicho certificado menciona por error que fueron elaboradas en el 2009, pero la firma de la obra es 2005. (N. Guadalajara, Jalisco, 1937 - ) 94 x 125 cm

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BYRON GÁLVEZ, Sitting sculpture, Firmada y fechada 89. Escultura en bronce P / A, 56 x 32 x 42 cm

Lot 24: BYRON GÁLVEZ, Sitting sculpture, Firmada y fechada 89. Escultura en bronce P / A, 56 x 32 x 42 cm

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Description: BYRON GÁLVEZ Sitting sculpture Firmada y fechada 89. Escultura en bronce P / A Agradecemos a Óscar Gálvez y a Eva Beloglovsky, viuda del artista, por la verificación de autenticidad de esta obra, octubre de 2013. Publicada en el sitio oficial del artista: www.byrongalvez.com La base tiene un balero para girarla. (N. Mixquiahuala, Hidalgo, 1941 - Ciudad de México, 2009) La producción tridimensional de Byron Gálvez tiene una serie de elementos que lo distinguen en el panorama de la escultura mexicana moderna. Heredero del arte escultórico mexicano y de su pasión por los grandes escultores de Europa, como Brancusi o Moore, y de Mesoamérica, Byron se inició en el terreno de la escultura mientras se encontraba desarrollando murales. Su creación escultórica es una de las primeras expresiones que abarcaban tanto el lenguaje geométrico como el figurativo en el panorama de las artes plásticas del México moderno. Véase: sitio oficial del artista: www.byrongalvez.com 56 x 32 x 42 cm considerando la base

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BYRON GÁLVEZ, Sin título, Firmado y fechado 83. Óleo sobre tela, 95 x 80 cm, Con certificado.

Lot 25: BYRON GÁLVEZ, Sin título, Firmado y fechado 83. Óleo sobre tela, 95 x 80 cm, Con certificado.

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Description: BYRON GÁLVEZ Sin título Firmado y fechado 83. Óleo sobre tela. Agradecemos a Óscar Gálvez y a Eva Beloglovsky, viuda del artista, por la verificación de autenticidad de esta obra, octubre de 2013. Con certificado de autenticidad y etiqueta de Zoma Contemporary Art Center Yucatán. "Después de algún tiempo trabajando como expresionista, Byron regresa definitivamente al figurativismo geometrizante alrededor de 1980 que es cuando exhibe su exposicion con el tema "Mujer" en el Museo de Arte Moderno de la Ciudad de México. Ha sido este su tema casi exclusivo desde entonces... En sus oleos se vive una celebración de la vida: las figuras bailan y viven en una constante fiesta, a veces erótica, otras mas inocente..." Véase: sitio oficial del artista: www.byrongalvez.com 95 x 80 cm

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CARLOS MÉRIDA, Proyecto para una pintura, Firmado. Gouache y lápiz de grafito sobre papel kraft, 89 x 68.5 cm

Lot 26: CARLOS MÉRIDA, Proyecto para una pintura, Firmado. Gouache y lápiz de grafito sobre papel kraft, 89 x 68.5 cm

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Description: CARLOS MÉRIDA Proyecto para una pintura Firmado. Gouache y lápiz de grafito sobre papel kraft. Agradecemos a la Sra. Ma. Cristina Navas y Mérida, nieta del artista, por la verificación de autenticidad de esta obra, septiembre de 2013. Presenta una rasgadura en la parte superior y marcas de cinta adhesiva y humedad. "Tengo la ambición de hacer pintura poética, porque creo que no hay arte sin poesía. Así como creo que la pintura descriptiva no es más que anécdota gráfica […] Además he tenido la ambición de crear un estilo. No hay obra perdurable sin estilo, me he dicho. Pero crearlo no por el deliberado propósito de hacerlo, sino mediante un proceso de decantación subconsciente, conforme a un desarrollo orgánico como el de los árboles, como el de las flores". Carlos Mérida. Véase: DE LA TORRE, Mario. "Carlos Mérida en sus 90 años" México. Cartón y Papel de México S.A de C.V, Colección CPM, 1981. Pág. 22. 89 x 68.5 cm

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FRANCISCO CASTRO LEÑERO, Cúmulos Intervención, de la serie Cúmulos, Firmado. Acrílico sobre tela. 150 x 120 cm. Con certificado.

Lot 27: FRANCISCO CASTRO LEÑERO, Cúmulos Intervención, de la serie Cúmulos, Firmado. Acrílico sobre tela. 150 x 120 cm. Con certificado.

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Description: FRANCISCO CASTRO LEÑERO Cúmulos Intervención, de la serie Cúmulos Firmado con monograma al frente. Fechado 2013 al reverso. Acrílico sobre tela. Con certificado de autenticidad del artista, 2013. Agradecemos al Maestro Francisco Castro Leñero por la verificación de autenticidad de esta obra, septiembre de 2013. (N. Ciudad de México, 1954 - ) "En la serie Cúmulos cada obra explora una posibilidad de intercalar elementos que podrían pertenecer a búsquedas diferentes. En Cúmulos Intervención he intentado sugerir el contraste entre dos maneras de poblar el espacio: una de tendencia mínimal y otra más barroca y gráfica. La intervención del azul claro en la superficie oscura pretende ser el gozne que justifique la unión de intenciones". Francisco Castro Leñero, 2013. 150 x 120 cm

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GUNTHER GERZSO, Rojo - azul - naranja, Firmado y fechado 73. Acrílico y tinta sobre papel, 48 x 66 cm

Lot 28: GUNTHER GERZSO, Rojo - azul - naranja, Firmado y fechado 73. Acrílico y tinta sobre papel, 48 x 66 cm

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Description: GUNTHER GERZSO Rojo - azul - naranja Firmado y fechado 73. Acrílico y tinta sobre papel. (N. Ciudad de México, 1915 - Ciudad de México, 2000) Su padre era húngaro y su madre alemana. Parte de su niñez y adolescencia transcurrieron en Europa. Cuando vivía en Lugano, Suiza conoció a Paul Klee. Regresó a México en 1931; en la capital realizó algunos diseños para vestuario y escenografía teatral. Más tarde viajó a Cleveland para continuar sus estudios en The Cleveland Playhouse. En 1940 dio sus primeros pasos como pintor autodidacta incentivado por su amigo el pintor Bernard. Sus primeras obras reflejan claramente una influencia surrealista que pronto abandonó por la abstracción. Ya como pintor, Gunther Gerzso abrió -con Carlos Mérida y Rufino Tamayo- un nuevo capítulo en la historia de la pintura contemporánea mexicana, al proponer una estética opuesta "al academismo y al ideologismo en que había degenerado el muralismo". "A Gerzso le apasionó una imagen de la realidad con estilo diferente de sus coetáneos. Su planteamiento fue tan radical que su resultado fue totalmente de otra índole. La pintura en sí misma es su propio contenido. Un arte de relaciones y proporciones puras basado en ritmos dinámicos. No deseó representar ningún antecedente directo de la pintura, del mundo de la experiencia objetiva. Sino pintar estructuras mentales, sonoras, de reflejos recíprocos, ejerciendo influjo sobre el sentimiento y la inteligencia, comunicando una vivencia hecha visible, hecha real." Luis Cardoza y Aragón. Véase: TOVAR Y DE TERESA, Guillermo. "Repertorio de Artistas en México. Tomo II". México. Grupo Financiero Bancomer, 1996. Pág. 70. 48 x 66 cm

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MATHIAS GOERITZ, Biombo dorado, 1970, Firmado. Fundición en bronce detallado al oro, 33 x 45.5 x 8 cm, Con certificado del artista.

Lot 29: MATHIAS GOERITZ, Biombo dorado, 1970, Firmado. Fundición en bronce detallado al oro, 33 x 45.5 x 8 cm, Con certificado del artista.

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Description: MATHIAS GOERITZ Biombo dorado, 1970 Firmado. Fundición en bronce estucado, policromado y detallado al oro. Con certificado de autenticidad del artista, marzo de 1984. Presenta detalles de conservación, la zona de la firma presenta faltantes de dorado. Maqueta para un muro en el Arco Building de Los Angeles, California. (N. Danzig, Polonia, 1915 - Ciudad de México, 1990) Polifacético e infatigable, su avasallante espíritu emprendedor, aparte de la vasta obra propia, se manifestó en el apoyo y difusión de numerosos artistas mexicanos, a quienes no sólo aconsejaba, escribía sus presentaciones para catálogos y otras publicaciones, sino también los relacionaba con los múltiples contactos que mantuvo en el plano internacional. Asimismo dio a conocer en México la obra de muchos artistas extranjeros. La importancia de su labor docente y su intervención en el campo de la arquitectura descubrió horizontes novedosos en ambas disciplinas. Estas son, entre otras aportaciones, lo que la cultura y el arte de México y el mundo deben al generoso desprendimiento de su capacidad creadora. Véase: KASSNER, Lily. "Mathias Goeritz. Una biografía 1915 - 1990". México. UNAM - INBA segunda edición, 2007. Pág. 252. 33 x 45.5 x 8 cm

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SERGIO HERNÁNDEZ, Sin título (Sandía), Firmada y fechada 1987. Óleo y arenas sobre lino, 120 x 150 cm, Con certificado del artista.

Lot 30: SERGIO HERNÁNDEZ, Sin título (Sandía), Firmada y fechada 1987. Óleo y arenas sobre lino, 120 x 150 cm, Con certificado del artista.

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Description: SERGIO HERNÁNDEZ Sin título (Sandía) Firmada y fechada 1987 al reverso. Óleo y arenas sobre lino. Con certificado de autenticidad del artista. Procedencia: adquirido en la galería Arte Contemporáneo en diciembre de 1987. (N. Huajuapan de León, Oaxaca, 1957 - ) Asistió a la Academia de San Carlos y a "La Esmeralda". Después de residir un tiempo en París, ciudad que lo nutrió del arte de vanguardias, regresó a su natal Oaxaca en 1988. Esto representó para él un reencuentro con sus orígenes, Hernández estableció una unión con tradiciones pictóricas diferentes y personalidades artísticas diversas, realizando tanto obras de fuerte abstracción como pinturas influenciadas por el lenguaje figurativo de la tradición artística popular de México. Este talentoso artista ha incursionado en una gran diversidad de técnicas. Desde 1978, Hernández ha recibido diversos reconocimientos por su destacada carrera. Su incansable actividad artística lo ha llevado a realizar numerosas exposiciones en sedes como la Galería Chapultepec - INBA, el Museo de Arte Carrillo Gil, Galería Quetzalli, Museo de Arte Moderno, Museo Rufino Tamayo, Galería de Arte Mexicano, Museo de Arte Contemporáneo de Oaxaca, Associated American Artists de Nueva York, entre otros reconocidos espacios. Véase: ARANDA MÁRQUEZ, Carlos et al. "Oaxaca Tierra de Arte". Venecia. Mondadori Electa, 2003. Pág. 32. 120 x 150 cm

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RODOLFO NIETO, Prometeo en la ciudad, Ca. 1958, Firmado. Óleo sobre tela sobre cartón, 40 x 50 cm

Lot 31: RODOLFO NIETO, Prometeo en la ciudad, Ca. 1958, Firmado. Óleo sobre tela sobre cartón, 40 x 50 cm

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Description: RODOLFO NIETO Prometeo en la ciudad, Ca. 1958 Firmado. Óleo sobre tela sobre cartón. Agradecemos a la Sra. Martha Guillermoprieto por la verificación de autenticidad de esta obra, septiembre de 2013. Con etiqueta de Grupo Arte Contemporáneo. (N. Oaxaca, 1936 - Ciudad de México, 1985) Nieto, el pintor "de la angustia engalanada" (aguda frase del crítico portugués Antonio Rodríguez) hace gala, valga la redundancia, de especiales dotes colorísticas, audaces sin ser estridentes, alejadas de todo chabacanismo, siempre producto de orquestaciones sentidas y pensadas. Puede afirmarse que hizo valer tanto como pudo la pintura-pintura, aunque es cierto que destacó notoriamente en el grabado y en el dibujo a línea. Sin ser para nada ilustrador de zoologías, los animales le son con frecuencia motivos predilectos. Pueden ser algo aterrorizantes, aunque a la vez guardan nexos con lenguajes infantiles transportados al espíritu adulto, mecanismo éste que fue muy practicado por Paul Klee en composiciones complejísimas. Véase: DEL CONDE, Teresa. "Rodolfo Nieto: retrospectiva". México. Diario La Jornada, 20 de abril de 2010. 40 x 50 cm

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RODOLFO MORALES, Sin título, Firmado. Óleo sobre tela, 79 x 100 cm

Lot 32: RODOLFO MORALES, Sin título, Firmado. Óleo sobre tela, 79 x 100 cm

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Description: RODOLFO MORALES Sin título Firmado. Óleo sobre tela. Agradecemos a Víctor González Sánchez, presidente de la Fundación Arte de Oaxaca, A.C., por la verificación de autenticidad de esta obra, octubre de 2013. (N. Ocotlán, Oaxaca, 1925 - Oaxaca, Oaxaca, 2001) Cuando era niño era solitario y taciturno, lo que lo convirtió en un agudo observador de la realidad que lo rodeaba, dando prueba muy pronto de sus capacidades pictóricas. Sus padres, que apoyaban sus inclinaciones artísticas, lo inscribieron en la Academia de San Carlos. Rodolfo Morales trabajó en la sombra hasta 1975, año en que Rufino Tamayo visitó la primera exposición individual del artista en Cuernavaca y lo introdujo en el ambiente artístico. El gran maestro promovió con constancia y convicción la obra de Morales, tanto frente a la crítica, como frente al mercado de coleccionistas. En 1985, tras haber conquistado una notable fama, regresó a Ocotlán para dedicarse exclusivamente a la pintura. En 1992 creó la Fundación Cultural Rodolfo Morales. Es considerado verdadera alma de la Escuela de Oaxaca. Véase: ARANDA MÁRQUEZ, Carlos et al. "Oaxaca Tierra de Arte". Venecia. Mondadori Electa, 2003. Pág. 52. 79 x 100 cm

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RODOLFO MORALES, Sin título, Firmado. Óleo sobre tela, 80 x 80 cm, Obrfa publicada en el libro

Lot 33: RODOLFO MORALES, Sin título, Firmado. Óleo sobre tela, 80 x 80 cm, Obrfa publicada en el libro "Rodolfo Morales", Veracruz 1992.

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Description: RODOLFO MORALES Sin título Firmado. Óleo sobre tela. Agradecemos a Víctor González Sánchez, presidente de la Fundación Arte de Oaxaca, A.C., por la verificación de autenticidad de esta obra, octubre de 2013. Las formas de Morales son deliberadamente ingenuas porque implican un ánimo intuitivo cuyas fuentes están en la imaginería popular y en las raíces del origen personal, en las estampas del pueblo donde la vida ofrece las celebraciones cotidianas del mercado, de la plaza de armas, de la iglesia, del horizonte abierto e intachable, de la luz reinante en cada espacio o de la nocturnidad complementaria. Véase: SOLANA OLIVARES, Fernando "Rodolfo Morales 50 años de pintura". México. Fundación Cultural Rodolfo Morales A.C., 2000. 80 x 80 cm

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GUILLERMO MEZA, Máscara, Firmado, con monograma y fechado 1961 al frente. Firmado y con monograma al, 80.5 x 66 cm

Lot 34: GUILLERMO MEZA, Máscara, Firmado, con monograma y fechado 1961 al frente. Firmado y con monograma al, 80.5 x 66 cm

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Description: GUILLERMO MEZA Máscara Firmado, con monograma y fechado 1961 al frente. Firmado y con monograma al reverso. Óleo sobre tela. (N. Ciudad de México, 1917 - Ciudad de México, 1997) "Las artes plásticas deben llevar a quien las mire, el valor, el calor humano, el amor profundo a todo lo recto y limpio; deben hacer sentir una efervescencia y la ebullición del espíritu". Guillermo Meza. 80.5 x 66 cm

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FEDERICO CANTÚ, Flora, Firmado y fechado 51. Óleo sobre tela, 101 x 74.5 cm

Lot 35: FEDERICO CANTÚ, Flora, Firmado y fechado 51. Óleo sobre tela, 101 x 74.5 cm

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Description: FEDERICO CANTÚ Flora Firmado y fechado 51. Óleo sobre tela. Agradecemos a Adolfo Cantú por la verificación de autenticidad de esta obra, agosto de 2013. (N. Cadereyta, Nuevo León, 1907 - Ciudad de México, 1989) "Flora es una alegoría a Ceres (de la raíz ker, "crecer, crear"), la diosa de la agricultura, las cosechas y la fecundidad. De ella reciben su nombre los cereales, por ello está coronada por el trigo, sin embargo, y como acostumbraba el artista, la época es intemporal y porqué no; la sitúa en nuestro México. Para terminar, el marco es original del artista, que gustaba buscar marcos elaborados en el siglo XIX en la Lagunilla". Adolfo Cantú. 101 x 74.5 cm

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JUAN SORIANO, Retrato de mujer, Firmado y fechado 36. Óleo sobre fibracel, 70 x 47.5 cm, Con certificado del artista.

Lot 36: JUAN SORIANO, Retrato de mujer, Firmado y fechado 36. Óleo sobre fibracel, 70 x 47.5 cm, Con certificado del artista.

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Description: JUAN SORIANO Retrato de mujer Firmado y fechado 36. Óleo sobre fibracel. Con certificado de autenticidad firmado por el artista, México DF 11 junio 2003. Agradecemos a Marek Keller, director de la Fundación Juan Soriano y Marek Keller A.C., por la verificación de autenticidad de esta obra, agosto de 2013. (N. Guadalajara, Jalisco, 1920 - Ciudad de México, 2006) 70 x 47.5 cm

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RICARDO MARTÍNEZ, Mujeres blancas, Firmado y fechado 47. Óleo sobre tela, 85.5 x 116 cm

Lot 37: RICARDO MARTÍNEZ, Mujeres blancas, Firmado y fechado 47. Óleo sobre tela, 85.5 x 116 cm

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Description: RICARDO MARTÍNEZ Mujeres blancas Firmado y fechado 47. Óleo sobre tela. Con etiqueta de Galerías Iturbide con el título "Figuras blancas". Esta obra será registrada para el Catálogo Razonado del Dr. Mark Ruben con núm. RM-47003. Presenta pequeña restauración. "Cuando se presentó la primera exposición de pintura de Ricardo Martínez, en 1944, en la ahora legendaria Galería de Arte Mexicano, la denominada Escuela Mexicana de Pintura se encontraba en proceso de revisión. Años atrás había abandonado sus estudios de derecho en aras de dedicar su vida a una devoción impostergable y de grandes exigencias: el arte de la pintura. "En esta primera etapa, que podemos fijar entre 1944 y 1959, su tentativa plástica no sucumbe a los estragos de "la angustia de las influencias"; lejos de todo mimetismo acomodaticio, el joven pintor identifica filiaciones y temperamentos visuales, penetra en el canon presente con la humildad del aprendiz -pero siempre en estado de alerta y de lúcido escrutinio-, exigiéndose no la sospechosa y quimérica evolución del artista, sino algo todavía más complejo: la invención de un mundo donde puedan morar sus obsesiones más apremiantes de verdad y de belleza. Pero en tanto construye ese orbe necesario, pinta una serie de retratos y de paisajes, así como otras piezas donde se dan cita parejas o grupos de personas, adustas y misteriosas, ensimismadas en situaciones de gravedad y expectación". Ernesto Lumbreras. Véase: CASTILLO, Erik, et al. "Ricardo Martínez". México. Editorial RM - Museo de la Ciudad de México, 2012. pp. 25 - 28. 85.5 x 116 cm

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SANTIAGO CARBONELL Figura que se esconde tras el advenimiento de su propia luz, Firmada. Bronce 9 / 9, 60 x 36 x 36 cm, Con certificado

Lot 38: SANTIAGO CARBONELL Figura que se esconde tras el advenimiento de su propia luz, Firmada. Bronce 9 / 9, 60 x 36 x 36 cm, Con certificado

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Description: SANTIAGO CARBONELL Figura que se esconde tras el advenimiento de su propia luz Firmada. Escultura en bronce 9 / 9 Con certificado de autenticidad de Galería Alfredo Ginocchio firmado por el artista, junio de 2013. Agradecemos a Galería Alfredo Ginocchio por la verificación de autenticidad de esta obra, septiembre de 2013. (N. Ecuador, Quito, 1960 - ) 60 x 36 x 36 cm

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CARLOS OROZCO ROMERO, Mujeres con niño, Firmado y fechado 1974. Óleo sobre tela. 99 x 90 cm

Lot 39: CARLOS OROZCO ROMERO, Mujeres con niño, Firmado y fechado 1974. Óleo sobre tela. 99 x 90 cm

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Description: CARLOS OROZCO ROMERO Mujeres con niño Firmado y fechado 1974. Óleo sobre tela. Agradecemos a la Sra. Alejandra Yturbe, de la Galería de Arte Mexicano, por la revisión de esta obra, agosto de 2013. Con etiquetas de: Muestra Banamex Pintura y Escultura. Galería Gabriela Orozco Plástica Contemporánea. Instituto Nacional de Bellas Artes - Oficina de Registro de Obras. (N. Guadalajara, Jalisco, 1896 - Ciudad de México, 1984) "El artista que limita su vida a un solo sector, limita su obra. La capacidad y contacto con el mundo aumenta nuestras posibilidades expresivas. El artista de capacidad está atento a todo aspecto humano. El buen arte tiene un sentido: la verdad. La verdad del arte es relativa, no absoluta. Para el pintor, lo bueno y lo malo son materiales para su arte. La pintura tiene su realidad; esta realidad es independiente del mundo exterior; la creación expresa su propia belleza". Carlos Orozco Romero. 99 x 90 cm

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SOFÍA BASSI, Sin título, Firmado. Óleo sobre masonite, 70 x 60 cm

Lot 40: SOFÍA BASSI, Sin título, Firmado. Óleo sobre masonite, 70 x 60 cm

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Description: SOFÍA BASSI Sin título Firmado. Óleo sobre masonite. Agradecemos a Franco Bassi por la verificación de autenticidad de esta obra, septiembre de 2013. (N. Camerino Mendoza, Veracruz, 1913 - Ciudad de México, 1998) "En la obra de Sofía Bassi se siente una gran experiencia de muchísimos años, una maestría. Y sobre todo este mundo íntimo, este íntimo poético que nos conduce a universos oníricos. Es una pintura que realmente me emociona, de las pocas obras de la nueva escuela mexicana de pintura que realmente me conmueve". José Luis Cuevas, 1972. 70 x 60 cm

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CORDELIA URUETA, Noche Submarina, Firmado y fechado 52. Óleo sobre tela, 80 x 100 cm

Lot 41: CORDELIA URUETA, Noche Submarina, Firmado y fechado 52. Óleo sobre tela, 80 x 100 cm

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Description: CORDELIA URUETA Noche Submarina Firmado y fechado 52. Óleo sobre tela. Con etiqueta del Instituto Nacional de Bellas Artes - Museo Nacional de Artes Plásticas. (N. Ciudad de México, 1908 - México, 1995) Su padre fue el célebre literato y diplomático don Jesús Urueta y don Justo Sierra fue su tío abuelo. El Dr. Atl, a quien ella llamaba "tío Murillo", al ver unos retratos realizados tempranamente por ella, dijo que la niña tenía talento y la alentó a seguir dibujando. En 1929 viajó a Nueva York, su tío político Juan José Tablada la llevó a "Delphic Studios" donde Alma Reed la invitó a participar en una exposición junto a Orozco y Tamayo. Posteriormente fue a trabajar como canciller de la Embajada en Francia y a su regreso en 1950 presentó su primera exposición individual en el Salón de la Plástica Mexicana. Cordelia se propuso depurar su oficio hasta encontrar su propio estilo. El lugar que ocupaba la figura poco a poco fue desapareciendo, cediendo su importancia a las texturas y el color. La pintora buscaba que el sentido de sus colores fuera cada vez más fiel a sus sentimientos. A lo largo de su vida Cordelia presentó numerosas exposiciones en galerías nacionales y de Perú, Honduras, EE.UU., Italia, Israel y Japón. Para muchos, fue una mujer rebelde que de esta manera pudo lograr una expresión personal y sincera, porque una pintura tan limpia, firme y honesta sólo puede surgir de la pasión de una profunda reflexión. Véase: LARA ELIZONDO, Lupina "Visión de México y sus Artistas. Tomo I". México. Promoción de Arte Mexicano, 2000. pp. 200-203. 80 x 100 cm

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FRANCISCO ZÚÑIGA, Mujer con tocado, Firmado y fechado 1975. Crayón y pastel sobre papel, 66.5 x 47.5 cm

Lot 42: FRANCISCO ZÚÑIGA, Mujer con tocado, Firmado y fechado 1975. Crayón y pastel sobre papel, 66.5 x 47.5 cm

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Description: FRANCISCO ZÚÑIGA Mujer con tocado Firmado y fechado 1975. Crayón y pastel sobre papel. Agradecemos al Sr. Ariel Zúñiga por la verificación de autenticidad de esta obra, septiembre de 2013. Con copia del certificado de la Fundación Zúñiga Laborde, enero de 2004. En dicho certificado se titula a la obra "Mujer con paño" y la medida aparece invertida: 50 x 70 cm Publicado en: ZÚÑIGA, Ariel. "Francisco Zúñiga: Catálogo Razonado / Catalogue Raisonné. Volumen IV - Volume IV: Dibujos / Drawings 1971-1989". México. Albedrío/Fundación Zúñiga Laborde, 2006. Pág. 500, catalogado 2275. 66.5 x 47.5 cm

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FRANCISCO ZÚÑIGA, Dos mujeres sentadas, Firmado y fechado 1972. Crayón y acuarela sobre papel, 50 x 65 cm, Con certificado.

Lot 43: FRANCISCO ZÚÑIGA, Dos mujeres sentadas, Firmado y fechado 1972. Crayón y acuarela sobre papel, 50 x 65 cm, Con certificado.

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Description: FRANCISCO ZÚÑIGA Dos mujeres sentadas Firmado y fechado 1972. Crayón y acuarela sobre papel. Con certificado de autenticidad de Fundación Zúñiga Laborde A.C., enero de 2013. Agradecemos al Sr. Ariel Zúñiga por la verificación de autenticidad de esta obra, enero de 2013. Esta obra será incluida en "Francisco Zúñiga: Catálogo Razonado / Catalogue Raisonné. Volumen V". México. Albedrío/Fundación Zúñiga Laborde. "Tal vez mi mundo sea el de la representación indígena femenina y de poses que están en relación con viejas culturas de Mesoamérica, lo que es una motivación emocional imperante y de la cual reafirmo justamente en cierto lado irracional, los valores psicológicos, la herencia. Relaciono todo esto simbólicamente con lo geológico, lo terráqueo del origen, más aún, lo erótico." Francisco Zúñiga, 1987. Véase: ZÚÑIGA, Ariel, et al. "Francisco Zúñiga." México-Madrid. El Equilibrista / Turner Libros, 1994. pp. 43-44. 50 x 65 cm

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DAVID ALFARO SIQUEIROS, Sin título - Mujer en drama, Firmada. Piroxilina sobre masonite, 72 x 79 cm

Lot 44: DAVID ALFARO SIQUEIROS, Sin título - Mujer en drama, Firmada. Piroxilina sobre masonite, 72 x 79 cm

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Description: DAVID ALFARO SIQUEIROS Sin título - Mujer en drama Firmada. Piroxilina sobre masonite. Ensayo documental por la Doctora Irene Herner. Esta pintura se encuentra en buen estado, excepto por una parte algo craquelada a la altura de la nariz. Está firmada en la parte inferior derecha: Siqueiros. No tiene fecha ni título. Representa a una mujer mexicana, campesina, trabajadora o marchante del mercado que actualiza a las adelitas, las compañeras de los soldados revolucionarios de 1910 y por tanto también a las mujeres presentes en las huelgas reprimidas, víctimas y denunciantes del descuido de los principios de la justicia social. Ideal justiciero por el que soldados como él arriesgaron su vida en los campos de batalla. No sabemos aún cuántos en total son los retratos que pintó David Alfaro Siqueiros de mujeres que imploran, de madres con su hijo en brazos, de aquellas que lloran a sus hijos muertos, las que van huyendo perseguidas por la realidad. Retratos de mujeres dolorosas y valientes en marcha, en pos del derecho de ser sujetos de la historia. Conocemos muchas imágenes de mujeres con expresiones atormentadas (ejemplos de ello son las icónicas "Madre campesina" y "Niña madre"), tan indignadas, como el dramatismo del presente cuadro. Mujeres envueltas por sus rebosos que equivalen a las túnicas de las mujeres de la antigua Grecia, de las de Jerusalén, de las pobres de todos los pueblos, de todos los tiempos. El reboso, una prenda que proviene de la más antigua tradición, actualiza los drapeados de la historia de la pintura y la escultura. El pintor público pinta al pueblo, se identifica con él, hace de cada cara una estructura, un retrato verdadero que pasa por las facciones de las retratadas y a la vez las hermana en un modelo, en una estética. Por el magistral estilo y por la manera particular de pintar el tema de la mujer, me parece que este cuadro fue realizado en la cárcel (1960-1965). En esos tiempos Siqueiros dedica muchas horas a pintar. Lo consuela darle alas a su sentido lúdico, como lo deja ver sobre el reboso de la retratada, en el que pinta como sobre una pantalla, equivalencias de sus paisajes y flores - tales como el ramo que le dedica a la solidaria Angélica "en tu día". Durante su encierro no tiene acceso a flores frescas para obsequiarle, pero la pintura reconstruye a su manera los portentos de la naturaleza que él añora y ofrenda a la vida. Esta pintura vibra de manera energética, es una propuesta expresionista en la que los sólidos trazos sintéticos negros y cafés se combinan y confrontan con barrocos y libres goteos, manchas y pinceladas de colores verdes, turquesa, morados, amarillos, grises, blancos y rojos. Los "accidentes controlados" como bautizó en los 1930s Siqueiros a su método de usar el color -en especial las pequeñas manchas que deja fluir -, a la experimentación con la abstracción expresionista, los llevó a cabo con un criterio acorde con el de algunos surrealistas entonces simpatizantes comunistas. La innovación a la manera de pintar que aportó Siqueiros a la Historia del Arte Moderno, es consecuente con su audacia de replantear significantes clave de la tradición pictórica, tales como los materiales (el uso de pintura industrial como la piroxilina), las herramientas y las técnicas. El llanto tan antiguo de las mujeres de México se convierte en rictus, en una mueca que golpea, que explota sobre los ojos de quien mira. La frente y la nariz de la retratada conforman una construcción cubista en el sentido de Cézanne: Una pintura es una construcción de realidad, no una imitación de las apariencias. La construcción de esta nariz conforma la estructura (la "máquina armónica") sobre la que gira de manera concéntrica la composición. La nariz es el trazo fuerte que articula nuestra visión. Una gran nariz aguileña- misma que tiene una historia en otros retratos y sobre todo autorretratos- que se desprende de la frente rota por formas de sólidos bloques, y se continúa con una línea subrayada que rodea la barbilla, para hacer sobresalir la sensación del llanto que pinta una dura y conmovedora representación de la boca y de los ojos indios entrecerrados. A partir de los trazos firmes de la cara, Siqueiros pinta con movimiento circular y formas diagonales el reboso que cubre la cabeza escultórica de la mujer. Un despliegue expresionista de su método poliangular. El cuadro es un estudio para el ciclo mural del Castillo de Chapultepec con el tema de la Revolución de 1910, iniciado en 1957 y que dejó inconcluso hasta salir de la cárcel en 1965 y también lo pensó para el ciclo mural El drama y la comedia en la vida social de México de la ANDA sobre las tribulaciones y las luchas sindicales, y por fin, lo ensayó para las figuras femeninas de La Marcha de la Humanidad en el ciclo mural del Polyforum (1967), bajo los auspicios de su mecenas y amigo Manuel Suárez. Cada uno de estos retratos femeninos que Siqueiros pintó, recuperan su pensamiento en acción, su técnica y su estilo. Retratos anónimos como el presente trasmiten -"en un grano de arena"- la poderosa energía característica de su obra Universal. Doctora Irene Herner, enero de 2013. 72 x 79 cm

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JESÚS GUERRERO GALVÁN, Salomé y San Juan Bautista, Firmado y fechado 1953. Óleo sobre tela, 55.5 x 63 cm

Lot 45: JESÚS GUERRERO GALVÁN, Salomé y San Juan Bautista, Firmado y fechado 1953. Óleo sobre tela, 55.5 x 63 cm

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Description: JESÚS GUERRERO GALVÁN Salomé y San Juan Bautista Firmado y fechado 1953. Óleo sobre tela. (N. Tonalá, Jalisco, 1910 - Cuernavaca, Morelos, 1973) En Guadalajara fue alumno del maestro José Vizcarra. En 1930, se trasladó a la ciudad de México, cautivado por el movimiento muralista; aquí presentó en 1941 su primera exposición individual en la Galería de Arte Mexicano de Inés Amor, quien lo apoyó en lo profesional y personal por el resto de su vida. Destacó por su pintura de caballete y fue considerado como un gran clásico de la Escuela Mexicana de Pintura. Los críticos dicen que este artista cultivó un realismo lírico de profunda espiritualidad. Notable dibujante y colorista, realizó excelentes retratos. Véase: TOVAR Y DE TERESA, Guillermo. "Repertorio de Artistas en México." Tomo II. México. Grupo Financiero Bancomer, 1996. Pág. 120. 55.5 x 63 cm

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JUAN SORIANO, Homenaje a Isabel Villaseñor, Firmada y fechada 53. Terracota, pieza única, 48 x 62 x 28 cm

Lot 46: JUAN SORIANO, Homenaje a Isabel Villaseñor, Firmada y fechada 53. Terracota, pieza única, 48 x 62 x 28 cm

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Description: JUAN SORIANO Homenaje a Isabel Villaseñor Firmada y fechada 53. Terracota, pieza única. Agradecemos a Marek Keller, director de la Fundación Juan Soriano y Marek Keller A.C., por la verificación de autenticidad de esta obra, septiembre de 2013. Publicada en: CERVANTES, Miguel (coord.) "Juan Soriano. La creación como libertad". México. Instituto Nacional de Bellas Artes, 2000. Pág. 141. Por error las medidas que publicaron son 48 x 62 x 38 cm Exhibida en: "Juan Soriano. La creación como libertad. Homenaje nacional en su 80 aniversario" presentada en el Museo de Arte Contemporáneo Rufino Tamayo (junio a septiembre del 2000) y en el Museo de Arte Contemporáneo de Monterrey (noviembre del 2000 a enero del 2001). 48 x 62 x 28 cm

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JUAN SORIANO, Retrato de hombre, Firmado y fechado 49. Óleo sobre tela, 95 x 70 cm

Lot 47: JUAN SORIANO, Retrato de hombre, Firmado y fechado 49. Óleo sobre tela, 95 x 70 cm

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Description: JUAN SORIANO Retrato de hombre Firmado y fechado 49. Óleo sobre tela. Agradecemos a Marek Keller, director de la Fundación Juan Soriano y Marek Keller A.C., por la verificación de autenticidad de esta obra, julio de 2013. Obra restaurada. 95 x 70 cm

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DR. ATL, Autorretrato, Firmada. Sanguina y pastel sobre papel, 31 x 23 cm, Con certificado.

Lot 48: DR. ATL, Autorretrato, Firmada. Sanguina y pastel sobre papel, 31 x 23 cm, Con certificado.

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Description: GERARDO MURILLO "DR. ATL" Autorretrato Firmada. Sanguina y pastel sobre papel. Con certificado de autenticidad de Galería de Arte Mexicano, enero de 2009. (N. Guadalajara, Jalisco, 1875 - Ciudad de México, 1964) Gerardo Murillo se cambió de nombre cuando viajando en barco de Nueva York a París al presentarse una terrible tempestad, pensó en cambiarse el nombre por el de Atl, agua en náhuatl. Al llegar a París, firmó así. Luego viajó a Roma, donde obtuvo el doctorado en filosofía. De regreso en París, el poeta argentino Leopoldo Lugones le agregó lo de "doctor" y, junto con todos sus amigos, lo bautizaron en una tina de champaña como Dr. Atl. Siguiendo esa costumbre, el Dr. Atl también bautizó a su amante, la bellísima poetisa y pintora Carmen Mondragón: Nahui Olin. Véase: "Dr. Atl. Inventor de Paisaje". México. Fomento Cultural Banamex, A.C., 1978. 31 x 23 cm

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DR. ATL, Paisaje con iglesia / Cruz de atrio / Impresionismo (paisaje con iglesia), 1900, Firmada. Con constancia de opinión.

Lot 49: DR. ATL, Paisaje con iglesia / Cruz de atrio / Impresionismo (paisaje con iglesia), 1900, Firmada. Con constancia de opinión.

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Description: GERARDO MURILLO "DR. ATL" Paisaje con iglesia / Cruz de atrio / Impresionismo (paisaje con iglesia), 1900 Firmada "G. Murillo" al frente. Pastel, gouache y acuarela sobre papel, doble vista. Con etiqueta del Museo Nacional de Arte / MUNAL con el título "Paisaje con iglesia". Con constancia de opinión de Galería de Arte Mexicano, octubre de 2009. Mencionada en el índice de "Dr. Atl 1875 - 1964 Conciencia y Paisaje", catálogo de la exposición presentada en el Museo Nacional de Arte en diciembre de 1984, con el número de catalogación 52 y el título "Impresionismo (paisaje con iglesia)". 35 x 47 cm

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DR. ATL., Valle de México, Firmado. Atl colors y óleo sobre cartón, 26.5 x 34 cm, Con certificado.

Lot 50: DR. ATL., Valle de México, Firmado. Atl colors y óleo sobre cartón, 26.5 x 34 cm, Con certificado.

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Description: GERARDO MURILLO "DR. ATL." Valle de México Firmado. Atl colors y óleo sobre cartón. Con certificado de autenticidad de Galerías A. Cristobal. Procedencia: Colección Particular Ciudad de México. Atl era el hombre renacentista del siglo XX, encarnaba el ideal del humanismo. Inteligentísimo, con proyecciones culturales que lo llevan a impulsar el arte popular cuando nadie lo veía y a poner el arte virreinal en el tapete de la apreciación artística; hizo adaptaciones a la técnica pictórica: introdujo el sfumato, que le permitía fijar el ambiente y la distancia; también creó los atl-colors, resultado de su exploración técnica. Eran una amplia gama de tonos brillantes que podían ser aplicados en casi cualquier superficie pintada para conseguir una textura más rica, y según aseguraba el mismo Atl nunca perderían su vibrante color y luminosidad. Vulcanólogo y político, amante de los grandes panoramas, el Dr. Atl adoptó la perspectiva curva propuesta por Luis G. Serrano, e inició el aeropaisaje, es decir conjuntos geográficos tomados desde los aviones. Con máxima economía de elementos llevó a cabo impresionantes paisajes, principalmente del volcán Paricutín. La máxima invención del Dr. Atl es haber comprendido, aceptado y predicado que un paisaje pintado por un hombre alcanza el supremo nivel de lo artístico, en tanto surge como un acto de reafirmación humana de alcances universales. Véase: "Dr. Atl. Inventor de Paisaje". México. Fomento Cultural Banamex, A.C., 1978. 26.5 x 34 cm

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